Esculturas de Donatello
El Busto de joven con camafeo, es una obra escultórica de Donatello con una datación incierta. Realizada en bronce, mide 42 x 42 cm y está conservada en el Museo Nazionale del Bargello de Florencia.
Historia
El busto de bronce proviene de la colección de los Médici y se cita en el inventario del año 1560. En 1769 fue expuesto en la Galleria degli Uffizi, hasta su traslado en 1865 al Bargello.
Descripción
En este trabajo, el retrato de busto no se ha utilizado como un relicario, sino como un busto profano, sin ser un retrato real, más bien de tipo ideal. Sobre el pecho tiene un camafeo, copiado de uno antiguo que perteneció a la colección medicea; se representa el Carro de Eros, un tema mitológico presente en el diálogo de Fedro de Platón.
Atribución
La atribución es todavía objeto de debate entre los estudiosos. Milanesi dudó por primera vez que fuera obra de Donatello en 1887. Bode en 1892, especuló que era el retrato de Giovanni Antonio di Narni, hijo de Gattamelata, pero su idea no se basaba en pruebas objetivas, sino sólo en las sugerencias a veces tomadas de otros historiadores.
Entre los proponentes como obra de Donatello, están Janson, Grassi, Castelfranco y Schuyler; otros incluso dudan de su datación, que por lo general se indica al comienzo del siglo XV en los años cuarenta, antes de la salida a Padua (1443), cuando el artista realizó probablemente otras grandes obras de bronce, como David y el Atis-Amor.
Schmarsow (1889) y Semrau (1891) notaron la similitud con el busto de Ludovico Gonzaga en los Museos Estatales de Berlín, que se atribuye a Niccolò Baroncelli, y el busto del Bargello.
El estudio del camafeo ha abierto nuevas interrogantes: se especula con que sea una reproducción de un camafeo que perteneció a Pablo II, mencionado en su inventario de 1457, y que en 1471 fue dado a Lorenzo de Médici. Pero su diseño ya era conocido en Florencia, como se describe en la base de la tumba del Cardenal de Portugal en San Miniato al Monte, que fue creada en 1461-1466.
El tema del camafeo pondría a la obra en relación con la academia neoplatónica, en particular del ambiente de Marsilio Ficino, con una fecha hacia 1470-1480. Chastel, que negó la paternidad a Donatello, asignó el trabajo a un colaborador de Desiderio da Settignano y Mino da Fiesole y, a continuación, propuso el nombre de Bertoldo di Giovanni.
Ames-Lewis ha confirmado la atribución a Donatello, dándole la fecha en los últimos años, confirmada más tarde por Rosenauer. Badt, volvió a la comparación con el busto de Lodovico Gonzaga, y atribuyó la obra a Leon Battista Alberti.
Entre los estudiosos más recientes Collareta (Patrimonio de Magnífico, 1992) atribuyó el busto de Donatello a un ayudante del escultor, quizás Bertoldo, datándolo entre 1470-1480. Lewis en 2001, encontró un documento de Pedro de Cosme de Médici de su regreso de Padua en 1456, donde creía encontrar una alusión al trabajo, que sería entonces el resultado del período de Donatello en Padua.
El crucifijo de bronce, es una escultura de Donatello situada en el altar mayor de la basílica de San Antonio de Padua en Padua. Tiene un tamaño de 180 x 166 cm y fue construido entre 1444 y 1447.
Historia
La obra fue probablemente el primer gran encargo de Donatello en Padua. La propuesta le debió de ser muy atractiva, para poder trabajar con la dificultad y el costoso bronce, que hizo partir a Donatello de Florencia a Padua en 1443.
Se conoce la historia del proyecto: en 1444 adquirió la cera para realizar el modelo, en 1449 se pagó la última cuota del pago del artista y en 1467 la obra fue expuesta en la basílica. El crucifijo no fue, probablemente, ejecutado para su colocación en el altar mayor ya que se añadió bastantes años después. Se cree que su ubicación inicial era para el centro del coro que se construyó por la misma época.
La escultura fue muy apreciada, por lo que, a partir del 1446, los comitentes decidieron encargarle un trabajo más importante a Donatello, la realización del altar mayor, en el cual estuvo laborando hasta 1450.
Descripción
El único trabajo en bronce fundido por el artista de esta magnitud hasta ese momento, había sido el San Luis de Toulouse, en 1423-1425 para Orsanmichele. Donatello originariamente había creado una figura desnuda, tal vez con un perizoma textil, pero en la época del barroco se le añadió un paño de pureza de bronce.
La figura de Cristo está modelada con gran atención en la anatomía, las proporciones y la intensidad de expresión, con una talla efectuada con un grave corte donde se aprecia la perfecta y armoniosa musculatura del cuerpo. Inclina la cabeza ligeramente hacia el lado derecho y está realizada minuciosamente modelada hasta el más mínimo detalle, con la apreciación del extremo sufrimiento. Los ojos se encuentran profundamente hundidos, la boca entreabierta como en el momento de la última exhalación.
Pero este crucifijo de Padua, evita totalmente el realismo exagerado de la Cruz "campesina" tallada en su juventud. Crea en esta de bronce, una figura atemporal, que respeta, a diferencia del crucifijo de Florencia, los cánones clásicos de la escultura antigua.
El Crucifijo de la Santa Cruz de Donatello, es una escultura conservada en la capilla de Bardi di Vernio en la parte izquierda del crucero de la iglesia de la Santa Cruz (Florencia), atribuida hacia los años 1406-1408. Es en madera policromada y con unas medidas 168 x 173 cm.
Historia
Según el testimonio Vasari en Le Vite este trabajo, fue duramente criticado por Filippo Brunelleschi, diciendo a Donatello, que había puesto en la cruz un campesino, por el realismo tan exagerado que le había dado al cuerpo de Cristo. Donatello le desafió para que hiciera uno mejor. Brunelleschi esculpió en respuesta la solemne Crucifixión de Santa Maria Novella.
Hoy en día los historiadores del arte tienden a negar la historia, y datan las dos obras en una docena de años de distancia el uno del otro. El de Donatello que se reconoce realizado antes, está fechado en torno a 1406-1408.
La identificación del crucifijo ha motivado alguna controversia, se propuso en algún tiempo, como nombre del autor a Nanni di Banco, pero sin mucho éxito. Existe, actualmente total unanimidad es su atribución a Donatello.
La historia de Vasari
... hizo un Crucifijo de madera, que, cuando lo hubo acabado, lo mostró a Brunelleschi, muy amigo suyo, para saber su opinión. Este, que por las palabras de Donatello esperaba ver algo mucho mejor, al mirarlo se sonrió. Y Donato le rogó, por la amistad que entre ellos había, que le dijese su parecer. Por lo que Filippo, que era muy liberal, repuso que le parecía que había puesto en la Cruz a un campesino y no un cuerpo semejante a Jesucristo, que era más delicado y en todas sus partes el más perfecto de forma humana jamás creada.
Donatello ante esta cruel crítica invitó a Filippo Brunelleschi a ejecutar un trabajo mejor que el suyo. Ante el crucifijo realizado por su amigo, Donato fue leal y admitió que había sido vencido.
Información general y estilo
| Diferencias entre los Crucifijos de Donatello y Brunelleschi | |
|---|---|
 |  |
| Crucifijo de la Santa Cruz (1406-1408) Donatello. | Crucifijo de Santa Maria Novella(1410-1415) Brunelleschi. |
La comparación entre los dos crucifijos es ejemplar para demostrar las diferencias personales entre los dos padres del Renacimiento florentino, que a pesar de la coincidencia de propósitos personales, tienen concepciones muy diferentes del arte.
El Cristo de Donatello se construye haciendo hincapié en el sufrimiento y la verdad del sujeto humano, quizás de acuerdo con las exigencias de los clientes franciscanos, siempre interesados en que la figura fuese patética para llegar más al pueblo, haciéndolos participar en la compasión ante el sufrimiento de Jesús; este trabajo podría haber sido encargado para las ceremonias de Semana Santa.
El cuerpo, se presenta sufriendo, con el modelo energético y vibrante, que no hace ninguna concesión a la comodidad ni a la estética; destaca la agonía, siguiendo las peticiones del contrato, con la boca abierta, los ojos parcialmente abiertos, y el desgarro de la composición del cuerpo.
Donatello con este trabajo parece argumentar en contra de la elegancia helénica aprendida de Lorenzo Ghiberti, pero con la buena composición armoniosa y matemática de Brunelleschi. De hecho, la Crucifixión de Cristo de Brunelleschi, se establece de acuerdo con un estudio de proporcionalidad y una solemne seriedad.
El David es una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia.1 Actualmente se encuentra en el Bargello. El David de Donatello es una de las obras más relevantes del primer Renacimiento. Era la primera vez que un escultor se atrevía a crear un desnudo masculino desde la Antigüedad clásica.;2 y también era el inicio por liberar a la escultura del marco arquitectónico.
Contexto histórico
A principios del siglo XV surgió en Europa una sociedad mercantil, con la creación de bancos en las ciudades más prósperas, como París o Florencia; en esta última, la prosperidad permitió el ascenso al poder de la familia Médici, con la consiguiente influencia política; quienes se convirtieron en los grandes mecenas de todas las artes. A pesar de que los artistas continuaban siendo considerados como artesanos, mejoraron su posición social gracias a los mecenazgos que procuraban elevar la posición de sus artistas protegidos a oficios liberales.3 Siguiendo las observaciones de Leon Battista Alberti: "... el artista en este contexto social no debe ser un simple artesano, sino un intelectual preparado en todas las disciplinas y en todos los terrenos".
A lo largo del siglo XV apareció en Italia el periodo denominado como el quattrocento o el rinascimento dell'antichità, movimiento artístico que evolucionó las técnicas de la pintura, especialmente el dibujo. En el quattrocento se utilizó la perspectiva como medio para conseguir una mayor exactitud en la expresión de la realidad desde un determinado punto de vista,4 y se perfeccionó la técnica al óleo. La arquitectura se inspiró en el arte griego, con unas líneas más puras y con cánones de una gran armonía; igualmente, en la escultura, se observó un retorno a la imitación de la figura clásica, con la anatomía como centro de atención y buscando la perfección del cuerpo humano. Grandes artistas, como los arquitectos Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti, los pintores Masaccio, Sandro Botticelli, Filippo Lippi y Piero della Francesca, y los escultores Ghiberti o Donatello, contribuyeron al esplendor del arte de esta época.5
En el año 1436, Brunelleschi acabó la cúpula de Santa María del Fiore, la catedral de Florencia, uno de los proyectos arquitectónicos más importantes de la ciudad. En 1426 la Adoración de los Magos de Masaccio representó la renovación de la pintura de la época; sus figuras pierden el gesto grácil del arte gótico y ocupan un espacio verdadero dentro de las leyes de la perspectiva lineal y el contraste del color. En Florencia, esta concepción del arte ya se practicaba por Brunelleschi, veinticuatro años más viejo que Masaccio, y Donatello, con el que había una diferencia de quince años.6
En 1425, el escultor Ghiberti recibió el encargo de la realización de la puerta este o Puerta del Paraíso para el Baptisterio de San Juan (Florencia), consiguiendo en esta obra una gran perfección en el bajorrelieve. El ayudante de Ghiberti fue Donatello.7
Detalles biográficos del autor
Donato di Niccolò di Betto Bardi, nacido en Florencia (1386-1466), es el escultor más representativo de la escultura quattrocentista italiana. Discípulo de Ghiberti hasta que llegó a independizarse, y protegido de Brunelleschi (con quien estudió las ruinas clásicas de Roma), es un renovador de toda la escultura europea, y sobre todo de la técnica del fundido en bronce. Por otra parte, estudió profundamente el ser humano como centro y razón de ser del Universo al cual trata en toda una gama de caracteres y valores, intentando penetrar en su psicología. +
Donatello aprendió la técnica de la escultura en bronce con Ghiberti en las puertas del baptisterio de Florencia y pronto rivalizó con su maestro. Fue el escultor más influyente del siglo XV y se le ha comparado con Miguel Ángel y Bernini. Entre sus cualidades están el dominio que ejerció sobre todas las técnicas y materiales, la profundidad psicológica con que expresa los sentimientos humanos y su imaginación creadora para definir la tumba ( Sepulcro del cardenal Reinaldo Brancacci enNápoles ), el púlpito ( Cinturón de la Virgen, catedral de Prato ), el altar ( Tabernáculo de la Anunciación de la Iglesia de Santa Croce en Florencia ) entre otras. Sus obras más sobresalientes son la Cantoría de la Catedral de Florencia, el San Jorge de Orsanmichele (en Florencia), la estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata (en Padua) y el David, encargada por Cosme de Médici y que fue colocada en el patio del palacio de los Médici hasta el año 1495, cuando Piero de Médici fue expulsado de la ciudad, siendo la estatua trasladada al patio del Palazzo Vecchio.8 Algunas de sus obras como los Milagros de San Antonio, realizada durante su estancia en Padua, suponen el triunfo absoluto del schiacciato , técnica con la que consigue graduar la composición magistralmente mediante una sucesión de planos aplastados que prestan un efecto pictórico al conjunto. Con el tiempo Donatello se fue alejando del clasicismo y, llevado de una crisis religiosa, ya en Florencia y en sus últimos años, inicia un conjunto de obras dramáticas que anticipan la angustia y la terribilitá de Miguel Ángel ( Magdalena penitente ).
Desde el año 2007 se está haciendo una restauración de la obra para proceder a su limpieza. Los trabajos pueden ser seguidos por los visitantes del Bargello mediante un ventanal que muestra la sala donde se efectúan los trabajos de mejora.9
Donatello interpretó este tema bíblico (tomado del Primer libro de Samuel) como un desnudo clásico. De hecho, fue el primer desnudo integral, de bulto redondo, que apareció en la escultura renacentista.10 11 Se trata de un desnudo ponderado, natural, pero muy expresivo debido a la firmeza de las líneas compositivas generales. Se relata la victoria de David sobre Goliat, un gigante filisteo. Donatello muestra un David adolescente, desnudo, con el pie sobre la cabeza de Goliat, que acaba de cortar con la propia espada de su enemigo y que David aún la sujeta en su mano derecha. Con la otra mano sostiene la piedra con la que hirió a Goliat. Tiene la expresión serena y cubre su cabeza con sombrero de paja típico de la Toscana del que caen las guedejas del pelo; lleva también una corona de hojas de amaranto, en clara alusión al heroísmo griego, y sus pies están calzados con unas botas. En la cabeza de Goliat se encuentra un yelmo trabajado al detalle con relieves historiados y adornos vegetales típicos del primer Renacimiento (llamados in candelieri), y donde está representado un bajorrelieve de una carroza alada por putti.12
Historia de David y Goliat
David era hijo de Jesé, de la tribu de Judá. Vivía en Belén con su padre y sus hermanos, y pertenecía a una familia humilde que se dedicaba al pastoreo. Como se relata en 1 Samuel 17:51, los hechos se iniciaron cuando el padre lo envío donde estaba acampado el ejército israelita para que obtuviese noticias de sus tres hermanos mayores. Al llegar al campamento, David se enteró de que un filisteo muy fuerte, un gigante llamado Goliat, estaba desafiando en combate individual a cualquier enemigo; delante de este guerrero ningún israelita se atrevía a enfrentarse. A pesar que era muy joven e inexperto en el arte de la guerra y que Goliat medía dos metros y medio, David rezó a Dios y pidió permiso al rey Saúl para poder enfrentarse al gran guerrero.13 Recordó al rey que cuando un león y un oso habían atacado a su rebaño, había sido capaz de matarlos con su honda. Entonces el rey le dio permiso para combatir con el gigante.
Así pues, David se dirigió hacia donde estaba Goliat. Iba vestido con una armadura del rey pero por ser demasiado pesada se la quitó. Fue hasta un torrente donde cogió cinco piedras y llegó al campo de batalla con la honda como única arma. Goliat se rió de David al verlo tan joven, con aspecto delicado y mal armado. Entonces el pastor puso una piedra en la honda y empezó a girarla y al lanzarla fue directamente a la frente del gigante derribándolo a tierra. David rápidamente cogió la espada de Goliat y le cortó la cabeza.
Análisis de la obra
Donatello representa con él un tema bíblico de gran popularidad y significado no sólo religioso, sino también mitológico y social. David está representado tras su victoria sobre el gigante Goliat, después de haberlo matado con su honda y tras haberle cortado la cabeza, que figura a sus pies.
La actitud que presenta el cuerpo, apoyándose sobre la pierna derecha, es una influencia clara del estilo de Praxíteles, que se conoce en el mundo del arte como la "curva praxiteliana" o contrapposto, y que contribuye a romper la ley de la frontalidad proporcionando un movimiento más armónico al cuerpo. Consiste en representar la figura con una pierna ligeramente flexionada, innovación que se atribuye al escultor Policleto.14
La composición está muy estudiada. La pierna derecha de un David adolescente soporta el peso de un cuerpo ligero, mientras la izquierda descansa sobre la cabeza del gigante derrotado. El ángulo que aquí genera se contrarresta con el brazo izquierdo apoyado sobre la cadera. El atrevido desnudo de David, -viste solo sombrero y botas de piel- realza la inclinación de las caderas y recrea la curva praxiteliana ( como ya se ha comentado anteriormente ), a la vez que le imprime movimiento y sensualidad a la anatomía del pastor. La superficie pulida y casi negra del bronce realza el atractivo del cuerpo juvenil. La espada que sostiene, la piedra en la otra mano y su mirada satisfecha nos dan también, a pesar de su juventud, una idea de su valentía. El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descrito Vitruvio, que sostenía:
... que la proporción de la forma humana había de servir de paradigma para las proporciones de las creaciones del hombre. Ya que la naturaleza ha diseñado al cuerpo humano de manera que sus miembros están debidamente proporcionados a la figura en su conjunto; parece que los antiguos tenían una buena razón para su regla, que dice que en los edificios perfectos los diferentes miembros deben guardar relaciones simétricas exactas con el esquema general en su conjunto.
El modelado muscular es muy suave, difuminado, casi femenino y el acabado que presenta el bronce es todo liso para simular la suavidad de la piel y constituye un magnífico ejemplo de estatuaria en bronce.15
Según Vasari:
Es una figura tan natural y de una belleza tal que a los artistas les cuesta creer que no haya sido moldeada sobre un modelo viviente.
La interpretación simbólica es la relación con Cosme de Médici que conmemora las victorias de Florencia sobre su rival, Milán.7 En la escultura, David personifica a Florencia llevando el típico sombrero toscano, y Goliat a Milán, uno de cuyos símbolos es la espada convertida en cruz. También su inscripción hace referencia al mismo tema:
Entre algunos historiadores existen comentarios sobre la verdadera representación de la escultura de Donatello: ¿David y Goliat o Hermes venciendo a Argos?.16Alessandro Parronchi se inclina hacia la segundo opción por el tema simbólico que expresa el sombrero laureado y la sensualidad pagana del adolescente.15 El sombrero que, como se ha dicho, podría ser toscano, es otro argumento a favor de esta interpretación, pues también podría ser el pétaso de alas anchas típico de Hermes; también lo señalaría el psicopompos que está representado en el casco de Goliat, ya que una de las atribuciones de Hermes era la de guiar las almas al otro mundo.17
La escultura es una exaltación de la belleza ambigua del adolescente que parece que ha vencido a Goliat más por su coraje que por su fuerza.18
Como conclusión, Donatello está considerado como el escultor más influyente del primer Renacimiento. Su David es un buen ejemplo de cómo supo liberarse de todos los estereotipos tradicionales del arte gótico, del estudio del cuerpo humano a partir de modelos que posaron para él y de cómo supo liberar a la escultura de las ataduras que la supeditaban a la arquitectura.
Representación de esculturas de David en el arte
El propio Donatello había realizado anteriormente una escultura de David, encargada para los contrafuertes del coro de la catedral de Florencia; para el mismo sitio encargaron otra a Nanni di Banco en la que debía representar a Isaías. Si se comparan ambas esculturas se observa una flexión del cuerpo de Isaías que continúa siendo gótica y que parece no tener un eje central, la del David de Donatello presenta un contrapposto perfecto. Donatello la realizó en mármol con una altura de 190 cm; la gran meticulosidad del acabado recuerda la influencia que adquirió cuando trabajó con Ghiberti.19
Verrocchio realizó un David en 1467-1470, en bronce, que es más descarado y audaz, además de estar vestido; queda reflejado en la escultura el mismo momento victorioso que el David de Donatello. Se encuentra en el Bargello de Florencia.20
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Miguel Ángel realizó un David en mármol en el periodo de 1501-1504, con una altura de más de cinco metros; es el símbolo de la tensión en el instante previo de lanzarse al combate contra Goliat. Se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.21 22
Bernini ejecutó hacia los años 1623-1624 una estatua barroca de medida real y en mármol. Representa a David en el momento fugaz y sutil de disparar su piedra. Se encuentra en la Galería Borghese de Roma.23
Antonin Mercié realizó una estatua en bronce en el año 1871, donde el David tiene la cabeza de Goliat a sus pies, como en el de Donatello, pero lleva un turbante y está envainando su espada. Existen numerosas representaciones, la mayoría incorporan una pieza de tela cubriendo la zona genital, aunque las nalgas quedan al descubierto. La escultura original se encuentra en el Museo de Orsay, en París.
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