De Stijl

De Stijl (El Estilo, pronunciado [də ˈstɛɪl]) era un movimiento artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta 1931. Constituido en Leiden, Holanda en 1917, pertenecían a este movimiento Vilmos Huszár, Cornelis Van Eesteren, Antony Kok, Piet Mondrian, Bart van der Leck, Gerrit Rietveld, Jacobus Johannes Pieter Oud y Theo van Doesburg.

El movimiento

Los pintores Piet Mondrian y Bart van der Leck, el arquitecto J.J.P. Oud y otros se unieron a Theo van Doesburg fundador y guía espiritual de este grupo. De todos sus miembros, van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas con una paleta de colores que ejerció fuerte influencia en Mondrian.² Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales de De Stijl.

Cuando vio pinturas cubistas por primera vez en 1910, Mondrian evolucionó de la pintura del paisaje tradicional hacia un estilo simbólico. Influenciado por Gauguin, que expresaba las fuerzas de la naturaleza. En los años siguientes, eliminó todo indicio de los elementos representativos y evolucionó del cubismo hacia una abstracción geométrica pura. Durante una temporada, en el año 1917, las pinturas de Mondrian, van der Leck y van Doesburg eran difícilmente distinguibles (cabe destacar el hecho de que Mondrian jamás aceptó la línea diagonal en sus trazados, aunque sí consideró apropiado el uso de la misma para orientar el formato; esto es: podremos saber siempre si estamos ante un Mondrian si no hay ninguna línea inclinada, aunque el formato del lienzo sea un cuadrado colocado en diagonal. Van Doesburg, por el contrario, sí admitió el trazo de la diagonal. A pesar de que sus cuadros puedan parecer exactamente iguales, si nos fijamos en este detalle tendremos absoluta certeza de quién es el autor). Además de su restringido vocabulario visual, los artistas De Stijl buscaron una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza.

Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban "expresar la consciencia general de su época". De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científica, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes universales. En el año 1924, Mondrian dejó de contribuir con sus artículos en el periódico después de que Van Doesburg desarrolló su teoría del elementarismo, la cual declaraba a la diagonal como un principio compositivo más dinámico que la construcción horizontal y vertical. La búsqueda de un arte puro de relaciones visuales iniciado en Holanda y en Rusia, había permanecido con una preocupación importante en las disciplinas visuales durante el siglo XX. Kasimir Malevich y Mondrian utilizaron líneas, formas y colores puros para crear un universo de relaciones puras ordenadas armoniosamente. Esto fue visto como un prototipo quimérico para un nuevo orden mundial. Mondrian escribió que el arte "desaparecería en la misma proporción que la vida gana equilibrio". La tecnología y la forma visual se convirtieron en el objetivo de quienes se empeñaron en lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferentes.³

Normas arquitectónicas

El pensamiento expresado en los siguientes puntos se publicó contenido y explicado en el libro Los 17 puntos de la arquitectura neoplástica (Theo Van Doesburg, 1925)

La forma. La arquitectura moderna, en lugar de originarse de una forma a priori, plantea para cada nuevo proyecto el problema de la construcción. La forma es un a posteriori.
Los elementos. La nueva arquitectura es elemental, es decir, se desarrolla a partir de los elementos de la construcción: luz, función, materiales, volumen, tiempo, espacio, color. Estos son al mismo tiempo elementos creativos.
La economía. La nueva arquitectura es económica, es decir, utiliza los medios elementales más esenciales sin desgaste de medios y materiales.
La función. La nueva arquitectura es funcional, es decir, basada en la síntesis de exigencias prácticas. El arquitecto las determina en un plano claro y legible.
Lo informe. La nueva arquitectura es informe, pero al mismo tiempo bien determinada. No reconoce un esquema a priori, un molde en el que volcar los espacios funcionales. Al contrario de todos los estilos del pasado, el nuevo método arquitectónico no conoce tipos fundamentales e inmutables. La división y subdivisión de los espacios interiores y exteriores se determinan rígidamente por medio de planos que no tienen una forma individual. Estos planos pueden extenderse hasta el infinito, por todos los lados y sin interrupción. El resultado es un sistema en cadena en el que los diferentes puntos corresponden a una misma cantidad de puntos en el espacio general; porque existe una relación entre los diferentes planos y el espacio exterior.
Lo monumental. La nueva arquitectura, en lugar de ser monumental, es una arquitectura de transformación, de ligereza y de transparencia. Ha separado la idea de “monumental” de la de “grande” y “pequeño”; se ha demostrado que todo existe en relación a algo.
El vacío. La nueva arquitectura no conoce ningún partido pasivo; ha vencido al vacío. La ventana ya no es un agujero en la pared. Un agujero o un vacío no vienen de ninguna parte, porque todo está determinado en modo rígido por su contraste.
La planta. La nueva arquitectura ha destruido la pared en el sentido que suprime el dualismo entre interior y exterior. Las paredes ya no sostienen, se han convertido en puntos de apoyo. De ello resulta una nueva planta, una planta abierta; totalmente distinta de la del clasicismo, porque los espacios interiores y exteriores se comunican.
La subdivisión. La nueva arquitectura es abierta en lugar de cerrada. El conjunto consiste en un espacio general, que se subdivide en distintos espacios que se refieren al confort de la vivienda. Esta subdivisión se realiza a través de planos de separación (interior) y de planos de cerramiento (exterior). Los primeros, que separan los espacios funcionales, pueden ser muebles, es decir, pueden ser mamparas móviles (entre las que podemos incluir las puertas). En un estadio más desarrollado de la arquitectura moderna, la planta desaparecerá. La composición espacial proyectada en dos dimensiones con una sección horizontal (la planta), puede sustituirse con un cálculo exacto de la construcción. Las matemáticas euclídeas ya no podrán servirnos, pero con la ayuda de las concepciones no euclídeas de cuatro dimensiones, esto será más fácil.
El tiempo. La nueva arquitectura no cuenta solo con el espacio como valor de arquitectura, sino también con el tiempo. La unidad de tiempo y espacio da a la imagen arquitectónica un aspecto nuevo y plásticamente más completo. Lo que llamamos “espacio animado”.
Aspecto plástico. Cuarta dimensión del espacio – tiempo.
Aspecto estático. La nueva arquitectura es anticúbica; es decir, los diferentes espacios no están comprimidos en un cubo cerrado. Por el contrario, las diferentes células espaciales (los volúmenes de los balcones, etc.) se desarrollan excéntricamente, desde el centro hacia la periferia del cubo, en consecuencia las dimensiones de altura, anchura y profundidad reciben una nueva expresión plástica. La casa moderna, de esta forma, dará la impresión de estar suspendida en el aire, contra la gravitación natural.
Simetría y repetición. La nueva arquitectura ha suprimido la repetición monótona y ha destruido la igualdad entre dos mitades, la simetría. No admite ni la repetición en el tiempo ni ninguna muraille de rue, ni normalización. Un bloque de casas es una totalidad, e igualmente una casa independiente. Valen las mismas leyes para un bloque de casas que para una vivienda individual. Equilibrio y simetría son cosas muy diferentes. En lugar de simetría, la nueva arquitectura propone: la relación equilibrada de partes desiguales; es decir, de las partes que son diferentes (en posición, medida, proporciones, etc.) por su carácter funcional. La composición de estas partes está dada por el equilibrio de las diferencias, no de las igualdades. La nueva arquitectura no distingue entre “delante” (fachada) y “detrás”, derecha a izquierda, ni tampoco, en lo posible, abajo y arriba.
Frontalidad. Al contrario que la frontalidad, nacida de una concepción estática de la vida, la nueva arquitectura se enriquecerá por el desarrollo plástico poliédrico en el espacio – tiempo.
El color. La nueva arquitectura ha suprimido la expresión individual de la pintura, es decir, el cuadro, la expresión imaginaria e ilusionista de la armonía, indirectamente con las formas naturalistas o, más directamente con la construcción por planos de colores. La nueva arquitectura toma el color orgánicamente en sí misma. El color es uno de los medios elementales para hacer visible la armonía de las relaciones arquitectónicas. Sin color, estas relaciones de proporción no son realidades vivientes y es a través del color que la arquitectura se convierte en el objetivo de todas las investigaciones plásticas, tanto en el espacio como en el tiempo. En una arquitectura neutra, acromática, el equilibrio de las relaciones entre los elementos arquitectónicos es invisible. Por esto, se ha buscado una nota final: un cuadro (en una pared) o una escultura en el espacio. Pero ha existido siempre un dualismo que se remonta a la época en que la vida estética y la vida real estaban separadas. Suprimir este dualismo ha sido, desde hace tiempo, misión de todos los artistas. Al nacer la arquitectura moderna, el pintor constructor ha encontrado su verdadero campo de creación. Organiza estéticamente el color en el espacio – tiempo y convierte en visible plásticamente una nueva dimensión.
Decoración. La nueva arquitectura es antidecorativa. El color, en lugar de dramatizar una superficie plana, en lugar de ser una ornamentación superficial, es como la luz, un medio elemental de expresión puramente arquitectónica.
La arquitectura como síntesis de la nueva expresión plástica. En la nueva concepción arquitectónica, la estructura del edificio está subordinada. Únicamente a través de la colaboración de todas las artes plásticas se completa la arquitectura. El artista neoplástico está convencido de construir en el ámbito del espacio – tiempo, y esto implica la predisposición a trasladarse en las cuatro dimensiones del espacio – tiempo, porque la nueva arquitectura no permite imaginación alguna. (En forma de “cuadro” o de “escultura” separables.) El objetivo es crear todos juntos una armonía, sirviéndose de sus medios propios y específicos. Cada elemento arquitectónico contribuye a crear un máximo de expresión plástica, sobre una base lógica y práctica.

He aquí, verbalmente, lo que quiere el nuevo método de arquitectura del grupo De Stijl.

Cine independiente

El llamado cine independiente hace referencia a todas aquellas películas que se realizan, o se han realizado, al margen de los circuitos comerciales y de producción habituales. La característica principal de una película independiente es que no ha sido producida por los grandes estudios cinematográficos y, en Estados Unidos, que no ha sido producida con personal afiliado a los poderosos sindicatos del gremio. Por lo general una película independiente es una producción de bajo presupuesto de una productora pequeña. En la actualidad, la nueva generación de cámaras digitales contribuye a que sea aún más fácil realizar este tipo de películas y, por tanto, a una creciente popularidad de este tipo de producciones.

Características

Las películas que se pueden englobar dentro de la denominación de cine independiente se caracterizan por tener un presupuesto bajo, ser realizadas en condiciones de mayor precariedad que el llamado cine oficial, tratar temas cotidianos y de mayor cercanía con el público, carecer de una distribución masiva y, por tanto, tener menos posibilidades de obtener grandes ingresos y estar realizadas en la mayor parte de las ocasiones por directores noveles o ajenos al mundo de las grandes productoras. Aunque también se da el caso de directores famosos que optan por realizar sus películas mediante este sistema. También puede ser que la película sea financiada mediante un sistema cooperativo o de participación colectiva.

Cine de autor

El concepto de cine independiente no está ligado necesariamente al de cine de autor, aunque existen coincidencias entre ellos. En el cine de autor, el director tiene un papel preponderante, que en ocasiones deja en un segundo plano a los actores. Muy a menudo el director cumple también otras funciones, como guionista, compositor de sonido, director de fotografía, etc.

La relación entre directores-autores y la industria cinematográfica es muy variable. En los últimos tiempos muchos directores de renombre, que comenzaron dentro del cine independiente, han logrado realizar películas bajo la dirección de grandes estudios. Entre ellos, se puede citar a Quentin Tarantino, Christopher Nolan, Clint Eastwood, Martin Scorsese, Woody Allen, los hermanos Coen, Terry Gilliam, Kevin Smith y Takeshi Kitano.

Financiación

La financiación es uno de los conceptos que diferencia al cine independiente de las formas más tradicionales de hacer cine. Poder filmar sin caer dentro de los rígidos esquemas del sistema de estudios es una de las máximas aspiraciones de todo director. La mayor parte de los directores de cine independiente buscan sus propias fuentes de financiamiento de las formas más variadas. Por ejemplo, para producir la película Shadows, John Cassavetes se valió de las contribuciones de los dos mil oyentes del programa radial Night People Story, cada uno de los cuales donó un dólar.

Temática

La temática del cine independiente también es distinta a la del cine comercial. Desde sus comienzos se ha caracterizado por abordar una serie de temas que no están en el objetivo del cine mainstream o de carácter más tradicional, y suele tratar temas de carácter social o de actualidad, como la homosexualidad, las drogas, la prostitución, la manipulación política, la decadencia de la sociedad, la soledad, etc.

No es raro que en el cine independiente haya una menor utilización de los diálogos, ya que en ocasiones se intentan plasmar las inquietudes del cineasta con una gran variedad de recursos. Como sostiene Karen Schwartzmann, del Independent Feature Project, el cine independiente "permanece como idea de un cine más crítico o experimental, o que representa sectores sociales ausentes de la producción estándar".

Estética

La estética del cine independiente es muy variable, aunque en general responde a los conceptos de vanguardia y experientación que explicamos a continuación.

No es posible establecer un criterio fijo para determinar lo que puede catalogarse como cine independiente, pero en esencia el cineasta-autor independiente debe poseer una visión artística propia y ser libre en la totalidad del proceso creativo. Como sostiene Jonathan Rosenbaum, "un cineasta independiente es alguien que tiene el control final sobre su trabajo".

Historia

Si bien al principio este tipo de producciones eran más bien de tipo individual o ligadas a movimientos artísticos o estéticos de todo tipo, a partir de la segunda mitad del siglo XX aparecen una serie de corrientes cinematográficas y grupos de cineastas que reivindican esta forma de hacer cine como un estilo propio, ligado en ocasiones a manifiestos y posturas políticas de claro signo progresista o revolucionario. Entre las corrientes de este tipo más renombradas cabe citar el Neorrealismo italiano, a partir de 1943, la Nouvelle vague francesa o el Nuevo cine estadounidense, a partir de 1959, y el Free cinema inglés, a partir de 1961.

Edison, la MPPC (Motion Pictures Patents Company) y la guerra de patentes en EE.UU.

La producción de cine en los Estados Unidos estuvo condicionada desde sus inicios, en 1896, por la llamada Guerra de Patentes que desató Thomas Alva Edison al pretender cobrar un canon a todos los productores y exhibidores cinematográficos de los Estados Unidos con la pretensión de ser él, y no los Hermanos Lumière, el verdadero inventor del cine. La MPPC (Motion Pictures Patents Company), se crea en 1907, formada por Edison y por aquellos productores estadounidenses, y algunos europeos, como George Meliès, que estaban dispuestos a pagar a Edison un porcentaje de sus beneficios. En 1908 la MPPC consigue que un juez el otorgue a Edison la facultad para cobrar estos derechos en el territorio de los EE.UU. Sin embargo la batalla concluye en 1915 cuando otro juez dictamina que la MPPC actúa contra el libre comercio y fuerza su disolución¹ .

Durante este tiempo, un grupo de productores, entre los cuales se encontraban:

Adolph Zukor, quien fundaría la Paramount Pictures
Wilhelm Fuchs, más conocido como William Fox, quien crearía la Fox Film Corporation
Los hermanos Warner, fundadores de la Warner Bros
Carl Laemmle, el fundador de la Universal Studios
Marcus Loew, quien se uniría con Samuel Goldfish (Samuel Goldwyn) para dar nacimiento a la Metro-Goldwyn-Mayer.

se agrupan en productoras como la Independent Motion Picture Distributing and Sales o la Greater New York Film Company, autodenominadas independientes, aunque Edison las llamaba ilegales (outlaws). Estas compañías se asientan en Hollywood, lejos de la influencia de Edison, y no tardan en convertirse a su vez en grandes productoras y distribuidoras de carácter monopolístico.

Las vanguardias estéticas

El neorrealismo italiano

El neorrealismo italiano es un movimiento cinematográfico creado en Italia durante la primera mitad del siglo XX como una reacción a la Posguerra. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo histórico y musical que impuso el fascismo. Los autores utilizaban frecuentemente a actores no profesionales. El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y la primera película de este género es considerada Roma ciudad abierta de Roberto Rossellini.

La Nouvelle vague francesa

La Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

El Cine independiente francés

El Cine Independiente Francés también conocido como "Post-Nouvelle vague" o "la Generación perdida del cine francés" fue la vertiente alternativa que surgió de la Nouvelle vague a finales de los 60 y comienzos de los 70. Estuvo marcada por las secuelas de la Guerra de la Independencia de Argelia y Mayo del 68. Los cineastas de esta corriente se denominaron "perdidos" no solo porque fueron tardíamente reconocidos sino también porque surgieron bajo la acepción de la marginación, de un subjetivismo más propio de siglos pasados.

El Free cinema inglés

El Free Cinema inglés fue un movimiento cinematográfico británico que nació en los años 1950 y se prolongó hasta la década de 1960 y que se caracterizaba por implementar una estética realista en el cine de ficción y documental ocupándose de retratar historias creadas a partir de lo cotidiano y comprometido con la realidad social de aquel entonces,1 siendo una reacción a la artificialidad narrativa de Hollywood y a la dramaturgia británica. En ocasiones, se le ha denominado como la "Nouvelle vague inglesa", sin embargo esto no sería correcto, pues la "Nouvelle vague francesa" fue posterior al Free Cinema.

El cine independiente norteamericano

En la década de los 60 surgen dos grupos de cineastas que compiten en los grandes estudios de Hollywood y se plantean la realización de producciones de bajo presupuesto, rodadas en escenarios reales, al modo de la Nouvelle vague francesa y el Free cinema inglés. El primero de ellos es la llamada "Escuela de Nueva York" o "New American Cinema Group", a la que pertenecen John Cassavetes, el artista pop Andy Warhol o Maya Deren. El segundo grupo es la llamada “generación de la televisión”, con Stanley Kramer, Robert Altman y Robert Mulligan, que trabajaban para la CBS, y a la que también pertenecen Sidney Lumet, Martin Ritt, Arthur Penno John Frankenheimer, entre otros.

A finales de los años 60 aparece un nuevo grupo, conocido como la "Nueva ola americana", o el "New Hollywood group", que está promovido por Bob Rafelson, que viene también de trabajar en la televisión, y al que se unen figuras como Dennis Hopper, o Peter Bogdanovich. A este grupo se pueden asimilar también los directores Robert Altman, Martin Scorsese, Michael Cimino, Ridley Scott, Brian de Palma o Robert Zemeckis. Poco después se unirán a este grupo los directores Francis Ford Coppola, Clint Eastwood, Steven Spielberg o George Lucas, conocidos como "la segunda generación de los 70".

Otro director asimilable a este grupo es Terrence Malick, que realiza dos películas significativas: "Malas tierras" (Bad lands), de 1973, y "Días del cielo" (Days of Heaven), de 1978, a las que seguiría un prolongado silencio ve veinte años, roto con el estreno de La delgada línea roja, en 1998.

El cine independiente hasta hoy

Posteriormente, las compañías fundadas por los cineastas independientes crecieron y se transformaron en la actual industria del cine, que ha creado un gran sistema comercial y un esquematizado sistema de producción del cual intenta apartarse el cine independiente actual.

Sin embargo, el término cine independiente ha sido explotado como un "género" por las distribuidoras a fin de comercializar sus productos. Son incontables los festivales de cine independiente, como el Festival de Cine de Sundance o los Independent Spirit Awards.

La primera producción de carácter independiente que logró ser distribuida por una de las grandes fue Easy Rider (1969), distribuida por Universal. Se convirtió en un éxito de taquilla superando el presupuesto invertido.

Las producciones independientes han estado siempre alejadas de las "grandes" superproducciones de Hollywood; se podría decir que Europa es el continente más involucrado en este tipo de cine. Incluso el término suele aplicarse a determinadas películas producidas en países donde no existe una industria cinematográfica propiamente dicha.

Movimientos cinematográficos como Dogma 95 han sido de gran ayuda para la producción cinematográfica basada en la revolución digital.

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domingo, 27 de noviembre de 2016

Movimientos artísticos