La Virgen y el Niño con san Juan Bautista es un cuadro pintado por el artista italiano Michele di Ridolfo del Ghirlandaio, también conocido como Michele Tosini, datada cerca de 1540; es un temple y óleo sobre tabla de 84.9 x 69 cm. Sin embargo existen otros cuadros del artista bajo el mismo nombre, los cuales se encuentran en diferentes museos.1
Obra[editar]
Dentro de su repertorio, este cuadro es el más cercano al manierismo debido a la teatralidad con que se representa el tema. Del lado izquierdo, desde el punto de vista del espectador, se encuentra representada la Virgen María ligeramente inclinada hacia delante, formando una composición triangular. En sus piernas esta el Niño Jesús desnudo, pero no se encuentra quieto, sino que es detenido por el brazo de María para ir con san Juan Bautista su primo, a quien estira su brazo. San Juan sostiene en sus manos una cruz hecha con dos armas; porta una capa roja, la cual se sostiene de un hombro.
El paisaje, común del cinquecento Italiano, es un paisaje elaborado a base de azules, con los que se plasma el cielo y montañas.1
La contrarreforma católica[editar]
Este cuadro se elaboró en el marco del conflicto entre los católicos y protestantes conocido como la Contrarreforma, por lo que la representación de temas religiosos se ve afectada durante este tiempo, pues en este momento ocurrió una reestructuración de la doctrina católica. Sin embargo autores como David Franklin afirman que Tosini se mantuvo alejado de los cánones de la pintura italiana del XVI.
La visitación es una obra de El Greco, realizada en 1609durante su último período toledano. Se conserva en Dumbarton Oaks de Washington D. C..
Análisis[editar]
Isabel de Oballe fundó la capilla de la iglesia de San Vicente de Toledo que lleva su nombre. Al cretense se le encargó realizar «una ystoria de la uisitación de santa Isabel por ser el nombre de la fundadora, para lo que se a de fixar un zírculo adornado con su cornisa a la manera que está en Illescas». Se culminó en 1613.
La Virgen María y su prima santa Isabel se encuentran frente a una puerta manierista, simple y monumental. A la derecha se presagia el destino de sus hijos: Cristo crucificado y san Juan Bautista degollado. La pincelada es muy fuerte, según el canon tradicional de la Escuela veneciana, mientras que las tonalidades convierten esta obra en un conjunto de sublime delicadeza.
La última cena es una obra de El Greco, realizada en 1568. Representa a Cristo en la Última Cena con sus apóstoles, antes de sufrir su Pasión. El espacio pictórico, representado en perspectiva, tiene poco volumen corporal y parecer estar suspendido sobre el aire.
Análisis[editar]
El interés de El Greco por la perspectiva se acentúa en esta obra, al situar la escena en un espacio con varias puertas y baldosas. Las figuras se sitúan alrededor de una mesa cubierta por un mantel, donde descuella la bien pergeñada figura de Jesucristo y su túnica roja, que se convierte en un potente foco de luz.
Destacan las actitudes de los apóstoles, resueltas con acierto y empleando distintos modelos y colores. Se aprecia un barniz oriental, aunque la pincelada rápida permite anticipar uno de los rasgos más distintivos del artista durante toda su producción pictórica.
| cnica | Óleo sobre temple | |
|---|---|---|
| Estilo | Manierismo | |
| Tamaño | 43 cm × 52 cm | |
| Localización | Pinacoteca Nacional, Bolonia,  Italia | |
La última cena, es la última gran obra del pintor italianoTintoretto, con la que culmina su trayectoria como pintor. Está realizada en óleo sobre lienzo. Mide 365 cm de alto y 568 cm de ancho. Fue pintado en los años 1592-1594, encontrándose en la Basílica de San Giorgio Maggiore de Venecia, Italia.
La última cena es un tema que el artista había trabajado en otras ocasiones, y es clásico en la pintura religiosa católica. Este cuadro, como la Recogida del maná (1594) y La deposición (1592-94), fueron realizados para la iglesia y monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia. Se encuentra en un muro del presbiterio.
Comparar esta obra con La Última Cena de Leonardodemuestra de qué forma evolucionó el arte desde el Renacimiento. En la obra de Leonardo, los discípulos se sitúan alrededor de Jesús con una simetría casi matemática. En las manos de Tintoretto, la misma escena aparece dramáticamente distorsionada, utilizando una muy original perspectiva oblicua. Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que subraya detalles incongruentes. Es una obra oscura, en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo.
El tono es resueltamente barroco.
| Autor | Tintoretto, 1592-1594 | |
|---|---|---|
| Técnica | Óleo sobre lienzo | |
| Estilo | Manierismo | |
| Tamaño | 365 cm × 568 cm | |
| Localización | Basílica de San Giorgio Maggiore, Venecia, Italia | |
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