Umberto Boccioni
Umberto Boccioni ( Estados Unidos : / b oʊ tʃ oʊ n i , b ɒ -, b ɔː - / , [1] [2] [3] italiano: [umbɛrto bottʃoːni] ; 19 octubre 1882 a 17 agosto 1916) era Un influyente pintor y escultor italiano. Ayudó a dar forma a la estética revolucionaria del movimiento futurista como una de sus figuras principales. A pesar de su corta vida, su acercamiento al dinamismo de la forma y la deconstrucción de artistas sólidos guiados en masa mucho después de su muerte. [4]Sus obras están en manos de muchos museos públicos de arte, y en 1988 el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York organizó una gran retrospectiva de 100 piezas.
Biografía [ editar ]
Umberto Boccioni nació el 19 de octubre de 1882 en Reggio Calabria . Su padre era un empleado menor del gobierno, originario de la región de Romagna en el norte, y su trabajo incluía reasignaciones frecuentes en toda Italia. La familia pronto se mudó más al norte, y Umberto y su hermana mayor Amelia crecieron en Forlì ( Emilia-Romagna ), Génova y finalmente Padua . A los 15 años, en 1897, Umberto y su padre se mudaron a Catania, Sicilia , donde terminaría la escuela. Algún tiempo después de 1898, se mudó a Roma y estudió arte en la Scuola Libera del Nudo de la Accademia di Belle Arti di Roma . [6]
Lo poco conocido sobre sus años en Roma se encuentra en la autobiografía de su amigo Gino Severini (1883-1966), quien recordó su reunión en 1901 y su interés mutuo en Nietzsche , rebelión, experiencias de vida y socialismo. Los escritos de Boccioni en este momento ya expresan la combinación de indignación e ironía que se convertiría en una característica de toda la vida. Su naturaleza crítica y rebelde, y su capacidad intelectual en general, contribuirían sustancialmente al desarrollo del movimiento futurista . Después de construir una base de habilidades, después de haber estudiado los clásicos a través del impresionismo, tanto él como Severini se convirtieron en estudiantes de Giacomo Balla (1871-1958), un pintor centrado en el moderno divisionista.técnica, pintar con colores divididos en lugar de mezclados y dividir la superficie pintada en un campo de puntos y rayas punteados. Severini escribió: "Fue un gran golpe de suerte para nosotros conocer a un hombre así, cuya dirección fue decisiva en todas nuestras carreras". [6]
En 1906, se trasladó brevemente a París, donde estudió impresionistas y post-impresionistas estilos, antes de visitar Rusia durante tres meses, para conseguir una visión de primera mano de la agitación civil y la represión gubernamental. Al regresar a Italia en 1907, tomó brevemente clases de dibujo en la Accademia di Belle Arti de Venecia . Había visitado por primera vez la Famiglia Artistica, una sociedad de artistas en Milán , en 1901.
Mientras viajaba de una ciudad a otra, en paralelo con sus esfuerzos artísticos más innovadores, trabajó como ilustrador comercial. Entre 1904 y 1909 proporcionó litografías y pinturas de gouache a editoriales de renombre internacional, como Stiefbold & Co, con sede en Berlín . La producción de Boccioni en este campo muestra su conciencia de la ilustración europea contemporánea, como el trabajo de Cecil Aldin , Harry Eliott , Henri Cassiers y Albert Beerts , y da fe de su información sobre las tendencias contemporáneas de las artes visuales en general. [7]
Boccioni se mudó a Milán en 1907. Allí, a principios de 1908, conoció al pintor divisionista Gaetano Previati . A principios de 1910 conoció a Filippo Tommaso Marinetti , quien ya había publicado su Manifiesto del Futurismo ("Manifiesto del Futurismo") en el año anterior. [8] El 11 de febrero de 1910, Boccioni, con Balla, Carlo Carrà , Luigi Russolo y Severini, firmó el Manifiesto dei pittori futuristi ("Manifiesto de pintores futuristas"), y el 8 de marzo leyó el manifiesto en el teatro Politeama Chiarella de Turín. . [8] [9]
Boccioni se convirtió en el principal teórico del movimiento artístico . [10] "Solo cuando Boccioni, Severini y algunos otros futuristas viajaron a París y vieron lo que habían estado haciendo Braque y Picasso, el movimiento comenzó a tomar forma". [11] También decidió ser escultor después de visitar varios estudios en París, en 1912, incluidos los de Georges Braque , Alexander Archipenko , Constantin Brâncuși , Raymond Duchamp-Villon , August Agero y, probablemente, Medardo Rosso . [6] En 1912 exhibió algunas pinturas junto con otros futuristas italianos en la Galerie Bernheim-Jeuney al año siguiente volvió a mostrar sus esculturas en la Galerie La Boétie: todo relacionado con la elaboración de lo que Boccioni había visto en París, donde había visitado los estudios de escultores cubistas , incluidos los de Constantin Brâncuși , Raymond Duchamp-Villon y Alexander Archipenko para ampliar su conocimiento de la escultura de vanguardia. [12]
,_location_unknown,_destroyed.jpg)
Expuso en Londres, junto con el grupo, en 1912 ( Galería Sackville ) y 1914 (Galería Doré): las dos exposiciones causaron una profunda impresión en varios jóvenes artistas ingleses, en particular CRW Nevinson , que se unieron al movimiento. Otros se alinearon con su equivalente británico, el vorticismo , dirigido por Wyndham Lewis .
La participación italiana en la Primera Guerra Mundial comenzó a fines de mayo de 1915 con la declaración de guerra de Italia contra Austro-Hungría. Los "ciclistas y automovilistas voluntarios del batallón lombardo", de los que formó parte Boccioni, partieron a principios de junio de Milán a Gallarate , y luego a Peschiera del Garda , en la parte trasera del frente del Trentino . En julio de 1915, los voluntarios estaban destinados a un sector del frente alrededor de Ala y la Gardesana. El 24 de octubre de 1915, Boccioni participó en la batalla de Dosso Casina. El 1 de diciembre de 1915, el batallón se disolvió como parte de una reorganización general; los voluntarios fueron despedidos temporalmente, luego cada uno fue llamado junto con la clase. En mayo de 1916 Boccioni fue reclutado en elEjército italiano , y fue asignado a un regimiento de artillería en Sorte de Chievo, cerca de Verona . El 16 de agosto de 1916, fue arrojado de su caballo durante un ejercicio de entrenamiento de caballería y fue pisoteado. [14] [15] Murió al día siguiente, treinta y tres años, en el Hospital Militar de Verona, y fue enterrado en el Cementerio Monumental de esa ciudad.
OBRAS
| Antigrazioso (La Madre) | |
|---|---|
_-_BEIC_6355626.jpg)
| |
| Artista | Umberto Boccioni |
| Año | 1912 - 1913 |
| Tipo | escultura |
| Medio | gesso patinado |
| Dimensiones | 58 cm × 50 cm (23 pulgadas × 20 pulgadas); cm 50 x 40 x h58 |
| Ubicación | Galleria nazionale d'arte moderna e contemporanea , Roma |
Antigrazioso o L'antigrazioso (en italiano, "The Anti-graceful"), también conocida como La Madre ( La Madre ), es una escultura de yeso patinadode Umberto Boccioni realizada entre 1912 y 1913; Se encuentra en la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma . [1]
El busto es uno de los pocos ejemplos sobrevivientes de esculturas futuristas realizadas por Boccioni en 1912 y 1913 y exhibidas en la Galerie 23 en París en 1913.
Historia [ editar ]
_-_BEIC_6353542.jpg)
El gesso original, expuesto desde 1938 en la Galleria nazionale d'arte moderna, fue adquirido en 1950 por el museo de Benedetta Marinetti. [1]
Descripción [ editar ]
La escultura representa la descomposición futurista del rostro de la querida madre del artista, también retratada en la pintura de 1913 Materia . Boccioni también ejecutó una pintura de 1913 con el mismo título, Antigrazioso , pero con un escenario diferente.
Reparto de bronce [ editar ]
En 1950-1951 se realizó una fundición de bronce de la obra de arte, adquirida y exhibida por el Museo Metropolitano de Nueva York .
| Desarrollo de una botella en el espacio | |
|---|---|
 | |
| Artista | Umberto Boccioni |
| Año | 1913 |
| Tipo | Bronce |
| Dimensiones | 39.5 cm × 39.5 cm × 60.3 cm (15.6 in × 15.6 in × 23.7 in) |
| Ubicación | Museo de Arte Moderno , Nueva York Museo del Novecento , Milán |
Desarrollo de una botella en el espacio ( italiano : Sviluppo di una Bottliglia nello Spazio ) es unaescultura futurista de broncede Umberto Boccioni . Inicialmente un boceto en el "Manifiesto técnico de la escultura futurista" de Boccioni, [1] "el diseño fue luego convertido en bronce por el propio Boccioni en el año 1913. Consistente con muchos de los temas en el manifiesto de Boccioni, la obra de arte destaca el primer éxito del artista intenta crear una escultura que moldee y encierre el espacio dentro de sí mismo.
Historia e inspiración [ editar ]
Gran parte de la inspiración de Boccioni en la creación de la obra puede acreditarse a la publicación del " Manifiesto Futurista " de Filippo Tommaso Marinetti . Marinetti, a menudo acreditado como el fundador del futurismo como movimiento artístico y literario, produjo el manifiesto en 1909, que luego serviría como la base para el propio "Manifiesto técnico de la escultura futurista" de Boccioni. [3] Marinetti en su manifiesto expresa un odio apasionado por todo lo antiguo, especialmente lo clásico y lo neoclásico.tradiciones artísticas Para romper con las nociones tradicionales, los futuristas admiraban y enfatizaban elementos de la sociedad moderna: velocidad, tecnología, juventud y violencia, el automóvil, el avión, la ciudad industrial, todo lo que representaba el triunfo tecnológico de la humanidad sobre la naturaleza. [4] Boccioni, en su manifiesto sobre obras escultóricas, enfatizó muchos de los mismos ideales que Marinetti, pero a diferencia de Marinetti, aplicó los ideales discutidos en su manifiesto en las obras que produjo.
El tema del trabajo de Boccioni, una botella de vidrio deconstruida , encaja en el marco del futurismo, un movimiento obsesionado en gran medida con las innovaciones tecnológicas recientes. La tecnología para producir en masa botellas de vidrio se implementó por primera vez en la última parte del siglo XIX y comenzó a expandirse rápidamente alrededor del tiempo en que Boccioni comenzó a formular su trabajo en 1912. [5] Boccioni proporcionó por primera vez un bosquejo de Desarrollo de una botella en el espacio en su manifiesto, como un ejemplo de una obra que deconstruye el espacio tridimensional en y alrededor de sí mismo. [6] Un año después, Boccioni tomaría su boceto inicial y lo usaría como base para producir la forma reconocible de la obra como una escultura de bronce . Una vez exhibido en elLa Exposición Internacional Panamá-Pacífico en San Francisco (1915), Desarrollo de una botella en el espacio , se ha convertido en parte de la colección en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York . Un elenco original de bronce (1935) se exhibe en el Museo del Novecento de Milán .
Composición [ editar ]
_-_BEIC_6355911.jpg)
La escultura se fundió originalmente como una botella de bronce plateada , pero luego se abrió y esculpió intencionalmente, un proceso que implicó romper la botella en secciones sinuosas y combinar un movimiento absoluto y relativo para darle una apariencia giratoria. [1] La escultura terminada mide 15 ½ pulgadas de alto y se asienta sobre una base cuadrilátera de 23 ¾ pulgadas de largo y 15 ½ pulgadas de ancho (39,4 x 60,3 x 39,4 cm). [7] La botella se muestra sentada sobre una base mucho más grande, en lo que se cree que es la maquinaria utilizada en la producción de botellas de vidrio. La masa cilíndrica más pequeña y hueca junto a la botella tiene la apariencia de un recipiente vacío, uno que aparecería en la cinta transportadora de dicha máquina. La botella en sí, sin embargo, se muestra como tres cuartossección transversal , que muestra el objeto antes de la finalización, ya que aún se está moldeando. [5]
Interpretación de Boccioni [ editar ]
Boccioni proclamó su intención de "abrir la figura como una ventana e incluirla en el entorno en el que vive". [1] "También declaró en su manifiesto su deseo de" proclamar la abolición absoluta y completa de las líneas finitas y la estatua contenida. [6] ”La naturaleza caótica y retorcida de la obra puede representar el dinamismo y recuerda a la pintura de Boccioni, Dinamismo de un jugador de fútbol ( italiano : Dinanismo di un foot baller ) producido en el mismo año. El dinamismo, un tema emergente en el arte futurista, se explica mejor por Boccioni en el "Manifiesto técnico de la pintura futurista" (1910), escrito con la ayuda de otros futuristas destacados:
-
- “Todas las cosas se mueven, todas las cosas corren. Un perfil nunca está inmóvil ante nuestros ojos, pero aparece y desaparece constantemente. Debido a la persistencia de una imagen en la retina , los objetos en movimiento se multiplican constantemente; su forma cambia, como vibraciones rápidas, en su loca carrera. Por lo tanto, un caballo que corre no tiene cuatro patas, sino veinte, y sus movimientos son triangulares. ”--Umberto Boccioni," Manifiesto técnico de la pintura futurista "(1910) [4]
También se ha sugerido que la base sobre la que descansa la botella no es parte de una máquina, sino que se ve que la botella se mezcla en su entorno natural, tal vez está descansando sobre una mesa (?). [5] La práctica de aislar un objeto individual se consideraba ridícula y no representativa según los futuristas. Umberto Boccioni explicó su visión de la pieza en el prefacio del catálogo de la Primera Exposición de Escultura Futurista en París (1913) al enfatizar la necesidad de "la fusión del entorno con el objeto" para "hacer que la figura viva en su entorno sin convertirlo en esclavo de una base de soporte. [1]Boccioni argumentó que las cosas no existen simplemente de forma aislada, sino que obtienen sus propiedades más fundamentales de su entorno:
-
- “Nuestros cuerpos penetran los sofás en los que nos sentamos, y los sofás penetran nuestros cuerpos. El autobús se precipita hacia las casas por donde pasa y, a su vez, las casas se lanzan sobre el autobús y se mezclan con él. ”- Umberto Boccioni," Manifiesto técnico de la pintura futurista "(1910) [4]
Otras interpretaciones [ editar ]
Los historiadores del arte han hecho otras interpretaciones a lo largo de los años con respecto a las intenciones de Boccioni al crear la obra. Donald Kuspit , Profesor de Arte y Filosofía, Ph.D, Universidad de Michigan , teoriza que el movimiento rítmico de la escultura sugiere una connotación más sexual que es "inherente en lugar de impuesta". Compara esta escultura con el " Desnudo descendiendo una escalera " de Duchamp , No . 2 "(1912) que simboliza la masturbación. [1] Marjorie Perloff, autora de "El movimiento futurista" (1986) afirma en su libro que la escultura no representa una sola botella, sino más bien una serie de conchas en forma de botella, ahuecadas y encajadas entre sí. Ella se refiere a la base de la escultura como una " forma cóncava con un perfil simple e ininterrumpido", una descripción que respalda la teoría de Boccioni de un centro dentro del objeto mismo. [1] En conflicto con el concepto de dinamismo de Boccioni, Rosalind Krauss , autora de Passages in Modern Sculpture(1981), describe la escultura como un "símbolo de invariancia". Krauss comenta que "la escultura dramatiza un conflicto entre la pobreza de información contenida en la visión única del objeto y la totalidad de la visión que es básica para cualquier reclamo serio". para saberlo [1] "
No hay comentarios:
Publicar un comentario