El sueño (en francés: La Rêve, a veces también conocida como Le Songe o Rêve Exotique) es una gran pintura al óleoobra de Henri Rousseau. Rousseau la pintó en 1910, y es una de las más de 25 pinturas con un tema de selva. Fue el último trabajo que logró completar, se exhibió por primera vez en la Salon des Indépendants entre el 18 marzo al 1 de mayo 1910, pocos meses antes de su muerte el 2 de septiembre de 1910. Las primeras obras de Rousseau no habían sido bien recibidas, pero el poeta y crítico Guillaume Apollinaire comentó sobre el debut de "El sueño": "La imagen irradia belleza, ello es indiscutible. Creo que nadie se reirá este año."
El sueño es la más grande de las pinturas de la selva, mide 204,5 x 298,5 cm. Presenta un retrato casi surrealista de Yadwigha (Jadwiga), la joven amante polaca de Rousseau, desnuda sobre un sofá a la izquierda del cuadro, mirando por encima de un paisaje de follaje selvático exuberante, incluyendo flores de loto, y animales, incluidos aves, monos, un elefante, un león y una leona y una serpiente. Las formas estilizadas de las plantas de la selva se basan en observaciones de Rousseau en el Museo de Historia Natural de París y su Jardin des Plantes. El brazo izquierdo del desnudo señala a los leones y un negro encantador de serpientes que se enfrenta el espectador tocando su flauta, apenas visible en la oscuridad de la selva bajo la tenue luz de la luna llena. Una serpiente de vientre rosado se desliza a través de la maleza, su forma sinuosa refleja las curvas de la cadera de la mujer y su pierna.
Ante la sospecha de que algunos espectadores no entendían la pintura, Rousseau escribió un poema para acompañarla titulado, Inscription pour la Rêve:
Yadwigha dans un beau rêve
S'étant endormie doucement Entendait les sons d'une musette Dont jouait un charmeur bien pensant. Pendant que la lune reflète Sur les fleuves [ou fleurs], les arbres verdoyants, Les fauves serpientes pretent l'oreille Aux transmite gais de l'instrument. |
Yadwigha en un hermoso sueño
Se ha dormido suavemente Oye el sonido de un piccolo oboe Interpretado por un bien intencionado encantador [de serpientes]. Mientras la luna se reflejaba En los ríos [o las flores], los árboles verdes, Las serpientes salvajes escuchan Las alegres melodías del instrumento. |
Una posible interpretación de la pintura, ofrecida por Rousseau en una carta al crítico de arte André Dupont, es que representa a una mujer reclinada en un sofá en París, soñando que está escuchando a un flautista en la selva.
El tema de un desnudo recostado proviene de la tradición clásica occidental, que se observa en obras que van desde la Venus de Urbino de Tiziano de 1538, a la Olympia de Manet de 1863. Rousseau pudo haber tomado algo de inspiración de la novela de Émile Zola Le Rêve, que trata sobre el amor entre un pintor y una bordadora. Mientras Rousseau estaba pintando El Sueño, mantenía una relación sentimental con Leonie una muchacha que atendía una tienda.
El marchante de arte francés Ambroise Vollard compró la pintura de Rousseau, en febrero de 1910. Fue vendida a través de las galerías Knoedler de Nueva York al fabricante de ropa y coleccionista de arte Sidney Janis en enero de 1934. Janis vendió el cuadro a Nelson A. Rockefeller en 1954, quien la donó a la Museo de Arte Moderno de Nueva York para celebrar el 25 aniversario del Museo. Se encuentra expuesta en el MoMA.
La columna rota es una obra de la pintora mexicana Frida Kahlo. Fue hecha en 1944 en óleo sobre tela montada en aglomerado de 40 x 30.7 centímetros y se conserva en el Museo Dolores Olmedo Patiño de la Ciudad de México.
La obra es un autorretrato de la autora semidesnuda mostrada con una columna jónica fragmentada representando su columna vertebral, y un corsé ortopédico rodeándole el cuerpo. Le cubre de la cintura para abajo una sábana con movimiento y tiene decenas de clavos en el rostro y cuerpo. Se muestra con el rostro girado hacia un lado y tiene lágrimas de color blanco saliendo de sus ojos.
El fondo es de una superficie agrietada de color verdoso y un horizonte azulado.
Contexto[editar]
La obra fue pintada por Kahlo después de ser operada quirúrgicamente de la columna vertebral debido a las lesiones que sufrió después del accidente de 1925, y tuvo que llevar en lo sucesivo un corsé de acero, que le provocaba intensos dolores.1
Interpretaciones[editar]
La obra es interpretada como un símbolo del dolor que sufría la autora en todo su cuerpo a consecuencia de sus lesiones.3 Los clavos fueron utilizados en la obra de Kahlo como un signo del dolor físico4 y de su relación constante con el mismo de manera estoica5 El rostro es mostrado con lágrimas pero sin expresiones de dolor, lo que significaría su determinación de afrontar su condición.3 La composición de la obra y el manto blanco harían énfasis en mostrar a la autora a la usanza de las imágenes de mártires cristianos,3 a Jesucristo en la resurrección6 o cubrir sus órganos debajo de la cadera en referencia a su imposibilidad de ser madre.3 El paisaje árido de fondo remitiría a la desolación y a la soledad que sentía la autora en ese momento.
La encantadora de serpientes (en francés, La Charmeuse de serpents) es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1891 por el pintor francés Henri Rousseau. Sus dimensiones son de 169 × 189,5 cm.
La pintura muestra un paisaje nocturno exótico e irreal de compleja estructura, iluminado por una luz fría que se refleja en el agua, resaltando las figuras inmóviles y planas1 Para su realización, Rousseau, se inspiró en un grabado sobre madera de Paul Gauguin expuesto en 1906.1
Se expone en el Museo de Orsay, París.
León hambriento atacando a un antílope (Le lion ayant faim se jette sur l'antilope) es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1905 por el pintor francés Henri Rousseau. Después de Explorador atacado por un tigre del año anterior, León hambriento fue el segundo cuadro de selva que marcó la vuelta de Rousseau a este género después de una pausa de 10 años causada por el mal recibimiento general a su cuadro de 1891, Tigre en una tormenta tropical.
Se caracteriza por una aparente representación realista, casi infantil o naíf, de las formas que despertó simpatías entre la vanguardia artística de la época, asentada por entonces en París. Destaca su gusto por los temas exóticos o los viajes que, curiosamente, nunca realizó, por los paisajes o la exuberante vegetación, y por el retrato de personajes oriundos de lejanas colonias o los temas costumbristas de la sociedad francesa.1
El león y el antílope han sido ubicados con precisión en el centro, rodeados de otros animales que observan el espectáculo violento que se les ofrece. A la derecha, la pantera parece esperar su turno con ansiedad mientras la lechuza, con su plumaje decorado con los puntos blancos que la caracterizan, parece no estar interesada en la escena. A la izquierda, semioculta, una criatura híbrida, grande y peluda (oso, pájaro o mono) con un palo en su pata.2 Rousseau basó el par central de animales en un diorama de animales disecados en el Museo Nacional de Historia Natural de Francia en París, titulado León senegalés devorando un antílope.34
El primer cuadro de Rousseau sobre la selva, Tigre en una tormenta tropical, fue rechazado por la Real Academia de Pintura y Escultura para su Salón de París oficial, pero lo expuso en el Salón de los Independientesde 1891. A pesar de su reputación creciente, Rousseau continuó exponiendo sus obras en el Salón de los Independientes, pero León hambriento también fue expuesto5 en otra exposición, el Salón de Otoño de 1905, con obras de Matisse y Derain.
La revista L'Illustration publicó una copia del cuadro en su edición del 4 de noviembre de 1905, con obras de Matisse, Derain, Cézanne y Vuillard.
Las obras vanguardistas expuestas en el Salón de otoño de 1905 fueron condenadas por el crítico de arte Louis Vauxcelles como Donatello entre las bestias salvajes, contrastando los cuadros con una escultura del Renacimiento en la misma habitación en el Gran Palacio de París.6 El comentario de Vauxcelles fue publicado el 17 de octubre de 1905 en Gil Blas, un periódico de la época, introduciéndose de este modo el término "fauvismo", que tuvo una muy buena acogida por parte del público y los artistas de esta corriente pasaron a denominarse así. Se caracterizan por la simplicidad aparente y los colores vibrantes.678 El término fauvismoquizás fue influenciado directamente por el cuadro de Rousseau, aunque Rousseau en sí mismo no fue un fovista.910
A pesar de su simplicidad aparente, estos cuadros de selva fueron construidos meticulosamente en capas, empleado un gran número de tonos verdes para capturar la exuberancia y la lozanía de la selva. Hasta su muerte en 1910 y posteriormente, sus obras fueron condenados por la crítica, pero obtuvo seguidores entre sus contemporáneos: Picasso, Matisse, y Toulouse-Lautrec admiraron sus pinturas.
Hoy León hambriento está en la colección de la Fundación Beyeler y se expone en su galería en Riehen, cerca de Basilea, en Suiza.
Naturaleza muerta: viva la vida es un cuadro de la pintora mexicana Frida Kahlo. Fue hecha en 1954 al óleo sobre masonite de 52 x 72 cm,1 pertenece al género naturaleza muerta y es del estilo primitivista.2 Se encuentra en el Museo Frida Kahlo de la Ciudad de México.
La obra muestra un conjunto de sandías en una superficie oscura y fondo azulado. Algunas de las frutas se muestran completas y otras cortadas. Esta obra es comúnmente identificada como la última hecha en vida por la autora,314 ya que ocho días antes de su muerte le habría añadido la inscripción:
VIVA LA VIDAFrida KahloCoyoacán 1954 - MéxicoFrida Kahlo
Otra hipótesis como la de Salomon Grimberg[cita requerida] sugiere que esta pintura se hizo en 1952 pero recién en 1954 Frida siente la necesidad de despedirse añadiendo la inscripción previamente explicada. Según esta hipótesis, Frida habría pintado la pulpa escarlata de una sandía cortada en rodajas contra un fondo que muestra la dualidad vida/muerte, un cielo medio iluminado y medio oscuro. En 1954, Frida habría introducido su pincel en la pintura roja para escribir su nombre y "Coyoacán, 1954, México" en una de las rodajas de sandía. Entonces, en letras mayúsculas, escribió la frase cuya fuerza hace que Frida y su leyenda vivan: "VIVA LA VIDA"
Contexto[editar]
Naturaleza muerta, también llamada "bodegón", es el nombre dado a la composición pictórica que agrupa objetos inanimados, sean cerámicas, flores, frutas o animales muertos, entre otros. Este género fue practicado por Kahlo prácticamente a todo lo largo de su vida artística, siendo fechada en 1924 la primera de ellas.3
Interpretaciones[editar]
En esta pintura se ve reflejado como a causa de los síntomas de su enfermedad, las frutas están cada vez menos definidas, con rasgos menos marcados. Los objetos que se retratan tienen sentido simbólico. Frida, en los últimos años de su vida pintó muchas naturalezas muertas; estas consistían en frutas que ella arreglaba en su mesa de noche, debido a la incapacidad de levantarse de su cama debido a su poliomielitis y su columna rota.
Impacto en la cultura[editar]
Chris Martin, el vocalista de la banda inglesa Coldplay, en su segunda visita a México en marzo del 2007, celebró su cumpleaños número 30 y venía a promocionar su álbum X & Y. Durante su última estancia en México, una de sus paradas fue el Museo Frida Kahlo y Diego Rivera. Es aquí donde el artista conoció esta obra y decidió que el nombre de su siguiente álbum y llevó al grupo a cerrar su gira Viva la Vida en México.
Cuando se le preguntó sobre el nombre del álbum, Chris Martin, explicó que se refiere a la fuerza de Frida Kahlo, que tuvo que soportar la poliomielitis, una columna vertebral rota, y una década de dolor crónico. “Ella pasó por muchas cosas, por supuesto, y luego comenzó a pintar un cuadro en su casa que decía ‘Viva la Vida’, “Me encantó la audacia de eso”
Tigre en una tormenta tropical (en francés, Tigre dans une tempête tropicale or Surpris!, conocido también como ¡Sorprendido!) es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1891 por el pintor francés Henri Rousseau. Se exhibe en la Galería Nacional de Londres.
Expuesto en el Salón de París, su aceptación limitada por el público decepcionó al autor. En la obra se percibe cierto aire esotérico propio del simbolismo.
Yo mismo: Retrato-Paisaje (en francés Moi-même) es un óleo realizado en 1890 por el pintor francés Henri Rousseau, conocido como «el aduanero Rousseau». Sus dimensiones son de 146 × 113 cm. Se expone en la Galería Nacional de Praga.1
Este cuadro Rousseau se encuentra entre con los que afirmó haber inventado un nuevo género, el retrato-paisaje, que consistía en pintar un paisaje sobre el que se añadía el retrato de la persona.2 En este caso eligió uno de sus lugares favoritos en París, añadiendo luego el autorretrato en primer plano.
Descripción e interpretación[editar]
El cuadro es un autorretrato de cuerpo entero con un paisaje urbano de París como fondo de estilo naíf. Se puede ver a un Rousseau serio, vestido de negro, con la barba muy cuidada y rodeado de un puente de metal, un globo, un barco sobre el río Sena con las banderas naúticas de señales y la recién inaugurada Torre Eiffel.
Porta una paleta y un pincel. En la primera se pueden leer los nombres «Clemence» (nombre de su primera esposa, Clemence Boitard) y «Josefina» (nombre de su segunda esposa, Josefina Noury), los que parecen haber sido escritos sobre otra inscripción que ha quedado borrada.
En la solapa izquierda lleva la insignia de Les Palmes académiques, premio otorgado por un ministerio francés.
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