Signos musicales

calderón, también conocido como corona o fermata, en notación musical es un signo que indica un punto de reposo, alargando la duraciónde las figuras musicales a las que afecta. Es decir, esta prolongación suspende el pulso que se estaba ejecutando hasta ese momento,¹​²​ y la nota, silencio o barra de compás afectada debe mantenerse durante un tiempo mayor del que indica en la partitura. La cantidad exacta de tiempo que se prolonga es a discreción del intérprete o del director, si bien es usual doblar la duración.

En el aria da capo es el signo que marca la finalización de la primera parte («fine»). Y en los conciertos para solistas señala los pasajes conocidos como cadenzas que están dedicados a la improvisación del solista.

Figura 1. Calderón.

Representación gráfica[editar]

El calderón en partituras y partichelas aparece representado con un signo en forma de punto que está coronado por un semicírculo. Se ubica preferentemente en la parte superior del pentagrama por encima de la nota que se va a prolongar independientemente de la dirección de la plica. No obstante, también puede aparecer por debajo del pentagrama.

Figura 2. Calderones afectando a diversas figuras.

En informática[editar]

En Unicode hay dos símbolos para el calderón que se corresponden con el calderón por encima y por debajo del pentagrama. Estos signos se obtienen mediante los siguientes códigos:

MUSICAL SYMBOL FERMATA	U+1D110
MUSICAL SYMBOL FERMATA BELOW	U+1D111

El software Lilypond reconoce cuatro tipos de calderones:⁴​

shortfermata	fermata	longfermata	verylongfermata

Estos signos se desarrollaron en el siglo XX como una serie de variantes gráficas para representar calderones en las composiciones musicales que se comentan en el apartado siguiente.

Usos y efectos[editar]

A lo largo de la historia[editar]

Edad Media

El calderón apareció en el siglo XIV siendo primero colocado en la mayoría de los casos en la última nota de una pieza.

Renacimiento

Este símbolo aparece ya en el siglo XV y es bastante común en las obras de Guillaume Dufay y Josquin des Prez.

Barroco

En los arreglos corales de Johann Sebastian Bach y otros compositores del Barroco, el calderón a menudo sólo significa el final de una frase, donde se toma aliento para continuar. En unas pocas composiciones para órganolos calderones se presentan en diferentes compases de la mano derecha e izquierda, así como para los pies, lo cual haría prácticamente imposible su ejecución.

Siglo XX

Algunos compositores del siglo XX, entre los que se incluyen Francis Poulenc, Krzysztof Penderecki y Luigi Nono, ampliaron el uso de este signo para indicar la duración aproximada, incorporando diferentes tamaños y formas como el triángulo y cuadrado para representar calderones de duraciones diferentes. Aunque no constituye el uso estándar, estas son algunas de las propuestas:

• Indicando la duración mediante la adición de una palabra como lunga por encima o por debajo de un calderón para indicar una duración más larga. La palabra lunga es la forma abreviada de la italiana lunga pausa, que significa "pausa larga". Esta modalidad se encuentra comúnmente en la producción musical de Poulenc:

${\displaystyle breve}$

${\displaystyle lunga}$

• Indicando un período medido en segundos. Ejemplos:

${\displaystyle 5''}$

${\displaystyle ca.}$ ${\displaystyle 12''}$

• Utilizando calderones de diferentes formas. El calderón cuadrado perdiendo así su significado específico de punto de reposo. Escalas principales:

breve	largo5​

breve	medio	largo6​

de muy breve a breve	de breve a medio	de medio a bastante largo	de bastante largo a largo	de largo a muy largo7​

muy breve	breve	medio	bastante largo	largo	muy largo	lo más largo posible7​8​

En la obra de Maurice Ohana podemos encontrar un signo que combina el calderón de forma cuadrada junto con la coma que indica la respiración. Suele aparecer colocado en especial sobre las barras de compás. Esto se puede entender como un respiración-punto de reposo breve. Por ejemplo, en Dies Solis (París, Jobert, 1983). En general, Ohana parece utilizar el calderón cuadrado como un punto de reposo breve, ya sea sobre una nota o sobre un silencio.

En la actualidad[editar]

Un calderón puede aparecer tanto al final como en medio de una pieza o movimiento, y es seguido de un silencio breve o más notas. Conforme a McElheran los calderones pueden ser clasificados en tres tipos:⁹​

a) calderones seguidos "de un sonido ininterrrumpido",

b) calderones seguidos "por un breve período de silencio" y

c) calderones seguidos "por un largo período de silencio".

Después de esta clasificación, este mismo autor ofrece consejo detallado para la interpretación de cada uno de estos tipos.

Un calderón puede afectar a una nota, un acorde, un silencio o una barra de compás.

Cuando acompaña a una nota, acorde o silencio se detiene la medida observada hasta el momento y la duraciónde la figura se prolonga el tiempo que determine el intérprete o el director en su caso. Una de las opciones más habituales es doblar la duración original.

Figura 3. Ejemplo de calderón en la penúltima nota.
 Reproducir sin calderón (?·i)
 Reproducir con calderón (?·i)
 Reproducir con calderón que dobla el valor de la figura (?·i)

Cuando afecta a una barra de compás indica que hay que realizar una pausa intercalada. El signo opuesto es el término attacca que también se coloca sobre la barra de compás para indicar que hay que continuar inmediatamente, sin pausa entre medias.²​

Si afecta a un compás entero de pausa en todas las voces o pausa general el calderón generalmente significa un acortamiento y no un alargamiento.

El flutter-tonguing (del inglés flutter-tongue, "aleteo de lengua"), también conocido por el término alemán Flatterzunge y el italianofrullato, es una técnica de interpretación musical característica de los instrumentos de viento, que consiste en utilizar la lengua para producir un característico sonido FrrrrFrrrr mientras se soplan las notas de manera convencional, consiguiendo así un efecto de trémolo o de vibrato. Es común en músicas modernas como el jazz y particularmente usado en flauta, trompeta, trombón, saxofón aunque se puede practicar en otros instrumentos de viento.

Técnica interpretativa[editar]

El método tradicional para producir un efecto de flutter-tonguing es enrollar la punta de la lengua lo más rápidamente posible. Esto se hace mediante la realización de una vibrante alveolar múltiple aislada mientras se tocan las notas deseadas. Algunos intérpretes encuentran difícil o incluso imposible rodar la lengua de esta manera, posiblemente debido a la anquiloglosia.¹​

El flutter-tonguing uvular es un método para producir este efecto con el reverso de la lengua. El instrumentistalleva a cabo una vibrante uvular sonora, que produce el sonido tradicional de rugido del lenguaje de jazz.²​ El flutter-tonguing uvular también se puede utilizar cuando una vibrante alveolar múltiple no es apropiada para lograr este efecto. Por ejemplo, en el registro bajo de la flauta, o cuando se desea que el efecto sea más rápido. El flutter-tonguing también puede emplearse en conjunción con otros tipos de articulación.

Cualquiera de estos métodos requiere un volumen de aire mayor que el habitual para se produzca el efecto.³​

Representación gráfica[editar]

Notación del trémolo.

Esta técnica interpretativa puede aparecer representada en las partituras o partichelas de las siguientes maneras:

• El símbolo utilizado para representar el trémolo, que está formado por una o varias barras oblicuas cortas y anchas.
• La abreviatura «Flz.» o «Flt.» del término alemán «Flatterzunge»; «frull» del italiano «frullato», escrita encima de la nota o pasaje que se tocará conforme a tal indicación.⁴​
• Otros términos sin abreviar como trémolo dental, coupe de lange roulé, en roulant la langue, tremolo avec la langue, tremolo roulé, vibrata linguale, vibrando y colpo di lingua.⁵​

Historia y ejemplos[editar]

En música clásica occidental[editar]

En música clásica occidental este efecto aparece en muchas composiciones. Suele aplicarse con mayor frecuencia en instrumentos como flautas traveseras, flautas dulces, fagotes, trompetas y trombones, aunque también se puede utilizar en otros instrumentos de viento metal y viento madera. La técnica se volvió bastante común en la música del siglo XX. Es utilizada especialmente en la música de Arnold Schoenberg y de Dmitri Shostakovich, donde puede aportar un efecto pesadillesco o sarcástico.

Gustav Mahler y Richard Strauss también emplearon el flutter-tonguing. En Don Quijote Strauss imita el balido lejano de ovejas con notas con flutter-tonguing en las trompas. En particular, utiliza la indicación "Zungenschlag" (golpe de lengua) en este pasaje de la Variación II. En otras partes de la partitura, utilizó el término alemán tradicional "Flatterzunge". Mahler utilizó esta indicación tradicional también, pero también se desvió de él en el final de su Segunda sinfonía donde emplea la indicación "Zungenstoss" (impulsos de lengua)​​. Los impulsos de lengua que requiere Mahler sobre unas notas redondas sostenidas tienen efecto de flutter-tonguing.⁶​

En otros géneros musicales[editar]

El flutter-tonguing es común en música jazz sobre todo la que se asocia a Nueva Orleans o al estilo Vaudeville. Cootie Williams era un maestro en combinar la sordina desatastador con el flutter-tonguing para crear un efecto de conversación.⁷​

En el ámbito del Rock progresivo es conocido el flautista escocés Ian Anderson líder de Jethro Tull que emplea esta técnica comúnmente en la mayoría de sus solos, como en Thick as a Brick.

Legato (en italiano, "ligado") en notación musical es un signo de articulaciónrepresentado mediante la ligadura de expresión o ligadura de articulación, que indica un modo de ejecución de un grupo notas musicalesde diferentes alturas. Las notas afectadas se deben interpretar sin articular una separación entre ellas mediante la interrupción del sonido.¹​²​³​

La técnica interpretativa variará en función del instrumento musical que deba ejecutar el signo de articulación.

Figura 1. Legato.

Representación gráfica[editar]

Este signo de articulación puede aparecer representado en las partituras o partichelas de tres maneras diferentes:

1. La palabra legato escrita sobre el pasaje que se tocará conforme a dicha articulación. Esta opción se suele emplear, añadiendo el término legato al inicio, cuando la indicación afecta a un pasaje muy largo o bien a todo un movimiento de una pieza. En este caso, no se pide una unión exhaustiva de todas las notas que quedan enmarcadas, sino que se espera que sean conveniente separadas por fraseo además de por las respiraciones pertinentes, dentro de un clima general de legato.
2. La abreviatura leg. escrita encima de la nota o pasaje que se tocará conforme a tal indicación.
3. Una línea arqueada que generalmente se coloca por encima de las notas¹​ si las plicas apuntan hacia abajo y por debajo si las plicas apuntan hacia arriba. En el caso de las redondas que carecen de plicas, se actúa como si la tuviesen; de tal forma que la ligadura se arqueará hacia arriba o hacia abajo en función de su ubicación en el pentagrama. Por último, cuando las direcciones de las plicas son distintas la ligadura se presenta siempre arqueada hacia arriba.

Figura 2. Ligaduras de expresión.

Cuando dos instrumentos escritos en el mismo pentagrama tienen frases en legato con las mismas figuras musicales, es habitual contar con dos conjuntos de ligaduras aunque en algunas partituras sólo se utiliza uno y se entiende que se aplica a ambos instrumentos.

Usos y efectos[editar]

Una ligadura de articulación agrupa varias notas indicando que el pasaje debe interpretarse o cantarse de manera suave y sostenida sin interrupción perceptible entre las notas.²​ Esto quiere decir que la primera nota no deja de sonar hasta que se oye la siguiente. Esta indicación se puede decir que es lo opuesto al staccato,⁴​ lo cual no significa que no haya articulación alguna, sino que ésta es muy suave.⁵​

Figura 3. Escala diatónica de Do, legato.  Reproducir (?·i)

Las notas que no tienen que estar necesariamente a la misma altura y pueden ser de diferentes tipos. Una ligadura de articulación puede abarcar más de dos o varias notas al mismo tiempo. En ocasiones incluso abarca varias compases de música.

Diferenciación de signos similares[editar]

La ligadura de expresión no debe ser confundida con otros signos musicales similares.

• La ligadura de prolongación es similar sólo en apariencia. Se trata de una línea curva que une dos notas que se encuentran a la misma altura, añadiendo a la primera nota el valor de la segunda.
• La marca de frase es una línea curva que se extiende sobre un pasaje que es visualmente indistinguible del legato e indica que el pasaje debe ser interpretado como una sola frase.

En las composiciones musicales podemos encontrar pasajes en los que varias notas seguidas aparecen unidas con ligaduras de prolongación. Tal sucesión también puede formar parte al mismo tiempo de una frase más grande recogida en una ligadura de expresión o en una marca de frase. En estos casos los distintos tipos de ligaduras deben utilizarse de forma simultánea y claramente diferenciable.

Técnicas interpretativas[editar]

La manera de ejecutar esta articulación varía en función del tipo de instrumento que se trate.

En música vocal[editar]

En canto clásico el legato se puede definir como una serie de vocales sostenidas con una interrupción mínima para las consonantes. Un buen legato suave, normalmente llamado "la línea", sigue siendo una necesidad para cualquier cantante clásico de éxito. Era una característica clave del estilo de vocalismo del bel canto que imperaba entre los profesores e intérpretes de voz durante el siglo XVIII y las primeras cuatro décadas del siglo XIX. En la música vocal clásica europea cualquier frase que no esté marcada explícitamente con indicaciones de articulación, como el staccato,⁴​ se espera que sea cantada legato. Por lo general, el problema más frecuente respecto al legato vocal es el mantenimiento de la "línea" a través de los registros. En el aprendizaje del canto, el legato se aplica para obtener el mezza di voce y ligar el passaggio. Al cambiar la frecuencia de un sonido sin interrumpir la vibración del labio vocal, éste tiene que cambiar la relación entre volumen móvil y volumen vibrante del músculo vocal. Así se ligan voz de cabeza y voz de pecho.

En la música vocal generalmente se utiliza este tipo de ligadura para marcar las notas que son cantadas sobre una sola sílaba, es decir, un melisma. A través del legato se construye el fraseo musical. En música vocal se habla frecuentemente de un arco semántico. Eso significa que todas las palabras de una frase del texto son unidas en un arco de legato según su sentido semántico.

Existen otros puntos de vista menos ortodoxos. Por ejemplo Kendra Colton, un miembro del profesorado del Departamento de Voz en el Conservatorio de Oberlin, defiende la separación de las frases en dos o tres unidades de palabras, así como la adición de grandes articulaciones separadoras entre cada unidad y antes de cualquier palabra que empiece por una vocal.

	Técnicas de articulación en fagot MENÚ 0:00 Fagot tocando staccato, legato, legato + vibrato y ligadura de expresión.
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En instrumentos de viento[editar]

En la música para instrumentos de viento señala que las notas se debe tocar sin necesidad de utilizar la lengua para rearticular cada nota, es decir, sin tonguing.⁶​⁷​⁵​ El legato prohíbe la respiración entre las notas ligadas. Para evitar esa limitación en algunos instrumentos de viento se aplica la técnica de la respiración circular.⁸​

En instrumentos de cuerda frotada[editar]

En la música para instrumentos de cuerda frotada el legato consiste en que las notas sean tocadas en un solo movimiento del arco, de forma que suenen unidas.⁹​ En realidad se interpretan con un silencio brevísimo entre las notas, pero a menudo es casi imperceptible. Tal resultado puede obtenerse mediante movimientos de muñeca controlados en la mano del arco, a menudo enmascarados o mejorados con el vibrato. Este estilo de tocar legatotambién puede estar asociado con el uso del portamento.

En este tipo de instrumentos cuando en cada nota se cambia la dirección del arco, las notas suenan separadas y por tanto se habla de notas separadas.

En guitarra[editar]

En la música para guitarra (aparte de la guitarra clásica) el legato se utiliza indistintamente como un término para designar tanto la articulación musical como una aplicación particular de la técnica de tocar las frases musicalessobre todo los hammer-ons o pull-offs en lugar del punteado. Esta indicación significa que las notas deben ser interpretadas sin pulsar las cuerdas individuales, es decir, mediante hammer-ons y pull-offs.

La técnica para obtener la articulación legato en la guitarra eléctrica normalmente requerirá ejecutar las notas que estén cerca y en la misma cuerda, siguiendo la primera nota con otras que se tocan con las técnicas que acabamos de mencionar. No obstante, algunos virtuosos de la guitarra (en particular, Allan Holdsworth y Shawn Lane) desarrollaron su técnica del legato de tal forma que se podrían interpretar pasajes muy complejos que incluyesen cualquier permutación numérica de notas en una cuerda en tempos extremos. En el caso de Holdsworth demuestran una tendencia a evitar los pull-offs totalmente dado su efecto perjudicial sobre el tono de la guitarra al tirar de la cuerda ligeramente hacia los lados. Aunque sus orígenes no son claros, el término "hammer-ons from nowhere" ("hammer-ons de la nada") se emplea comúnmente para designar el acto de cruzar las cuerdas y depender exclusivamente de la fuerza de la mano de los trastes para producir una nota. Cuando hay muchos hammer-ons y pull-offs juntos a veces también se les llama coloquialmente "rolls", en referencia al sonido fluido de la técnica. Una serie rápida de hammer-ons y pull-offs solamente entre dos notas se llama trino.

Cuando se interpreta el legato en guitarra, es común que el músico toque más notas en un pulso que el tiempo establecido, es decir, tocando cinco notas (un cinquillo) o siete notas (un septillo) contra una negra en lugar del número habitual, un dosillo o un tresillo. Esto proporciona una medida inusual al pasaje y cuando se toca lento un sonido inusual. Sin embargo, es menos perceptible para el oído cuando se toca rápido como suele serlo el legato. Hay una línea muy fina de diferencia entre lo que es legato y lo que es tapping con dedos de ambas manos; haciendo en algunos casos las dos técnicas más difíciles de distinguir de oído. En general, el legato se usa para aportar un sonido más fluido y suave al pasaje que se está interpretando.

En piano[editar]

En la música para piano el legato se produce al no levantar el dedo de la tecla hasta que otro dedo haya pulsado la tecla correspondiente a la siguiente nota.

En sintetizadores[editar]

El legato en sintetizadores es un tipo de operación monofónica. En contraste con el típico modo monofónico en el que cada nueva nota rearticula el sonido mediante el reinicio de los generadores de envolventes, en modo legato las envolventes no se reactivan si la nueva nota se toca legato, con la nota anterior todavía presionada. Esto provoca que el transitorio o transiente inicial de las fases de ataque y de caída suene sólo una vez en toda una secuencia de notas en legato. Las envolventes que llegan a la fase de sostenimiento permanecen allí hasta que la última nota es liberada.