El trino es un adorno musical que consiste en una rápida alternancia entre dos notas adyacentes, por lo general a un semitono o un tono de distancia, que puede ser identificado por el contexto del trino. En otros idiomas se utilizan términos como trill en inglés, trillo en italiano, trille en francés y trilleren alemán.
Representación gráfica[editar]
Este adorno musical se representa en las partituras y partichelas mediante las letras tr, o bien sólo con una t, situadas por encima de la nota que se considera principal en este trino. En ocasiones tales letras tr han ido seguidas de una línea ondulada e incluso se ha llegado a representar directamente mediante la línea ondulada sin las letras, sobre todo en la música del Barroco y de principios del Clasicismo. La extensión de la línea ondulada normalmente denota la cantidad de tiempo que hay que mantener el trino.56 No obstante, ambos signos, las letras tr y la línea ondulada, son necesarios para aclarar el sentido del trino cuando éste se aplica a más de una nota o bien a notas ligadas. Asimismo, no habrá lugar a dudas si se utilizan ambos signos cuando el trino va asociado a una única cabeza de nota en una parte, que se corresponde con figuras de valores más cortos en otra parte.
El signo de trino puede afectar a dos notas simultáneamente. En ese caso los trinos dobles de terceras y sextaso bien de octavas se ejecutan paralelamente.1 Cuando en un único pentagrama hay dos voces o partes y se necesita indicar un trino en la voz inferior, el signo de trino se coloca por debajo de la nota. En el caso de que la nota auxiliar del trino requiera una alteración, para representarla se utiliza un signo de alteración pequeña junto con el signo de trino.5
Usos y efectos[editar]
La ejecución de un trino consiste en alternar con gran rapidez ambas notas implicadas, es decir, la nota principal que figura en la partitura y la nota auxiliar, que sería la nota natural inmediatamente superior en la escala diatónica en función de la tonalidad en la que esté el pasaje.3 Así pues, el intervalo entre la nota principal y la auxiliar dependerá de la armadura, a menos que aparezca indicado expresamente en el signo del trino que éste deba interpretarse con una alteración en la nota auxiliar.
Tipos[editar]
La forma de interpretar los trinos ha ido variando a lo largo del tiempo, dando lugar a los siguientes tipos de trinos:
- Trino directo: es aquel que comienza y finaliza con la nota principal, salvo cuando la nota siguiente sea de igual nombre y sonido. Este es el tipo más habitual actualmente.
- Trino invertido: es aquel que empieza con la nota auxiliar superior y termina con la nota principal. Era el más común en el Barroco y principios del Clasicismo.4
- Trino con preparación: es aquel que va precedido por un grupo de notas entre las que hay alguna que no es la nota principal ni la auxiliar y finaliza con la nota principal. Al interpretarlo, tales notas deben incluirse dentro de la medida del trino. En el Barroco la preparación se indicaba mediante una línea curva anterior a la línea ondulada. La preparación puede ser ascendente o descendente, lo cual se representa mediante la forma de la línea curva o bien con una serie de apoyaturas antes de la nota que lleva la indicación de trino. Esto da lugar a los siguientes subtipos de trino:
- Trino ascendente: si la preparación consiste en dos notas que ascienden por grados conjuntos hasta la nota principal.
- Trino descendente: si la preparación consiste en dos notas que descienden por grados conjuntos hasta la nota principal.7
- En ambos casos, la primera de las dos notas coincide con el pulso y tanto las dos notas de la preparación como las que forman el trino presentan la misma duración.
- Trino con resolución: es aquel que acaba con un grupo de notas entre las que hay alguna que no es la nota principal ni la auxiliar. Al igual que en el caso anterior, dichas notas se incluyen dentro del número de fusas necesarias para su ejecución. En el Barroco existía un único tipo de resolución consistente en que la última alternancia no fuese entre la nota principal y la superior sino entre la principal y la inferior. De esta manera, el final del trino se asemeja a otro tipo de ornamento musical denominado grupeto. En las partituras se representaba mediante una línea curva al final del signo de trino, siendo en este caso indiferente la forma de dicha línea puesto que sólo había una resolución posible. También podía señalarse mediante unas cuantas apoyaturas tras la nota que lleva la indicación de trino.
- Trino con preparación y resolución: es aquel que reúne las características de ambos tipos.
- Trino cadencial: es aquel que va asociado con una cadencia.
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Este adorno suele emplearse para poner de relieve una nota larga, aunque también puede asociarse con valores más pequeños. Los trinos sobre notas breves suelen ser equivalentes a un mordente superior, también llamado semitrino. Cuando el tempo es rápido y la nota es corta, puede que el trino se reduzca a tocar la nota principal, la superior y otra vez la principal, sin tiempo para más alternancias.3 En consecuencia, el número total de notas que componen un trino dependerá del tempo de la pieza, de la figura musical a la que se aplica y de la forma en que el intérprete lo toque o lo cante.2 De todos modos, lo cierto es que habitualmente esta alternancia entre notas no es medida, no sigue un ritmo regular y estipulado. De hecho, en ocasiones sucede que la rapidez en la alternancia de notas varía a lo largo de la duración del trino, normalmente en el sentido de acelerarse.
Las diversas variantes en la manera de interpretar un trino acaban siendo, en definitiva, una cuestión tanto de gusto personal como de aproximación a la forma en que debió interpretarse en el contexto histórico y cultural en el que la música fue creada. Su estudio siempre representa para los ejecutantes un gran desafío, ya que requiere una mezcla de relajación y velocidad muy determinada. Como se suele decir "la ejecución del trino es el espejo de la técnica del instrumentista".
Técnicas interpretativas[editar]
El trino aparece con frecuencia en la música clásica escrita para todos los instrumentos, aunque es más fácil de ejecutar en algunos que en otros.
- En el piano un trino es relativamente fácil de producir. Si bien, al pianista le resultará más difícil de ejecutar el trino cuando implique los dedos débiles de la mano (en digitación 3, 4 y 5), siendo el trino formado por los dedos 4 y 5 el más complejo.
- En los instrumentos de viento metal una ejecución apropiada requiere una mayor destreza y se produce mediante la rápida alternancia de armónicos.
- En instrumentos como la flauta travesera y el oboe, se utilizan dos llaves de trino para alternar rápidamente entre dos notas adyacentes.
- En el clarinete, los trinos a través del denominado break entre registros son muy difíciles y a menudo se encuentran en la literatura virtuosística.
- En la guitarra, un trino es una serie de hammer-ons y pull-offs, que por lo general se ejecuta utilizando sólo los dedos de la mano de los trastes, pero pueden utilizarse ambas manos.
- En los instrumentos de cuerda frotada, el violín y la viola en particular, el trino es relativamente fácil de ejecutar. Consiste en un movimiento de arco directo acompañado de la oscilación de un solo dedo contra la nota principal que es detenida por el dedo posterior, o más raramente, la cuerda al aire.
En música vocal[editar]
La música vocal de la tradición clásica ha incluido una variedad de adornos conocidos como trinos desde la época de Giulio Caccini. En el prefacio de su obra Le nuove musiche, describe tanto la «sacudida» (shake) (lo que comúnmente se conoce hoy como el trino) y el «trino» (ahora a menudo llamado trino barroco o de Monteverdi). Sin embargo, en la época del bel canto italiano compositores como Rossini, Donizetti y Bellini, la alternancia rápida entre dos notas que Caccini describe como «sacudida», se prefería y se conocía como «trino».
Los cantantes de coloratura, en particular las voces de soprano aguda y tenor, con frecuencia se requiere que interpreten trinos no sólo en las obras de estos compositores, sino en gran parte de su repertorio. La soprano Joan Sutherland era particularmente famosa por la regularidad y rapidez de su trino, y en realidad nunca tuvo que aprender a "trinar" según declaró en una entrevista.8 El trino suele ser una característica de una línea adornada de solista, pero existen trinos corales o el coro, sobre todo en la escena triunfal del segundo acto de Aida de Verdi.
Aunque se han incluido trinos en un gran número de piezas de música vocal, es una rareza encontrar un cantante con un trino rápido. Las opiniones están divididas en cuanto a si se puede enseñar o aprender a interpretar un trino de manera apropiada, pese a que la mezzosoprano Marilyn Horne afirmaba frecuentemente que ella logró su trino mediante un ejercicio que se enseña comúnmente, alternando entre dos notas, comenzando lentamente y aumentando la velocidad con el tiempo.9 El director del Rossini Opera Festival, Alberto Zedda, en una entrevista habló sobre una "deficiencia técnica generalizada",10 la incapacidad de ejecutar trinos, constituye una fuente de "angustia y frustración".
En instrumentos de viento metal[editar]
Los trinos se puede tocar en instrumento de viento metal sin válvulas mediante la rápida ligadura entre dos notas adyacentes por medio de la embocadura - esto se conoce coloquialmente como "trino de labio". Esta era una práctica común en las trompetas y trompas naturales del periodo barroco / clásico. En cualquier caso, el "trino de labio" a menudo se sigue utilizando en la moderna trompa en lugares donde los armónicos están sólo a un tonode distancia (aunque esto puede ser difícil para intérpretes inexpertos). Tales trinos son también un rasgo estilístico de la música jazz particularmente en las partes de trompeta.
Historia[editar]
Se pueden distinguir tres clases de trinos según el contexto de la interpretación:
- El barroco o trino invertido, que se interpreta comenzando en la nota auxiliar superior, es decir, como si hubiese una apoyatura antes.13
- El clásico o trino directo, que se interpreta comenzando en la nota principal.
- El romántico, que se interpreta de manera que al principio las notas no son muy seguidas pero posteriormente se interpretan de forma continua.
Barroco[editar]
En la música del Barroco empleaban una serie de signos específicos que permitían explicar diversos patrones de comienzos y finales de los trinos.1 Johann Sebastian Bach en su obra Pequeño libro de Wilhelm Friedemann Bach hace una lista de esta clase de signos y propone la forma correcta de resolverlos. La interpretación del trino se dejaba a gusto del intérprete, siempre que no hubiera ninguno de estos signos específicos. No obstante, los trinos solían comenzarse por la nota auxiliar o superior, lo que producía un efecto armónico de suspensión que se resolvía al cabo de un momento en la nota principal. Si bien, en esta época el trino se empezaba en la nota principal cuando la nota inmediatamente anterior a la trinada era la superior, puesto que ya se había producido el efecto de suspensión justo antes.
Los diversos signos específicos para los trinos y las técnicas que eran comunes en el período barroco y principios del período clásico han caído completamente en desuso. Por ejemplo, el breve Pralltriller representado por una línea ondulada muy breve, que aparece mencionado por Carl Philipp Emanuel Bach en su Ensayo sobre el verdadero arte de tocar los instrumentos de tecla (1753-1762).
«El gusto por las cadencias (como el gusto por las secuencias), y con ellos la obligación de llevar sus trinos cadenciales implícitos, fue... arraigando en los músicos del barroco... Para aquellos a quienes no les gustan las cadencias, las secuencias y los trinos cadenciales, la música barroca no es la escena.» — 12
Clasicismo[editar]
En el Clasicismo cuando no había ninguna indicación específica sobre el trino, lo que se esperaba del intérprete era en esencia similar a lo que se esperaba en el Barroco. Con el tiempo todos los trinos pasaron a iniciarse en la nota principal.
Romanticismo[editar]
En el siglo XIX el trino va perdiendo progresivamente el carácter de apoyatura, pasando a ser un timbre virtuoso de la nota principal que es la que inicia el trino. Con frecuencia se escribe la correspondiente apoyatura que lo indica.
Vibrato (del italiano vibrato, "vibración") es un término musical que describe la variación periódica de la altura o frecuencia de un sonido. Se trata de un efecto musical que se utiliza para añadir expresión a la música vocal e instrumental. El vibrato suele catalogarse en función de dos factores: la cantidad de variación en la altura («extensión de vibrato») y la velocidad con la cual varía la altura («velocidad de vibrato»).12345
En el canto se produce espontáneamente a través de un tremor nervioso en diafragma o laringe. El vibrato de los instrumentos de cuerda y de viento es una imitación de esa función vocal. En el órgano, se imita el vibrato a través de la interferencia de dos notas cercanas.
Descripción[editar]
Base acústica[editar]
El uso del vibrato está destinado a dar calidez a una nota. En el caso de muchos instrumentos de cuerda el sonido emitido es fuertemente direccional, sobre todo en las frecuencias altas y las ligeras variaciones de afinación típicas del vibrato pueden ocasionar grandes cambios en los patrones direccionales de la acústicaradiada. Según Curtin «En el caso de los instrumentos de cuerda, sin embargo, no sólo son fuertemente direccionales sino que además el patrón de su direccionalidad cambia muy rápidamente con la frecuencia. Si se piensa en el patrón a una frecuencia dada como referencias de sonido, como las púas de un puercoespín, entonces incluso los pequeños cambios en el tono creados por el vibrato pueden provocar que esas púas sean continuamente ondulantes».6 Esto puede agregar un brillo al sonido; con un instrumento bien construido, también puede ayudar a un intérprete solista para ser escuchado con mayor claridad cuando está tocando con una gran orquesta. Para Schleske el "tono fogoso" resultante de este fenómeno es un rasgo esencial de los buenos violines.7
Este efecto direccional está pensado para interactuar con la acústica del espacio para añadir interés al sonido, en gran parte de la misma manera en la que un guitarrista acústico puede oscilar la caja alrededor de un final sostenido o el bafle de rotación de un altavoz Leslie hará girar el sonido alrededor de la habitación.
Velocidad y extensión del vibrato[editar]
La velocidad y extensión de la variación de altura durante el vibrato es controlada por el ejecutante. La extensión del vibrato para los cantantes solistas por lo general consiste menos de un semitono (100 cents) a cada lado de la nota; mientras que los cantantes de un coro suelen utilizar un vibrato más estrecho, con una extensión de menos de + / - una décima parte de un semitono (+ / - 10 cents).5 Los instrumentos de cuerda frotada y de vientogeneralmente aplican vibratos con una extensión de menos de + / - medio semitono.5
Diferenciación de conceptos similares[editar]
El vibrato no debe ser confundido con otros conceptos y signos musicales que pueden presentar similitudes.
Vibrato y trémolo[editar]
Los términos vibrato y trémolo a veces se utilizan indistintamente aunque las estrictas definiciones de cada uno de ellos los describen como efectos distintos. El vibratoes una variación periódica en la altura (frecuencia) de una nota musical, lo cual afecta la afinación.1 Por su parte, el trémolo generalmente hace referencia a variaciones periódicas en la intensidad (volumen o amplitud) de una nota musical.8
En la práctica, es difícil para un cantante o un instrumentista lograr un vibrato puro o un trémolo puro en los que únicamente se modifica la altura o bien el volumen del sonido; de hecho, las variaciones tanto en altura como en intensidad suelen conseguirse al mismo tiempo. La manipulación o generación de señales electrónicas hace que sea más fácil lograr o mostrar un trémolo y/o un vibrato puros.8
En determinados casos uno de estos términos (trémolo o vibrato) se utiliza para describir el efecto que normalmente se asocia con el otro término. Por ejemplo:
- El dispositivo conocido "brazo de trémolo" (tremolo arm) es el puente móvil de una guitarra eléctrica que permite al intérprete subir o bajar la altura de una nota o acorde, es decir, variar la altura o afinación de las cuerdas. En consecuencia, se produce el efecto del vibrato, aunque aquí sea denominado trémolo.8
- Por el contrario, la llamada "unidad de vibrato" (vibrato unit) integrada en muchos amplificadores de guitarra en realidad produce el efecto que se conoce como trémolo en todos los demás contextos.1
Técnicas interpretativas[editar]
No todos los instrumentos musicales pueden producir vibrato, ya que algunos de ellos tienen alturas fijas que no pueden ser modificadas en grados suficientemente pequeños. La mayoría de los instrumentos de percusión son muestras de ello, como por ejemplo el xilófono.
En canto[editar]
En el canto el vibrato es necesario para subrayar una expresión emotiva, pero puede llegar a caerse con facilidad en exageraciones de mal gusto.
En el aparato vocal se distinguen tres diferentes procesos de vibratoque se producen en diferentes partes del tracto vocal. Peter-Michael Fischer define los tipos de vibrato según su lugar de producción:
- En la onda de glotis, el musculus vocalis vibra en una frecuencia de 6,5 a 8 Hz. Si ese vibrato se produce aislado, se denomina trémolo o en término despectivo caprino (de it: Capra = cabra por la semejanza a la voz caprina tiene a la voz de la cabra).
- En la onda de diafragma (también onda respirativa), el diafragma vibra en una frecuencia inferior a 5 Hz. Si ese vibrato se produce aislado, se denomina wobble. Ese tipo de vibrato frecuentemente afecta la claridad del canto. Es uno de los defectos en voces envejecidas.
- En la onda compleja, el cantante combina las ondas de glotis y de diafragma a un vibrato complejo cuya frecuencia es entre 5 y 6,5 Hz. Ese vibrato tiene un efecto relajante al músculo vocalis y alarga su fuerza y durabilidad física.
Fischer escribe sobre la función del vibrato de onda compleja:
«Esa combinación relativamente estable se encuentra en las voces más hermosas. Una característica importante es que las funciones parciales pueden aparecer durante el canto como "acentos": Según el contexto expresivo de la presentación domina la onda respirativa, de carácter lírico, pero en su forma acelerada, o la onda de glotis, de característica dura y heroica, pero en una forma lenta.»— Peter-Michael Fischer.9
En instrumentos de cuerda[editar]
En instrumentos de cuerda el vibrato se produce mediante el movimiento oscilatorio de la muñeca sobre la cuerda. Cuando se empieza con el aprendizaje del vibrato, el sonido se mejora por la mayor cantidad de armónicos que suenan. Pero para ello es necesario que el vibrato tenga como característica la igualdad y la continuidad. Es utilizado casi siempre que la duración de la nota lo permite, normalmente hasta una corchea. Su amplitud se señala con términos como molto vibrato y si no debe hacerse se utiliza el término senza vibrato. No fue utilizado apenas hasta el siglo XIX.
Muchos instrumentistas de cuerda contemporáneos modifican la altura desde abajo sólo hasta la nota principal y nunca por encima de esta.10 Sin embargo, grandes pedagogos del violín de épocas pasadas, como Carl Fleschy Joseph Joachim, hacían referencia explícita al vibrato como un movimiento hacia el puente, es decir, hacia arriba en altura.11 El violonchelista Diran Alexanian, en su tratado de 1922 Traité théorique et pratique du Violoncelle, muestra cómo se debe practicar el vibrato partiendo de la nota y luego desplazándose hacia arriba con un movimiento rítmico.12 En un estudio acústico de 1996 de la Acoustical Society of America, junto con Wellesley College y Massachusetts Institute of Technology, se estableció que el tono percibido de una nota con vibrato "es aquel correspondiente a su media" o la mitad de la altura fluctuante.13
- Cuerda pulsada
Las cuerdas de la guitarra española o flamenca son de nylon, a diferencia de las cuerdas de metal, propias de una guitarra eléctrica, necesitan mayor fuerza en los dedos para ejercer presión sobre las mismas. El vibratoamplio, tan amplio como un tono entero, es de uso general entre los intérpretes de guitarra eléctrica y aporta al sonido una seña de identidad expresiva parecida a la vocal. Este efecto puede lograrse tanto por el movimiento de los dedos sobre el diapasón como por el uso de un tremolo arm. Algunas guitarras eléctricas poseen un mecanismo llamado en inglés Whammy Bar, que es una palanca en el puente que permite bajar la tensión de las cuerdas de forma práctica, haciendo el sonido más grave. Con esto, se puede crear un vibrato diferente. Las primeras guitarras eléctricas en tener este sistema incluido eran las stratocaster de Fender, con su competencia las Les Paul de Gibson. Ambas, en los años 50, tenían un vibratoBigsby.
El guqin, un tipo de cítara china sin puente, cuenta con más de 25 documentos que describen los diferentes tipos de vibrato que se pueden ejecutar. El más peculiar es el vibrato ting yin, que significa literalmente "todavía vibrato". Los antiguos manuales establecen que el dedo de la mano izquierda que está presionando la cuerda sólo se debe mover u oscilar muy ligeramente con el fin de alterar el tono sutilmente. Por su parte, otros manuales afirman que el dedo no debe moverse en absoluto, sino que se debe dejar que el pulso del dedo origine el vibrato.
En instrumentos de viento[editar]
Los intérpretes de instrumentos de viento generalmente obtienen el vibrato modulando el flujo de aire en el instrumento. Esto se puede lograr ya sea a través del vibrato de estómago, golpes rítmicos del diafragma ligeramente hacia arriba y hacia abajo, o el vibrato de garganta, una variación de tensión de las cuerdas vocales para manipular la presión del aire como lo hacen los cantantes. Los intérpretes de otros instrumentos pueden emplear técnicas menos comunes. Los saxofonistas tienden a generar el vibrato moviendo repetidamente su mandíbula hacia arriba y hacia abajo ligeramente. Los clarinetistas rara vez tocan con vibrato, pero si lo hacen, es común el método de saxofón debido a la similitud de las boquillas del saxofón y el clarinete y cañas.
- Viento metal
Los intérpretes de instrumentos de viento metal pueden producir este efecto moviendo suavemente la bocina que varía la presión de la boquilla contra el labio. Esto se conoce como vibrato de mano y es más frecuente en los metales más agudos. Por otra parte, la embocadura puede ser rápidamente alterada, esencialmente mediante la flexión o «bending» de la nota en repetidas ocasiones. Esto se conoce como vibrato de labio y es probablemente la técnica más comúnmente utilizada de vibrato en un instrumento de metal grave.14 En la interpretación del viento metal, el vibrato diafragmático es posible, aunque no suele ser la primera opción. En un trombón, el intérprete puede ofrecer un vibrato ligeramente más pronunciado moviendo suavemente la vara hacia atrás y adelante, centrándose en una nota para dar un efecto lírico. A menudo, esto es más una técnica de jazz, que se denomina slide vibrato.
En instrumentos de teclado[editar]
Algunos tipos de órgano pueden producir el efecto de vibrato mediante la alteración de la presión del aire que pasa a través de los tubos, o bien mediante diversos dispositivos mecánicos. Véase los órganos Hammond o el Wurlitzer, por ejemplo.
El clavicordio, aunque técnicamente es un instrumento de teclado de alturas fijas, es capaz de producir un tipo de vibrato conocido como «Bebung» al variar la presión sobre la tecla mientras suena la nota. Algunos teclados digitales pueden producir un efecto de vibrato electrónico, ya sea por la presión sobre las teclas, o bien mediante el uso de una palanca o un controlador MIDI.
Auto-vibrato[editar]
En ciertos instrumentos sólo se puede ejecutar un vibrato constante y mecánico (o ninguno en absoluto). Por ejemplo, los ejecutantes notables de órgano eléctrico utilizan un altavoz Leslie. El vibrato en el theremin, que es un instrumento de altura variable de forma continua, sin "paradas", puede oscilar de lo delicado a lo extravagante. A menudo se utiliza para enmascarar los pequeños ajustes de tono que este instrumento requiere.
Uso del vibrato en diversos géneros musicales[editar]
El vibrato es considerado a veces como un efecto añadido sobre la propia nota, pero en algunos casos llega a constituir tan plenamente parte de un determinado estilo musical que puede resultar muy difícil para algunos ejecutantes interpretar sin él. El saxo tenor de jazz, Coleman Hawkins, descubrió que tenía esta dificultad cuando se le solicitó que tocase un pasaje con y sin vibrato por parte del productor de un disco de jazz para niños para mostrar la diferencia entre ambos. A pesar de su técnica, fue incapaz de tocar sin vibrato. Un saxofonista sinfónico fue contratado para interpretar esa parte.
Numerosos músicos clásicos, especialmente los cantantes e intérpretes de cuerda se encuentran con un problema similar. El violinista y profesor Leopold Auer, al escribir su libro Violin playing as I teach it (1920), aconsejó a los violinistas que practicasen tocando completamente sin vibrato y que dejasen de tocar durante unos minutos tan pronto como notasen que empezaban a tocar con vibrato a fin de obtener el control total sobre su técnica.
En música clásica occidental[editar]
El uso del vibrato en música clásica es un asunto rodeado de cierta controversia. Durante gran parte del siglo XXfue utilizado casi sin interrupción en la interpretación de piezas de todas las épocas desde el Barroco en adelante, en especial por cantantes e instrumentistas de cuerda. Un cambio drástico de enfoque no puede ser comprendido enteramente sin atender al aumento de la interpretación históricamente precisa desde la década de 1970. Sin embargo, no hay ninguna prueba efectiva de que los cantantes interpretasen sin vibrato en la época barroca. La música vocal del Renacimiento por regla general casi nunca se canta con vibrato y parece poco probable que alguna vez lo fuese. Existen unos pocos textos de la época sobre la práctica vocal y todos ellos condenan el uso excesivo de vibrato. No obstante, debe entenderse que este efecto puede producirse sobre una amplia gama de intensidades: lento, rápido, ancho y estrecho. La mayoría de las fuentes que condenaban tal práctica parecen estar refiriéndose a una oscilación amplia, lenta y perceptible de la altura; por lo general asociada con las emociones intensas. Mientras que el ideal del vibrato moderno, y posiblemente en los primeros tiempos también, era imitar el timbre natural de la voz adulta cantada, en la que desde entonces no suele faltar un compás de vibrato.
Leopold Mozart en su obra Versuch einer gründlichen Violinschule (1756) ofrece una indicación sobre el vibratoen la interpretación de la cuerda al final del período barroco. En él, reconoce que «hay ejecutantes que tiemblan consistentemente en cada nota como si tuvieran una fiebre permanente», condenando tal práctica y sugiriendo en su lugar que el vibrato debe utilizarse sólo en notas sostenidas y en los finales de las frases cuando es empleado como adorno.15 Esto sin embargo no aporta más que un indicio del gusto personal de Mozart, que era un compositor formado en el último Rococó y primer Clasicismo. Mozart reconoce la diferencia entre el vibrato pesado y ornamental que considera objetable, y una aplicación más continua de la técnica menos obstructiva para los objetivos de mejora de la calidad del sonido. En este segundo caso no se refiere a ello como vibrato o trémolo en absoluto, sino que la describe simplemente como un rasgo de correcta digitación. A este respecto se parece a su contemporáneo, Francesco Geminiani, quien abogó por la utilización de este efecto «con tanta frecuencia como fuese posible» en notas cortas con este propósito. Aunque carecemos de evidencias sonoras que corroboren que los intérpretes de cuerda en Europa no empleaban el vibrato, sabemos que su excesivo uso fue casi universalmente condenado por las principales autoridades musicales de la época.
Ciertos tipos de vibrato entonces se consideraban ornamentos, aunque esto no quiere decir que fuesen utilizados con moderación. Incluyendo la interpretación de instrumentos de viento, parece que el vibrato se consideraba un adorno que era empleado de forma selectiva en la música anterior al siglo XX. Martin Agricola en su obra Musica instrumentalis deudch (1529) escribe sobre el vibrato en este sentido. Ocasionalmente los compositores hasta la época barroca vibrato indicado mediante una línea ondulada en la partitura. De nuevo, esto no significa que no fuese deseado en el resto de la pieza, aunque el uso infrecuente del término en obras del siglo XX sugiere que no se emplea en otros lugares.
En música folclórica[editar]
Los cantantes e instrumentistas de música folclórica hasta el día de hoy nunca o casi nunca emplean el vibrato. Tiende a ser utilizado únicamente por los intérpretes de transcripciones o adaptaciones de música tradicional que han sido realizadas por compositores cuya base se asienta en la tradición de la música clásica, como Benjamin Britten o Percy Grainger. El uso del vibrato en la música folclórica no suele ser habitual o es menos significativo que en otros tipos de música, aunque por ejemplo su uso puede ser muy amplio en la música gitana de Europa del Este.
En jazz[editar]
La mayoría de los músicos de jazz de la primera mitad del siglo XX hacen una utilización más o menos continua del vibrato. Desde aproximadamente la década de 1950 con el surgimiento del bebop, el uso continuo del vibratoen gran parte ha caído en desuso en favor de un uso más selectivo.
En música popular urbana[editar]
En el pop, en contraposición a la ópera, el vibrato por lo general comienza en algún lugar de la última parte de la nota. En el caso de algunos cantantes de baladas pop, el vibrato puede ser tan amplio que constituirá una oscilación pronunciada, aunque no tan pronunciada como la que está presente en algunas voces operísticas mal entrenadas o sobrecargadas. Muchos cantantes utilizan un software de corrección de afinación, en el que tal efecto puede ser reducido o eliminado como resultado de la cuantización de la altura musical. El canto del heavy metal incluye una amplia gama de cantantes que usan el vibrato como característica.
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