El Canto de la Pasión de Chinchilla es una obra literaria y musical medieval anónima del siglo XV. Está compuesto por 30 estrofas en romance de cuatro versos octosílabos cada una, y en ellas se narra todo lo acontecido desde que Jesucristo es prendido en el Huerto de Getsemaní en Jerusalén hasta que, con la cruz a cuestas, llega al Monte Calvario.
Este canto se interpreta en la ciudad de Chinchilla de Montearagón (Albacete) durante la Procesión del Encuentro el día de Viernes Santo por la mañana, siendo responsable de su ejecución la Sección de las Cruces y la Pasión de Nuestro Señor Jesucristo de la Real Cofradía de Nuestro Padre Jesús Nazareno, las Cruces y Santísima Virgen del Rosario, gracias a la que se ha conservado hasta nuestros días.
Por sus características, los expertos (ver bibliografía) la consideran como el drama litúrgico pasional en castellano más antiguo conservado en España.
Características musicales[editar]
La música de la Pasión de Chinchilla es sobrecogedora. Si bien no se puede precisar su cronología exacta al carecer de documentación al respecto, los expertos afirman que se trata de una composición medieval, seguramente anterior al texto, surgida en la Chinchilla de los siglos XIII al XV. Las principales características de su música son:
- Tiene una gran influencia medieval. Está llena de giros modales típicamente medievales y españoles, utilizando la cuarta disminuida
- Su estilo monódico, a una sola voz, sin armonía
- El comienzo de cada estrofa es en modo salmódico (sobre una misma nota repetida se introduce un texto explicativo), mientras que los tres siguientes versos son en modo melismático (sobre una sílaba suenan varias notas seguidas y distintas)
- La narración se caracteriza por la inserción de silencios, que entrecortan las palabras para enfatizar el texto y la melodía. En palabras del profesor José Ferrero “son el verdadero signo de identidad y originalidad de la Pasión”
La Pasión estuvo acompañada por instrumentos musicales en su origen. Actualmente, se utilizan dos instrumentos de chirimía, recuperados en el año 1998, que doblan la voz para servir de apoyo melódico. La antigua Capilla de Música de la Iglesia Parroquial contó con cuatro de estos instrumentos desde el siglo XVII.
Canzona es un término italiano que significa literalmente canción. Con respecto al origen etimológico, esta palabra deriva del término francés Chanson (forma vocal predominante en el siglo XVI). En cuanto a su estructura formal siempre ha respondido a un estilo fugado imitativo, aunque ha ido evolucionando a lo largo de la historia. Como género instrumental, tuvo su apogeo entre los siglos XVI y XVII.
Esta palabra se utilizó con frecuencia en Italia a partir de 1600, y no era frecuente en otros países como Alemania y Francia. La palabra "canzona" originalmente se refería a un arreglo de una canción polifónica. Por ello existen numerosas composiciones que se crearon a base de material de chanson existente, y con el tiempo, el término llegó a ser aplicado a composiciones originales usando expresiones familiares y reelaboraciones.
Tipos de Canzona[editar]
Canzona a solo[editar]
Las primeras transcripciones laúd publicada a la que se le da al término "canzona" son las de Melchiore de Barberiis (Intabulatura de lauto Libro Quinto), Domenico Bianchini, Francesco da Milano y Antonio Rotta. Sin embargo, nunca llegó a tener mucho éxito.
Un buen número de canzonas teclado del siglo 16 no son más que las transcripciones de chansons, por ejemplo las de Andrea Gabrieli y Sperindio Bertoldo. A menudo la ornamentación es muy profusa.
Uno de los primeros compositores para escribir canzonas independientemente de los modelos vocales fue Claudio Merulo. Cinco de sus 23 canzonas (publicado en tres libros en 1592, 1606 y 1611, respectivamente) son transcripciones de chansons. Sin embargo, su apariencia en forma de teclado desde 1592 en adelante, inevitablemente, ha allanado el camino de la canzona. El primer compositor de dichas obras fue Vicenzo Pellegrini, con su Canzona Intavolatura d'organo fatte alla francese, aparecida en 1599. Al igual que las de Merulo, llevan títulos como La Berenice y La gentil. A partir de este punto, el canzona se convirtió en gran medida una forma independiente de la música del teclado.
Otros compositores antiguos de canzonas para teclado del siglo XVII son Banchieri, G. P. Cima, Ercole Pasquini, Macque, Mayone y Trabaci. Frescobaldi también publicó canczonas en su Ricercari et Canzoni franzese (1615). Son multiseccionales, mostrando una tendencia a la variación que es más pronunciado en unas que en otras.
Los canzonas en Fiori Musicali (1635) son similares a otros canzonas de Frescobaldi. Su estructura multiseccionale permite al intérprete acortar la pieza corta si la liturgia impide una actuación completa. Al mismo tiempo, hay demasiadas características de estilo de teclado altamente individual de Frescobaldi para que puedan ser consideradas como meras transcripciones.
Canzona a conjunto[editar]
Las primeros canzonas independientes de los modelos vocales, además de los ejemplos para laúd en solitario mencionados anteriormente, parecen haber sido para conjunto instrumental. Una pieza de cinco partes solitario titulado 'La bella: canzone da sonare' aparece al final del libro quinto de Nicolò de Vicentino (1572).
En el segundo libro de madrigales de Ingegneri (1579) también aparecen dos piezas que, posiblemente son reelaboraciones de modelos vocales. La primera colección de composiciones originales en esta forma aparece en un libro de Maschera, aparecido en 1582. Fue seguido por volúmenes tales como "Canzoni di diversi por sónar" (publicado por Giacomo Vincenti) y los de Bariolla (1594). El libro de Maschera contiene 21 piezas, con algunos títulos tales como La Capriola o La Martinenga. Otra antología posterior de importancia es "Canzoni per sonare" de Raverii.
Mientras que las obras de cuatro y cinco piezas de la colección de Raverii, junto con las obras de cuatro partes incluidas por Soderini, por lo general cuentan con ritmos vivos y texturas fugadas, encontramos un enfoque diferente en las obras antifonales que, por entonces, eran un poco convencionales, pues ya habían sido explotadas por Giovanni Gabrielli. Los instrumentos especificados en el volumen son la corneta, violín y trombón, y éstos se utilizan de diversas maneras en cinco de las obras; sin duda, las 11 obras restantes deben llevarse a cabo de manera similar.
El conjunto canzona guarda una relación estrecha con otras dos formas del siglo XVI: aparte de la sonata, la sinfonía y el concierto. Por lo tanto, a principios de este siglo, canzona, sonata, sinfonía y el concierto eran términos intercambiables en gran medida en el ámbito de la música instrumental. Por lo general, se les proporciona un bajo de órganos, que puede ser simplemente un bajo seguente después de la parte más baja de resonancia, o bien un bajo continuo. El concierto y la sinfonía se desarrollaron posteriormente.
La sonata barroca temprana también conservó la forma multiseccional de algunas canzonas, y usan el título de algunas fantasías. Otros compositores, como Tarquinio Merula, prefirieron el nombre de la antigua, aunque sus obras son esencialmente sonatas. El primer libro de Merula (1615) consta de cuatro partes de obras de estilo renacentista, su segundo sobrevive en una edición de 1639 y se compone de obras en la textura trío-sonata, incluyendo un bajo continuo, y la tercera (1637), titulado "Sonate overo Canzoni concertate", marca un nuevo avance, para las partes han de resultar por dos violines, violón y bajo continuo. Las combinaciones utilizadas son dos violines y bajo continuo (tanto 'a due'), y dos violines, violón y bajo continuo ( 'a tre'). El cuarto libro (1651) es similar. Maurizio Cazzati fue otra figura de transición importante.
En canzonas anteriores de Merula menudo se encuentran enlaces entre las secciones, lo que resulta en lo que equivale a canzonas variación. No hay un patrón pre-impuesto sobre el número y el orden de las secciones.
En Alemania, los canzonas conjunto publicado más temprano eran los de Hassler (en su Concentus Sacri, 1601).
Evolución a lo largo de la Historia[editar]
Edad Media[editar]
En la época trovadoresca, se le conocía así al poema lírico de 4 o 5 estrofas, de 8 versos cada una.
Renacimiento[editar]
En la Italia de los siglos XV y XVI se encuentra un género monódico, parecido a la frottola y al strambotto, precursor de la villanella y del madrigal llamado canzona. Posteriormente se convierte en canción polifónica derivada de la canción franco-flamenca de Josquin des Prés, Clément Janequin, Thomas Crecquillon y otros, con el nombre de canzona francese.
Estas composiciones son ligeras, rápidas y contrapuntísticamente sencillas. Se escribían para conjuntos y solistas. Su figura inicial era una
sola nota, seguida de otras dos con la mitad del valor de la primera. Contaban con imitaciones, una armonía sencilla y un ritmo enérgico.
En el siglo XVI se hacen transcripciones para laúde instrumentos de tecla, convirtiéndose en un género instrumental. Así mismo, surgen composiciones de estilo vocal,
escritas para instrumentos, tales como la canzona da sonare, muy cercanas al ricercare y a la fuga, que fueron imitadas por otras escuelas europeas.
Se denominó igualmente canzona a un género complejo, alternativamente coral e instrumental, precursor del drama y de la sonata da chiesa
a finales del siglo XVI, del que fue su máximo representante Giovanni Gabrieli.
Barroco[editar]
Durante la primera mitad del siglo XVII, la música instrumental continuó profundizando en el desarrollo de su independencia de la vocal. No obstante, los compositores de música instrumental tomaron muchos recursos elaborados en la música vocal, como el bajo continuo, la ornamentación, o el interés por manifestar los afectos. Los instrumentos de la familia del violín incrementaron su importancia, y su técnica asimiló numerosos recursos vocales. En cuanto a la canzona, utilizó el contrapunto imitativo pero de manera discontinua, es decir, al estar constituida por secciones contrastantes, cada sección posee un motivo diferente, tratado en imitación o con una textura no imitativa. Un subtipo es la canzona variación, en la que un solo motivo aparece, transformado en las secciones sucesivas.
La casida (en árabe, قصيدة qaṣīda; en persa, چكامه chakâmé) es una forma poética propia de la Arabia preislámica; se trataba de un género poético extenso, de más de 50 versos e incluso más de 100. Más tarde fue adoptada por los persas, que la emplearon asiduamente.
La casida árabe[editar]
En su origen, la casida es usualmente un género panegírico dedicado a un rey o a un noble. Las casidas tiene por lo tanto un tema único, desarrollado lógicamente y cerrado al final de la composición.
Aunque la casida clásica estaba formada por una única rima que se mantenía a lo largo de todo el poema, en su forma más extendida suele componerse de pareados, aunque en la versión persa posterior sólo hay un pareado al comienzo, mientras que a partir de ahí sólo el segundo verso de cada par rima con dicho pareado inicial.
En el siglo IX, el escritor de ascendencia irania ibn Qutayba dice en su obra Kitāb aš-šiʿr wa-š-šuʿarāʾ (Libro de la poesía y los poetas) que la casida se compone de tres partes: comienza con una apertura nostálgica, denominada naṣīb, en la que el poeta reflexiona sobre el pasado. Un tópico usual es el del poeta persiguiendo la caravana de su amor; cuando logra alcanzar el campamento, la caravana ya lo ha abandonado. Tras el naṣīb, suele venir el tajalluṣ, una especie de alivio de la nostalgia, que sirve de transición a la siguiente parte del poema, el raḥīl, en que el poeta contempla la dureza de la naturaleza y de la vida alejado de la tribu. Finalmente, el último apartado está dedicado al mensaje central del poema, que puede dedicarse a alabar a la tribu (fajr), a bromear sobre otras tribus (hiŷāʾ) o a presentar máximas morales (ḥikam).
Aunque muchas de las casidas posteriores se apartan de este esquema, en muchas de ellas sigue siendo reconocible, al menos como referencia. Una de las casidas más famosas, especialmente entre los musulmanes suníes, es la Qaṣīdat al-Burda («Casida del Manto»), de Muhammad al-Busiri, que la escribió por atribuir la sanación de su parálisis a un sueño donde el profeta Mahoma lo había cubierto con su manto.[cita requerida]
Variaciones persas del género[editar]
Después del siglo X, los persas desarrollaron ampliamente la casida, y la emplearon para fines distintos de los originales árabes (panegíricos y nostálgicos). Por ejemplo, Naser Josrow empleó el género para expresar contenidos teológicos o éticos. El mismo Avicena empleó la casida con fines filosóficos.
En el estilo persa, el comienzo suele describir un suceso natural, como el paso de las estaciones, un paisaje o una amante imaginaria. De aquí surgen distintos subgéneros, como el «primaveral» o bahârié (en grafía persa: بهاریه), el «otoñal» o jazânié (en grafía persa: خزانیه), etcétera. Tras esta introducción, viene el tajalloṣ, en el que el poeta habitualmente se dirige a sí mismo empleando su seudónimo. La última parte representa el objetivo fundamental del poema, en la que se pide un favor o ayuda a un patrón o mecenas.
Las mejores casidas en lengua persa fueron escritas por los siguientes poetas:
- Farrojí Sistaní, poeta de la corte de Mahmud de Gazni (siglo XII), en especial su «Escena de caza» (en persa: قصیدهٔ شکارگاه),
- Masud Sa'd Salman (siglo XII), erróneamente encarcelado por una supuesta traición.
- Anvari Abiverdi (siglo XII), en especial la que dedicó a pedir ayuda contra la invasión de los mongoles.
- Jaghani Shervani (siglo XII)
- Mohammad Taghi Bahar, del siglo XX, recuperó el género para usos políticos.
Tras la invasión mongola, desde el siglo XIV los poetas persas se interesaron más por el género llamado gazal («discurso amoroso»), y la casida se fue abandonando. El género del gazal tiene su origen en la primera parte de la casida, en que los poetas alaban a sus amantes. Los poetas sufíes emplearon el gazal con fines místicos.[cita requerida]
La casida en la literatura en español[editar]
A lo largo del siglo XX, diversos autores en lengua española han recuperado y empleado la casida para sus propios fines, si bien generalmente no respetan las formas clásicas árabes en sus textos, por lo que lo único que los une con el género original es un sentimiento de nostalgia y pérdida, y una temática generalmente amorosa.
- El primero y más conocido es Federico García Lorca, quien en Poeta en Nueva York y sobre todo en Diván del Tamarit incluye un buen número de casidas y «gacelas».
- También el poeta extremeño Félix Grande ha empleado ocasionalmente la casida, como en Casida de la alta madrugada.
- El mexicano Jaime Sabines es autor de una Casida de la tentadora.
- El argentino Ricardo Molinari también ha escrito una Casida de la bailarina, dedicada precisamente a Federico García Lorca.
- El mexicano Luis Tiscareño es autor de la plaquette "Qasidas de los ojos de mar".
Chanson es un término francés, que en español se refiere a cualquier canción con letra en francés y, más específicamente, a piezas vocales de tema amoroso, y también a las de crítica social y política, en particular las pertenecientes al estilo de los cabarés. En este contexto se llama chansonnier al intérprete de canciones de carácter humorístico o satírico.
En un modo más especializado, la chanson es una pieza musical polifónica de la Baja Edad Media y del Renacimiento. Las chansons antiguas tendieron a presentar una forma fija como balada, rondó o virelay, aunque posteriormente muchos compositores usaron la poesía popular en variedad de formas musicales.
Las primeras chansons fueron para dos, tres o cuatro voces. Al principio la norma eran tres voces, y se comenzó a usar cuatro en el siglo XVI. Algunas veces, los cantantes eran acompañados por música instrumental. Ligeras, rápidas, rítmicas, silábicas. Utilizan el metro binario. La melodía está en la voz superior. Los temas de sus textos son variados, aunque predomina el amoroso.
El más célebre compositor de este género es Clément Janequin.
Historia[editar]
Siglo XV[editar]
Guillaume Dufay y Gilles Binchois, quienes escribieron las llamadas "chansons borgoñonas" (así llamadas por provenir ambos de la región conocida como Bourgogne: en español, Borgoña), fueron los compositores más importantes de la siguiente generación (1420-1470). Sus chansons son en general simples en estilo, con tres voces con un tenor estructural. Otras figuras de esta forma musical son Johannes Ockeghem y Josquin Des Pres, cuyas obras cesaron de estar constreñidas a las formas fijas y comenzaron a desarrollar un estilo impregnado de imitación similar al que se encuentra en los motetes y en la música litúrgica de la época.
Siglo XVI[editar]
A mediados de siglo, Claudin de Sermisy y Clément Janequin compusieron las llamadas "chansons parisinas", en las que también abandonan las formas fijas, en un estilo más simple y homofónico, creando algunas veces música que es evocativa de cierta imaginación. Muchas de estas chansons parisinas fueron publicadas por Pierre Ataingnant. Compositores de su generación, así como otros posteriores, como Orlando di Lasso, fueron influenciados por el madrigal italiano. Muchas piezas instrumentales antiguas eran variaciones ornamentadas (disminuciones) de chansons.
Las canciones solistas francesas se desarrollaron a fines del Siglo XVI, probablemente a partir de las chansons parisinas. Durante el Siglo XVII florecieron los "air de cour", chanson pour boire y otros géneros similares acompañados generalmente por laúd o teclado, compuestos entre otros por Antoine Boesset, Denis Gaultier, Michel Lambert, y Michel-Richard de Lalande.
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