domingo, 3 de julio de 2016

CUADROS POR AUTOR

Cuadros de Aleksandr Semiónov

Aleksándr Mijáilovich Semiónov, en ruso Александр Михайлович Семёнов (18 de febrero de 1922, Torzhok, actualmente Óblast de Tver — 23 de junio de 1984, Leningrado) - Artista soviético, pintor, paisajista, miembro de la Unión de Artistas de Leningrado,1 uno de los más brillantes representantes de la Escuela de Pintura de Leningrado.

Biografía

Aleksandr Mijáilovich Semiónov nació el 18 de febrero de 1922 en la ciudad de Torzhok (provincia de Tver), situada a medio camino entre San Petersburgo y Moscú. A mediados de la década de 1930 la familia de la futura artista se trasladó a Leningrado.
Stáraia Ládoga. Para la primavera. 1972
En 1940, Semiónov se graduó de la Escuela de Arte de Leningrado. En 1941 Semiónov se alistó como voluntario en el Ejército Rojo y participó en ladefensa de Leningrado. Pasó por todas las vicisitudes de la Segunda Guerra Mundial hasta su conclusión.
Después de la guerra, en 1946, el artista regresó a su trabajo, recuperando y mejorando gradualmente sus habilidades como artista. A partir de 1954 Aleksandr Semiónov muestra sus obras en las exposiciones de los artistas de Leningrado. En 1957 Aleksandr Semiónov se convirtió en miembro de laUnión de Artistas de Leningrado. El mismo año, ya como uno de los principales pintores de Leningrado, participó en la Exposición de Arte de toda la Unión en Moscú, dedicado al cuadragésimo aniversario de la Revolución de Octubre.3
Los primeros éxitos Semiónov ayudó a seleccionar el tema principal de la creatividad en su temperamento y su talento pictórico. Desde entonces, ha finales de 1950 para convertirse en el paisaje urbano, un tema favorito - puentes calles y terraplenes de Leningrado. Aleksandr Semiónov, que encarnaba en un sinnúmero de dibujos y pinturas naturales, haciendo una importante contribución a la iconografía contemporánea de Leningrado.
Pinceladas Aleksandr Semiónov distingue aire hábil plein posesión, saturado de colores brillantes y la precisión en la transferencia de color. Generalizado de dibujo con un pincel, junto con el uso activo de las letras espátula textura diversificada, lo que permite llegar a la unidad de la idea y la técnica de su realización. Aleksandr Semiónov, creado en sus pinturas, la imagen emocionante, poética y veraz de la Leningrado período 1960-1970 años, combinando las características reconocibles y perspicaz vista personales del maestro. Muchas de sus obras se perciben ahora como una evidencia literaria de la era soviética recientes.
Aleksandr Semiónov murió 23 de junio de 1984 en el sesenta y tres años de vida en el pueblo Daymische cerca de Leningrado, donde muchos trabajaron en los últimos años de su vida. Sus obras están en museos de arte en Rusia, en numerosas colecciones privadas en Rusia,4 Japón,5 Corea, Estados Unidos, Finlandia, Francia6 y otros países.

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Cuadros de Pere Serra

Pere Serra o Pedro Serra fue un pintor de la Corona de Aragón de estilo italo-gótico, que estuvo activo en Cataluña entre 1357 y1406.

Biografía

Provenía de una familia de pintores activos en Cataluña en el siglo XIV. También lo fueron sus hermanos Jaume, Francesc y Joan. Cultivaron los hermanos Serra el estilo italo-gótico, de influencia en especial sienesa, como era por otro lado típico del siglo XIVcatalán. Realizan figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña.
De los cuatro hermanos, Pere Serra es el más dotado y quien tuvo una más larga carrera. Ingresó en el taller de Ramón Destorrentsen 1357. Se interesó más por el colorido que por los conceptos espaciales. Desarrolló trabajo de taller, según se evidencia en la reiteración de los mismos modelos pictóricos.

Obras destacadas

A Pere Serra se le atribuye:
Colaboró con sus hermanos en la realización del retablo del monasterio de Sigena (Huesca), hoy en el Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona.
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Cuadros de Georges Pierre Seurat

Georges-Pierre Seurat (París, 2 de diciembre de 1859 – 28 de marzo de 1891) fue un pintor francés y el fundador del Neoimpresionismo. Su trabajo Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es uno de los íconos de la pintura del siglo XIX.

Biografía

A pesar del humilde trabajo de su padre, que era policía, su familia poseía una serie de tierras que generaban unos buenos ingresos. Su padre era nativo de Champaña y su madre era parisina. En 1875 Seurat ingresa en la escuela municipal de dibujo, en la clase del escultor Justin Legquien. Aquí conoce a Edmond, con el que mantuvo una estrecha amistad toda su vida. En 1878, gracias a Edmond, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, donde estudió hasta 1879. A pesar de su buena voluntad, Georges no destaca por su talento artístico, obteniendo unos resultados mediocres. Consciente de ello, inicia su trabajo en el Louvre con gran intensidad copiando las obras maestras de Rafael, Holbein y Poussin. Interesado en adquirir mayores conocimientos técnicos estudia con detenimiento La loi du contraste simultané des couleurs, y aplica sus conocimientos técnicos en su arte. Seurat creó la técnica de puntillismo.
Un baño en Asnieres (1884).
Después de un año de servicio en la academia militar de Brast, regresó a París en 1880. Su estancia en Brest le permite descubrir la fuerza del mar que tendrá tanta importancia en su pintura. Una vez en París, compartió un pequeño estudio en la ribera izquierda del Sena con Aman-Jean y Ernest Laurentantes de mudarse a su estudio propio. Durante los siguientes dos años se dedicó a perfeccionar el arte del dibujo en blanco y negro y las propiedades físicas de la luz. Su precaria situación económica le obliga a tener que recurrir a la venta de sus cuadros pero sin necesidad de adaptarse al gusto de sus clientes. Durante 1883 inició su primer gran obra, un enormelienzo titulado Un baño en Asnieres que en 1886 fue vendido al Louvre.
Después que su pintura fuera rechazada por el Salón de París, Seurat se negó a presentarla en establecimientos como el Salón, aliándose con los artistas independientes de París. En 1884 él y otros artistas (incluyendo aMaximilien Luce ) formaron la Société des Artistes Indépendants.1 Allí conoció y estableció una amistad con su compañero artista Paul Signac. Seurat compartió sus nuevas ideas acerca del puntillismo con Signac, quien posteriormente pintó con la misma técnica. En el verano de 1884 Seurat comenzó la creación de su obra maestraTarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, que le llevó dos años completar. Su cuadro se expone en 1886 junto a otras obras de pintores de su grupo. Con este cuadro nace el término puntillismo, o técnica de la mezcla óptica de los colores.
En verano de 1885 Seurat pinta en Grandcamp un conjunto de paisajes marinos, en que perfecciona la técnica puntillista. Uno de estos cuadros, Le bec du Hoc à Grandcamp fue, al parecer, la única obra vendida por el autor en vida al precio de 300 francos. Durante los años siguientes Seurat continua con su estilo particular llegando a realizar obras puntillistas incluso con personas. Al mismo tiempo, su obra continúa sin ser entendida por el público y por los críticos llegando a causar escándalos pero a la vez, es apoyado por sus compañeros neo-impresionistas.
La torre Eiffel (1889).
En 1889 realiza el cuadro La torre Eiffel, monumento que le fascinaba. A partir de este momento Seurat empieza a aislarse cansado de las polémicas que rodean su obra y de las disensiones con los propios miembros del grupo artístico. Después se mudó del bulevar de Clichy a un estudio cercano más tranquilo donde vivió secretamente con una joven modelo, Madeleine Knobloch, que en febrero de1890 dio a luz al hijo del artista. No fue sino hasta dos días antes de su muerte que presentó su joven familia a sus padres. Tras la muerte de Seurat, Madeleine dio a luz a su segundo hijo, cuyo nombre es desconocido. Seurat, tenía varias amantes sin que su esposa se enterara; tuvo más de 15 hijos no reconocidos y según parece estos han creado polémicas sobre quién se quedaría con su gran fortuna.
Seurat murió de difteria a la temprana edad de 31 años, y fue incinerado en el cementerio de Père Lachaise. Su muerte evitó que completara sus investigaciones en el puntillismo, el divisionismo y en la física de los colores. Su último trabajo ambicioso, El circo, quedó incompleto.

La fusión de Seurat de ciencia y emoción

Seurat toma de los teóricos del color la noción de un acercamiento científico a la pintura. Seurat creía que un pintor podía usar el color para crear armonía y emoción en el arte de la misma forma que los músicos usan variaciones del sonido y el tiempo para crear armonía en la música. Seurat teorizó que la aplicación científica del color era como cualquier otra ley natural, y se condujo a probar esta conjetura.
Él pensaba que el conocimiento de la percepción y de las leyes ópticas podría ser utilizado para crear un nuevo lenguaje artístico basado en su propio sistema de heurística y comenzó a mostrar esta lengua usando líneas, y esquema e intensidad del color. Seurat llamó a este lenguaje Cromoluminarismo.
Su carta a Maurice Beaubourg en 1890, captura sus sentimientos sobre el acercamiento científico a la emoción y la armonía. Afirmó que «El arte es armonía. La armonía es la analogía de los contrarios, y de similares elementos del tono, del color, y de la línea, considerados a través su dominancia y bajo la influencia de la luz en combinaciones alegres, serenas o tristes».
La búsqueda estilística de Seurat lo llevó a realizar numerosas lecturas, entre las que encontró un escrito del químico Michel Eugène Chevreul sobre la Ley del contraste simultáneo de los colores de 1839 y Sobre los colores y su empleo en el arte mediante círculos de color de 1864.2 Este impulso proveniente de estudios científicos potenció el interés del artista en el desarrollo de diagramas cromáticos, colores complementarios y la percepción óptica.2 Un contacto estrecho con el bibliotecario de La Sorbona, Charles Henry, le dio una mayor certeza sobre sus hipótesis. Incluso Seurat se interesó en las repercusiones psicológicas del color en las personas.2
Las teorías de Seurat pueden ser resumidas de esta forma: La emoción de la alegría puede ser alcanzada por la dominación de tonalidades luminosas, por el predominio de colores cálidos, y por el uso de las líneas dirigidas hacia arriba. La calma se alcanza a través de un uso equilibrado de la luz y la oscuridad, por el balance entre colores fríos y cálidos, y por líneas horizontales. La tristeza se alcanza utilizando colores oscuros y fríos y líneas que señalan hacia abajo.

Obras

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte(1884).

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