Desarrollo de la pintura de cerámica [ editar ]
Edad de Bronce [ editar ]
La pintura fina sobre la cerámica griega se remonta a la cerámica minoica y la cerámica micénica de la Edad del Bronce , algunos ejemplos posteriores muestran la ambiciosa pintura figurativa que se convertiría en algo muy desarrollado y típico.
Edad de hierro [ editar ]
Después de muchos siglos dominados por estilos de decoración geométrica, volviéndose cada vez más complejos, los elementos figurativos volvieron a funcionar en el siglo VIII. Desde finales del siglo VII hasta aproximadamente 300 aC, los estilos evolutivos de la pintura con figuras estuvieron en su punto máximo de producción y calidad y fueron ampliamente exportados.
Durante la Edad Oscura griega , que abarcó desde el siglo XI hasta el siglo VIII aC, el estilo primitivo predominante fue el del arte protogeométrico , que utilizaba predominantemente patrones decorativos circulares y ondulados. Esto fue sucedido en la Grecia continental , el Egeo , Anatolia e Italia por el estilo de cerámica conocido como arte geométrico , que empleaba filas ordenadas de formas geométricas. [19]
El período de la Grecia arcaica , que comenzó en el siglo VIII aC y duró hasta finales del siglo V aC, vio el nacimiento del período orientalizante , dirigido en gran parte por el antiguo Corinto , donde las figuras anteriores de la cerámica geométrica se materializaron en medio de motivos que Sustituye los patrones geométricos. [10]
La decoración de cerámica clásica está dominada principalmente por la pintura de jarrón del ático . La producción de áticos fue la primera en reanudarse después de la Edad Oscura griega e influyó en el resto de Grecia, especialmente en Boeotia , Corinto , las Cícladas (en particular Naxos ) y las colonias jónicas en el este del Egeo. [20] La producción de jarrones fue en gran medida la prerrogativa de Atenas: está bien documentado que en Corinto, Boeotia, Argos, Creta y Cícladas, los pintores y ceramistas se conformaron con seguir el estilo del ático. Al final del periodo arcaico los estilos de negro-figura cerámica , cerámica de figuras rojas y elLa técnica de fondo blanco se había establecido completamente y continuaría en uso durante la era de la Grecia clásica , desde principios del siglo quinto hasta finales del siglo cuarto antes de Cristo. Corinth fue eclipsado por las tendencias atenienses, ya que Atenas fue el progenitor de los estilos de figuras rojas y blancas. [10]
Estilos protogeométricos [ editar ]
Los jarrones del período protogeométrico (c. 1050–900 aC) representan el retorno de la producción artesanal después del colapso de la cultura del palacio micénico y las subsiguientes edades oscuras griegas . Es uno de los pocos modos de expresión artística además de la joyería en este período, ya que la escultura, la arquitectura monumental y la pintura mural de esta época nos son desconocidas. En 1050 aC, la vida en la península griega parece haberse resuelto lo suficiente como para permitir una mejora notable en la producción de loza. El estilo se limita a la representación de círculos, triángulos, líneas onduladas y arcos, pero se coloca con evidente consideración y notable destreza, probablemente ayudado por brújulas y pinceles múltiples. [21] El sitio de Lefkandi.es una de nuestras fuentes de cerámica más importantes de este período en el que se ha encontrado un alijo de bienes graves que evidencia un estilo protogeométrico euboiano distintivo que se prolongó hasta principios del siglo VIII. [22]
Estilo geométrico [ editar ]
El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII aC Se caracterizaba por nuevos motivos, que rompían con la representación de los períodos minoico y micénico : meandros, triángulos y otras decoraciones geométricas (de ahí el nombre del estilo) a diferencia de las figuras predominantemente circulares del estilo anterior. Sin embargo, nuestra cronología para esta nueva forma de arte proviene de productos exportados que se encuentran en contextos de datos en el extranjero.
Con el estilo geométrico temprano (aproximadamente 900–850 aC), solo se encuentran motivos abstractos, en lo que se denomina estilo "Dipylon negro", que se caracteriza por un uso extenso de barniz negro, con el Geométrico medio (aproximadamente 850–770). BC), la decoración figurativa hace su aparición: inicialmente son bandas idénticas de animales como caballos, ciervos, cabras, gansos, etc., que alternan con las bandas geométricas. Paralelamente, la decoración se complica y se vuelve cada vez más ornamentada; el pintor se siente reacio a dejar espacios vacíos y los llena con meandros o esvásticas . Esta fase se denomina horror vacui (miedo al vacío) y no cesará hasta el final del período geométrico.
A mediados de siglo comienzan a aparecer figuras humanas, cuyas representaciones más conocidas son las de los vasos que se encuentran en Dipylon , uno de los cementerios de Atenas . Los fragmentos de estos grandes jarrones funerarios muestran principalmente procesiones de carros o guerreros o de las escenas funerarias: πρόθεσις / prothesis (exposición y lamentación de muertos) o ἐκφορά / ekphora (transporte del ataúd al cementerio). Los cuerpos están representados de manera geométrica, excepto los terneros, que son bastante protuberantes. En el caso de los soldados, un escudo en forma de diábolo., llamado "escudo de dipilón" debido a su dibujo característico, cubre la parte central del cuerpo. Las patas y los cuellos de los caballos, las ruedas de los carros se representan uno al lado del otro sin perspectiva. La mano de este pintor, así llamado en ausencia de firma, es el Maestro Dipylon , podría identificarse en varias piezas, en particular en ánforas monumentales. [24]
Al final del período aparecen representaciones de la mitología, probablemente en el momento en que Homerocodifica las tradiciones del ciclo de Troya en la Ilíada y la Odisea . Aquí, sin embargo, la interpretación constituye un riesgo para el observador moderno: una confrontación entre dos guerreros puede ser un duelo homérico o un combate simple; un barco fallido puede representar el naufragio de Odiseo o cualquier marinero infortunado.
Por último, son las escuelas locales que aparecen en Grecia. La producción de jarrones fue en gran medida la prerrogativa de Atenas: está bien demostrado que, como en el período proto-geométrico, en Corinto , Boeotia , Argos , Creta y Cícladas , los pintores y alfareros se conformaron con seguir el estilo ático . A partir del siglo VIII a. C., crearon sus propios estilos, Argos se especializó en las escenas figurativas y Creta siguió unida a una abstracción más estricta. [25]
Estilo orientalizante [ editar ]
El estilo orientalizante fue el producto de un fermento cultural en el Mediterráneo del Egeo y el Este de los siglos VIII y VII aC. Fomentados por los vínculos comerciales con las ciudades-estado de Asia Menor , los artefactos de Oriente influyeron en un arte representativo altamente estilizado pero reconocible. Los marfiles, cerámica y metalistería de los principados neohititas del norte de Siria y Fenicia llegaron a Grecia, al igual que los productos de Anatolia Urartu y Frigia , sin embargo, hubo poco contacto con los centros culturales de Egipto o Asiria . El nuevo idioma desarrollado inicialmente en Corinto.(como Proto-Corinthian) y más tarde en Atenas entre 725 aC y 625 aC (como Proto-ático). [26]
Se caracterizó por un vocabulario ampliado de motivos: esfinge , grifo , leones , etc., así como un repertorio de animales no mitológicos dispuestos en frisos en el vientre del jarrón. En estos frisos, los pintores también comenzaron a aplicar lotos o palmitas. Las representaciones de humanos eran relativamente raras. Los que se han encontrado son figuras en silueta con algunos detalles incisos, tal vez el origen de las figuras con silueta incisa del período de figuras negras. Hay suficientes detalles sobre estas figuras para permitir a los estudiosos discernir una cantidad de manos de diferentes artistas. Las características geométricas se mantuvieron en el estilo llamado proto-corintio que abarcaba estos experimentos de orientalización, pero que coexistían con un estilo sub-geométrico conservador.
Las cerámicas de Corinto se exportaron a toda Grecia y su técnica llegó a Atenas, lo que provocó el desarrollo de un idioma menos marcadamente oriental. Durante este tiempo descrito como Proto-Attic, aparecen los motivos orientales, pero las características no son muy realistas. Los pintores muestran una preferencia por las escenas típicas del Período Geométrico, como procesiones de carros. Sin embargo, adoptan el principio de dibujo de líneas para reemplazar la silueta. A mediados del siglo 7 aC, aparece el estilo en blanco y negro: figuras negras en una zona blanca, acompañadas de policromía para representar el color de la carne o la ropa. La arcilla utilizada en Atenas era mucho más naranja que la de Corinto, por lo que no se prestaba tan fácilmente a la representación de la carne. Pintores orientalizantes áticos incluyen elAnalatos Painter , Mesogeia Painter y Polyphemos Painter .
Creta , y especialmente las islas de las Cícladas , se caracterizan por su atracción a los vasos conocidos como "plástico", es decir, aquellos cuya barriga o collar está moldeada en forma de cabeza de un animal o un hombre. En Aegina , la forma más popular del jarrón de plástico es la cabeza del grifo. Las ánforas melanesias, fabricadas en Paros , exhiben poco conocimiento de los desarrollos corintios. Presentan un marcado gusto por la composición épica y un horror vacui, que se expresa en una gran cantidad de esvásticas y meandros.
Finalmente, se puede identificar el último estilo principal del período, el de Wild Goat Style , asignado tradicionalmente a Rhodes debido a un importante descubrimiento dentro de la necrópolis de Kameiros . De hecho, está muy extendida en toda Asia Menor , con centros de producción en Miletos y Chios . Predominan dos formas: oenochoes , que copian modelos de bronce, y platos, con o sin pies. La decoración se organiza en registros superpuestos en los que los animales estilizados, en particular de las cabras salvajes (de donde proviene el nombre) se friegan entre sí. Muchos motivos decorativos (triángulos florales, esvásticas, etc.) llenan los espacios vacíos.
Técnica de la figura negra [ editar ]
La figura negra es la más comúnmente imaginada cuando uno piensa en la cerámica griega. Fue un estilo popular en la antigua Grecia durante muchos años. El período de figuras negras coincide aproximadamente con la era designada por Winckelmann como Arcaico medio y tardío , desde c. 620 a 480 a. La técnica de incisión de figuras recortadas con detalles vivaces que ahora llamamos el método de la figura negra fue una invención corintia del siglo VII [27] y se extendió desde allí a otras ciudades y regiones como Esparta , [28] Boeotia , [29] Eubea , [30] las islas griegas del este [31] y Atenas.
El tejido corintio, ampliamente estudiado por Humfry Payne [32] y Darrell Amyx, [33] se puede rastrear a través del tratamiento paralelo de figuras humanas y animales. Los motivos animales tienen una mayor prominencia en el jarrón y muestran la mayor experimentación en la fase temprana de la figura negra corintia. A medida que los artistas corintios ganaban confianza en su interpretación de la figura humana, el friso animal disminuyó en tamaño en relación con la escena humana desde la fase media hasta la fase tardía. A mediados del siglo VI a. C., la calidad de la cerámica corintia había disminuido considerablemente en la medida en que algunos alfareros corintios disfrazaban sus vasijas con un resbalón rojo en imitación de una cerámica ateniense superior.
En Atenas los investigadores han encontrado los ejemplos conocidos más tempranos de pintores de vasos que firman su trabajo, siendo el primero dinos por Sófilos (fig. Abajo, BM c. 580), esto quizás indicativo de su creciente ambición como artistas en la producción de la obra monumental exigió como marcadores graves, como por ejemplo con el florero de François de Kleitias . Muchos eruditos consideran que el mejor trabajo del estilo pertenece a Exekias y Amasis Painter , quienes son conocidos por su sentimiento de composición y narrativa.
Alrededor del año 520 aC, la técnica de la figura roja se desarrolló y se introdujo gradualmente en forma de jarrón bilingüe por parte del pintor Andokides , Oltos y Psiax . [34] La figura roja eclipsó rápidamente a la figura negra, sin embargo, en la forma única del Panathanaic Amphora, la figura negra continuó siendo utilizada hasta el siglo IV aC.
Técnica de la figura roja [ editar ]
La innovación de la técnica de la figura roja fue un invento ateniense de finales del siglo VI. Era todo lo contrario de la figura negra que tenía un fondo rojo. La capacidad de representar los detalles mediante la pintura directa en lugar de la incisión ofreció nuevas posibilidades expresivas a los artistas, como los perfiles de tres cuartos, un mayor detalle anatómico y la representación de la perspectiva.
La primera generación de pintores de figuras rojas trabajó tanto con figuras rojas como negras, así como con otros métodos que incluyen la técnica de Six y la tierra blanca ; Este último se desarrolló al mismo tiempo que la figura roja. Sin embargo, dentro de veinte años, la experimentación había dado paso a la especialización como se ve en los jarrones del Grupo Pioneer , cuyo trabajo figurativo fue exclusivamente en figura roja, aunque conservaron el uso de la figura negra para algunos ornamentos florales tempranos. Los valores y objetivos compartidos de los pioneros como Euphronios y Euthymides.señal de que se estaban acercando a un movimiento autoconsciente, aunque no dejaron ningún otro testamento que su propio trabajo. John Boardman dijo de la investigación sobre su trabajo que "la reconstrucción de sus carreras, el propósito común, incluso las rivalidades, pueden tomarse como un triunfo arqueológico" [35]
La próxima generación de pintores de jarrones arcaicos tardíos (c. 500 a 480 a. C.) aportó un creciente naturalismo al estilo como se ve en el cambio gradual del perfil del ojo. Esta fase también ve la especialización de pintores en pintores de vasijas y tazas, con los pintores de Berlín y Kleophrades notables en la categoría anterior y Douris y Onésimos en la segunda.
Desde la era clásica de la pintura de figuras rojas (c. 480–425 a. C.), desde el principio hasta el más alto , varias escuelas distintas habían evolucionado. Los manieristas asociados con el taller de Myson y ejemplificados por Pan Painter se adhieren a los rasgos arcaicos de las cortinas rígidas y las posturas incómodas y las combinan con gestos exagerados. En contraste, la escuela del pintor berlinés en la forma del pintor de Aquiles y sus compañeros (que pudieron haber sido las pupilas del pintor berlinés) prefería una postura naturalista, generalmente de una sola figura, sobre un fondo negro sólido o de lekythoi de fondo blanco restringido . . Polygnotos y Kleophon Painter pueden incluirse en la escuela de Niobid Painter., como su trabajo indica algo de la influencia de las esculturas del Partenón tanto en el tema (p. ej., la centauromaquia de Polygnotos, Bruselas, Musées Royaux A. e Hist., A 134) como en el sentimiento de composición.
Hacia finales de siglo, el estilo "rico" de la escultura del ático como se ve en la balaustrada Nike se refleja en la pintura de jarrones contemporáneos con una atención cada vez mayor a los detalles incidentales, como el cabello y las joyas. El pintor Meidias generalmente se identifica más estrechamente con este estilo.
La producción de jarrones en Atenas se detuvo alrededor del 330–320 aC, posiblemente debido al control de la ciudad por Alejandro Magno , y había disminuido lentamente durante el siglo IV junto con la suerte política de Atenas. Sin embargo, la producción de vasijas continuó en los siglos IV y III en las colonias griegas del sur de Italia, donde se pueden distinguir cinco estilos regionales. Estos son el Apulian , Lucanian , Sicilian , Campaniany Paestan . El trabajo de figuras rojas floreció allí con el distintivo agregado de pintura policromática y, en el caso de la colonia del Panticapeum en el Mar Negro, el trabajo dorado del estilo Kerch. Varios trabajos notables de artistas nos llegan, incluido el pintor Darius y el pintor del inframundo , ambos activos a finales del siglo IV, cuyas escenas policromáticas abarrotadas a menudo ensayan una complejidad de emociones que los pintores anteriores no intentaron. Su trabajo representa una fase manierista tardía para el logro de la pintura griega de jarrones.
Técnica de fondo blanco [ editar ]
La técnica de fondo blanco se desarrolló a finales del siglo VI aC. A diferencia de las técnicas más conocidas de figuras negras y figuras rojas, su coloración no se logró a través de la aplicación y el disparo de láminas, sino mediante el uso de pinturas y dorados sobre una superficie de arcilla blanca. Permitió un nivel más alto de policromía que las otras técnicas, aunque los vasos terminan siendo menos llamativos visualmente. La técnica ganó gran importancia durante los siglos V y IV, especialmente en forma de pequeños lekythoi que se convirtieron en típicas ofrendas graves. Entre los representantes importantes se encuentran su inventor, el pintor de Aquiles , así como Psiax , el pintor de Pistoxenos y el pintor de Thanatos..
Socorro y jarrones de plástico [ editar ]
Los jarrones de plástico y en relieve se hicieron particularmente populares en el siglo IV aC y continuaron fabricándose en el período helenístico. Fueron inspirados por el llamado "estilo rico" desarrollado principalmente en Attica después del 420 AC. Las características principales fueron las composiciones de figuras múltiples con el uso de colores agregados (rosa / rojizo, azul, verde, oro) y un énfasis en figuras mitológicas femeninas. El teatro y la representación constituyen una fuente más de inspiración.
El Museo Arqueológico de Delfos tiene algunos ejemplos particularmente buenos de este estilo, incluido un jarrón con Afrodita y Eros . La base es redonda, cilíndrica, y su asa vertical, con bandas, recubierta de color negro. La figura femenina (Afrodita) se representa sentada, vestida con una himación . Junto a ella se alza una figura masculina, desnuda y alada. Ambas figuras llevan coronas de hojas y su cabello conserva trazas de pintura dorada. Las características de sus caras son estilizadas. El jarrón tiene un fondo blanco y mantiene en varias partes los rastros de pintura azulada, verdosa y rojiza. Se remonta al siglo IV aC.
En la misma habitación se guarda un pequeño lekythos con una decoración de plástico, que representa a una bailarina alada. La figura lleva una cubierta de cabeza persa y un vestido oriental, lo que indica que ya en ese período los bailarines orientales, posiblemente esclavos, se habían puesto de moda. La figura también está cubierta con un color blanco. La altura total del jarrón es de 18 centímetros y data del siglo IV aC.
Período helenístico [ editar ]
El período helenístico , iniciado por las conquistas de Alejandro Magno , vio la virtual desaparición de la cerámica de figuras rojas y negras, pero también el surgimiento de nuevos estilos como West Slope Ware en el este, Centuripe Ware en Sicilia y Gnathia. Jarrones al oeste. [36] Fuera de la Grecia continental otras tradiciones griegas regionales desarrollados, como los de la Magna Grecia , con los diversos estilos del sur de Italia, incluyendo Apulia , Lucania , Paestan , de Campania y Sicilia . [10]
Inscripciones [ editar ]
Las inscripciones en la cerámica griega son de dos tipos; el inciso (el más antiguo de los cuales es contemporáneo con los inicios del alfabeto griego en el siglo VIII aC), y el pintado, que solo comienza a aparecer un siglo después. Ambas formas son relativamente comunes en los jarrones pintados hasta el período helenístico, en el que la práctica de inscribir macetas parece desaparecer. Son con mucho más frecuentes en la cerámica del ático.
Se pueden distinguir varias subclases de inscripción. Alfareros y pintores ocasionalmente firmaron sus obras con epoiesen y egraphsenrespectivamente. Las marcas registradas se encuentran desde principios del siglo VI en piezas corintias; estos pueden haber pertenecido a un comerciante exportador en lugar de al campo de trabajo de la cerámica y esto sigue siendo una cuestión de conjetura.) Los nombres de los clientes también se registran, al igual que los nombres de los personajes y objetos representados. En ocasiones, podemos encontrar un fragmento de diálogo para acompañar una escena, como en 'El caballo de Dysniketos ha ganado', anuncia un heraldo en una ánfora panatenaica (BM, B 144). Más desconcertantes, sin embargo, son los kalos.y las inscripciones kalee, que podrían haber formado parte del ritual de cortejo en la alta sociedad ateniense, sin embargo, se encuentran en una amplia variedad de vasos no necesariamente asociados con un entorno social. Finalmente, hay inscripciones de abecedaria y sin sentido, aunque estas se limitan en gran medida a ollas de figuras negras. [37]
Figuras [ editar ]
Las figurillas de terracota griegas eran otro tipo importante de cerámica, inicialmente en su mayoría religiosas, pero cada vez más representaban temas puramente decorativos. Las denominadas figurillas de Tanagra , de hecho hechas en otros lugares, son uno de los tipos más importantes. Las figurillas anteriores solían ser ofrendas votivas en los templos.
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