La vajilla Philicine Bichrome es un término arqueológico acuñado por William F. Albright en 1924 que describe la producción de cerámica en una región general asociada con los asentamientos filisteos durante el período de la Edad del Hierro I en el antiguo Canaán (ca. 1200 - 1000 BCE). [1]
Los académicos han tratado de conectar la vajilla Philistine Bichrome con lacerámica micénica importada de Chipre y la vajilla local monocromática cananea.
Clasificación [ editar ]
Se cree que la vajilla filistea de Bichrome es el descendiente directo de la cerámica MYCIIIC: 1b importada (MYC = Mycenaean ), que se fabricó en Chipre e importó a la antigua Canaan, y la ICICILICA de 1b o monocromática, que se fabricó en los asentamientos de Canaan .
MYCIIIC: 1b o cerámica monocromática se encontró en alta distribución durante el período de IA de hierro (1200 - 1140/30 a. C.) en los asentamientos filisteos de Ashdod (Estrato XIIIb: Área G; en general, Estrato XIII: Área H) y Ekron ( Tel Miqne: Estrato VII). [2] MYCIIIC: 1b también se encontró en cantidades más pequeñas en Acre , Beit She'an y en la costa de Líbano y Siria . [3]
Análisis de neutrones [ editar ]
El análisis de neutrones de los artículos de Philicine Bichrome ha encontrado que puede haber sido realizado en el mismo taller, localmente en Canaán, como su predecesor, MYCIIIC: 1b. [4] Aparece por primera vez a mediados del siglo XII aC, durante Iron IB (1140/30 - 1000/980 BCE) en sitios como Ashdod (Stratum XII), Megiddo (Stratum VIB). Se limitaba principalmente a los asentamientos filisteos con cierta distribución en todo el antiguo Canaán.
Estilo [ editar ]
Las características estilísticas incluyen el uso de la decoración con pinturas rojas y negras (por lo tanto, bicromos) en un papel blanco con motivos micénicos comunes de aves, peces y embarcaciones de vela. Mientras que la forma de la cerámica conserva sus raíces micénicas, la influencia chipriota se ve mediante el uso de cuellos altos y estrechos. [4] Las representaciones estilísticas de aves en el estilo micénico que se encuentran en la vajilla de Bichrome se consideraron sagradas y también se presentan en los barcos filisteos en los relieves del templo mortuorio de Ramsés III ( Dinastía 20 ) en Medinet Habu en Tebas ( Luxor moderno). ), Egipto , que representa su batalla con los pueblos del mar.en el octavo año de su reinado conocido como la Batalla del Deltaca. 1175 BCE (la fecha tradicional; fecha alternativa de 1178 BCE). [5]
Esta forma de alfarería duró hasta ca. 1000 BCE.
La vajilla filistea de Bichrome está relacionada con la vajilla chipriota de Bichrome . La "cerámica roja de Bichrome" de Chipre también es relevante.
En el estudio moderno de la cultura de la antigua Grecia y la Magna Grecia , una pinax (πίναξ) (plural pinakes - πίνακες), que significa "tablero", [1] es una tableta votiva de pintado de madera o terracota , mármol o de bronce de socorro que sirvió como un objeto votivo depositado en un santuario o como un memorial colocado dentro de una cámara funeraria . [2] Tales pinakes figuran en las colecciones clásicas de los museos más completos.
Otros usos [ editar ]
Para los antiguos griegos, pinax también parece haber sido un término general para una placa, pero esto generalmente no se sigue en el uso arqueológico moderno. En la vida diaria, pinax puede denotar igualmente una tableta de escritura cubierta de cera . En contextos cristianos, los iconos pintados ("imágenes") son pinakes . En el teatro de la antigua Grecia , eran imágenes probablemente pintadas sobre telas, pero también talladas en piedra o madera, que se colgaban detrás, ya veces debajo, del área del escenario como escenario o como decoración permanente. El término pinacoteca para una galería de imágenes deriva de tales usos.
Materiales y uso [ editar ]
Cuando son recuperados por los arqueólogos, los pinakes de madera pintados generalmente han perdido todo menos rastros de sus imágenes pintadas , siendo los paneles de Pitsa la excepción excepcional. [3] de terracota moldeados pinakes también se pintaron brillantes. Los pinakes de mármol fueron tallados individualmente, pero los de terracota se imprimieron en moldes, y los de bronce se pueden moldear repetidamente a partir de un modelo a partir del cual se hicieron impresiones de cera y resina, en la técnica llamada fundición de cera perdida .
Algunas placas de oro elaboradas han sobrevivido desde el siglo VII a. C., muchas de ellas hechas en Rodas , con figuras de deidades, especialmente Artemisa , que se muestran en un estilo daedálico orientalizante . [4]
A menudo tienen dos orificios para un cordón de suspensión, y se muestran en pinturas en forma de jarrones quecuelgan de las paredes del templo y también están suspendidas de los árboles en el área del santuario. El arquitecto romano Vitruvio menciona los pinakes en las cellas de los templos, e incluso en posesión de personas privadas. Tal colección fue un pinakothek , [5] que es un término moderno alemán para un museo de arte , como el Alte Pinakothek de Munich.
Calímaco , el poeta alejandrino y académico de la Biblioteca de Alejandría , formó una especie de índice, o "mapa de imagen" del contenido de la biblioteca, que llamó Pinakes , [6] un término que continuó en uso en catálogos bibliográficos.
Grandes hallazgos [ editar ]
En Locri, en el sur de Italia, se han recuperado miles de pinakescuidadosamente enterrados , la mayoría de ellos del santuario de Perséfone o el de Afrodita . [7] Otro grupo numeroso de más de 1,000 pinakes de cerámica fue encontrado en el sitio de Penteskouphia , a las afueras de Corinto . Estos se encuentran principalmente en el Antikensammlung Berlin , con algunos en Corinto y el Louvre . Además de las escenas religiosas habituales, algunas de ellas muestran representaciones de alfareros trabajando. [8] Berlín también tiene un grupo más pequeño de fragmentos del cementerio Kerameikos en Atenas, muchas del pintor exekias . [9]
Arte etrusco [ editar ]
En el arte etrusco , se han encontrado placas de terracota más grandes que las típicas en el arte griego en las tumbas, algunas de las cuales forman una serie que crea, en efecto, una pintura mural portátil. Las familias etruscas ricas a menudo tenían tumbas con paredes pintadas, que los griegos no tenían. La tumba "Boccanera" en la necrópolis de Banditaccia en Cerveteri contenía cinco paneles de casi un metro de altura alrededor de la pared, que ahora se encuentran en el Museo Británico . Tres de ellos forman una sola escena, aparentemente el Juicio de París , mientras que los otros dos flanquean el interior de la entrada, con esfinges que actúan como guardianes de tumbas.. Se remontan a alrededor de 560 aC. Fragmentos de paneles similares se han encontrado en sitios del centro de la ciudad, probablemente de templos, casas de elite y otros edificios, donde los temas incluyen escenas de la vida cotidiana.
La pintura de jarrones con figuras rojas es uno de los estilos más importantes de la pintura de jarrones griegos figurativos .
Se desarrolló en Atenas alrededor del año 520 aC y se mantuvo en uso hasta finales del siglo III aC. Reemplazó el estilo previamente dominante de la pintura de jarrones de figuras negras en unas pocas décadas. Su nombre moderno se basa en las representaciones figurativas en color rojo sobre fondo negro, en contraste con el estilo de figura negra precedente con figuras negras sobre fondo rojo. Las áreas de producción más importantes, aparte de Attica , estaban en el sur de Italia . El estilo también fue adoptado en otras partes de Grecia . Etruria se convirtió en un importante centro de producción fuera del mundo griego .
Los jarrones de figuras rojas del ático se exportaban a toda Grecia y más allá. Durante mucho tiempo, dominaron el mercado de la cerámica fina. Solo unos pocos centros de producción de cerámica podrían competir con Atenas en términos de innovación, calidad y capacidad de producción. De los jarrones de figuras rojas producidos solo en Atenas, más de 40,000 especímenes y fragmentos sobreviven hoy. Desde el segundo centro de producción más importante, el sur de Italia, se conservan más de 20,000 jarrones y fragmentos. A partir de los estudios de John D. Beazley y Arthur Dale Trendall , el estudio de este estilo de arte ha progresado enormemente. Algunos jarrones pueden ser atribuidos a artistas individuales o escuelas. Las imágenes proporcionan evidencia para la exploración de la historia cultural griega , la vida cotidiana., iconografía , y mitología .
Técnica [ editar ]
La figura roja es, simplemente, el reverso de la técnica de la figura negra. Ambos se lograron mediante el uso de la técnica de disparo de tres fases. Las pinturas se aplicaron a los recipientes con forma pero sin fuego después de que se habían secado hasta obtener una textura coriácea, casi quebradiza. En Attica , la arcilla normal sin quemar era de color naranja en esta etapa. Los contornos de las figuras previstas se dibujaron con un raspador romo, dejando un pequeño surco, o con carbón, que desaparecería por completo durante la cocción. Luego, los contornos se volvieron a dibujar con un pincel, utilizando una hoja dearcilla brillante.. Ocasionalmente, el pintor decidió cambiar algo la escena figurativa. En tales casos, los surcos del boceto original a veces permanecen visibles. Los contornos importantes a menudo se dibujaban con un resbalón más grueso, lo que lleva a un contorno ligeramente sobresaliente (línea de relieve); Se dibujaron líneas menos importantes y detalles internos con arcilla brillante diluida.
Detalles en otros colores, como blanco o rojo, fueron aplicados en este punto. La línea de relieve probablemente se dibujó con un cepillo de cerdas o un pelo, sumergido en pintura gruesa. La sugerencia de una aguja hueca parece algo improbable. [1] La aplicación de contornos en relieve era necesaria, ya que de lo contrario la arcilla brillante, bastante líquida, habría resultado demasiado opaca. Después de la fase inicial de desarrollo de la técnica, se utilizaron ambas alternativas, para diferenciar las gradaciones y los detalles con mayor claridad. El espacio entre las figuras se llenó con una hoja de arcilla gris brillante. Luego, los jarrones se sometieron a cocción de triple fase, durante la cual la arcilla brillante alcanzó su característico color negro o marrón-marrón mediante la reducción , el color rojizo por una oxidación final . [2] Dado que esta fase de oxidación final se encendió utilizando temperaturas más bajas, las partes vidriadas del jarrón no se oxidaron de negro a rojo: su superficie más fina se fundió (sinterizó) en la fase reductora, y ahora se protegió del oxígeno.
La nueva técnica tenía la ventaja principal de permitir una ejecución mucho mejor de los detalles internos. En la pintura de jarrones de figuras negras, tales detalles tenían que ser rayados en las superficies pintadas, lo que siempre fue menos preciso que la aplicación directa de detalles con un pincel. Las representaciones de figuras rojas eran generalmente más animadas y realistas que las siluetas de figuras negras.. También se contrastaron más claramente contra los fondos negros. Ahora era posible representar a los humanos no solo en el perfil, sino también en las perspectivas frontal, trasera o de tres cuartos. La técnica de figuras rojas también permitió la indicación de una tercera dimensión en las figuras. Sin embargo, también tenía desventajas. Por ejemplo, la distinción de sexo mediante el deslizamiento negro para la piel masculina y la pintura blanca para la piel femenina ahora era imposible. La tendencia actual a representar héroes y deidades desnudas y de edad juvenil también hizo que sea más difícil distinguir los sexos a través de prendas o peinados. En las fases iniciales, también hubo errores de cálculo con respecto al grosor de las figuras humanas.
En la pintura del jarrón de figuras negras, los esbozos pre-dibujados eran parte de la figura. En los jarrones de figuras rojas, el contorno, después de disparar, formaría parte del fondo negro. Esto llevó a jarrones con figuras muy delgadas desde el principio. Otro problema fue que el fondo negro no permitía la representación del espacio en ninguna profundidad, por lo que la perspectiva espacial casi nunca se intentó. No obstante, las ventajas superaron en número a las desventajas. La representación de los músculos y otros detalles anatómicos ilustra claramente el desarrollo del estilo. [3]
Attica [ editar ]
La pintura de jarrones de figuras negras se había desarrollado en Corintoen el siglo VII aC y rápidamente se convirtió en el estilo dominante de la decoración de cerámica en todo el mundo griego y más allá. Aunque Corinto dominaba el mercado general, los mercados regionales y los centros de producción sí se desarrollaron. Inicialmente, Atenas copió el estilo corintio, pero gradualmente llegó a rivalizar y superar el dominio de Corinto. Los artistas de áticos desarrollaron el estilo a una calidad sin precedentes, alcanzando el apogeo de sus posibilidades creativas en el segundo tercio del siglo VI a. Exekias , activa alrededor del 530 aC, puede considerarse como el representante más importante del estilo de figura negra.
En el siglo V, la cerámica fina del ático, ahora predominantemente de color rojo, mantuvo su dominio en los mercados. La cerámica del ático fue exportada a Magna Graecia e incluso a Etruria . La preferencia por los jarrones áticos condujo al desarrollo de talleres o "escuelas" locales del sur de Italia y Etrurian, fuertemente influenciados por el estilo del ático, pero que producen exclusivamente para los mercados locales.
Inicios [ editar ]
Los primeros jarrones de figuras rojas se produjeron alrededor del 530 a. La invención de la técnica normalmente está acreditada al pintor Andokides . Él y otros primeros representantes del estilo, por ejemplo, Psiax , pintaron inicialmente jarrones en ambos estilos, con escenas de figuras negras en un lado y figuras rojas en el otro. Dichos jarrones, por ejemplo el Belly Amphora del pintor Andokides (Munich 2301) , se llaman jarrones bilingües . A pesar de que muestran grandes avances contra el estilo de figura negra, las figuras todavía parecen algo forzadas y rara vez se superponen. Las composiciones y técnicas del estilo más antiguo se mantuvieron en uso. Por lo tanto, las líneas incisas son bastante comunes, al igual que la aplicación adicional de pintura roja ("rojo agregado") para cubrir grandes áreas. [4]
Fase pionera [ editar ]
Los artistas del llamado " Grupo Pioneer " dieron el paso hacia una explotación completa de las posibilidades de la técnica de la figura roja. Eran activa entre alrededor de 520 y 500 antes de Cristo. Representantes importantes incluyen Euphronios , Eutímides y Fincias . Este grupo, reconocido y definido por una beca del siglo XX, experimentó con las diferentes posibilidades que ofrece el nuevo estilo. Así, las figuras aparecieron en nuevas perspectivas, como las vistas frontales o traseras, y hubo experimentos con acortamiento en perspectiva y composiciones más dinámicas. Como innovación técnica, Euphronios introdujo la "línea de socorro". Al mismo tiempo nuevas formas de jarrón.se inventaron, un desarrollo favorecido por el hecho de que muchos de los pintores pioneros del grupo también eran activos como alfareros.
Las nuevas formas incluyen el psykter y el pelike . El krater grande y las ánforas se hicieron populares en este momento. Aunque no hay indicios de que los pintores se entendieran a sí mismos como grupo de la forma en que lo hacen los estudiosos modernos, hubo algunas conexiones e influencias mutuas, tal vez en una atmósfera de competencia amistosa y aliento. Por lo tanto, un jarrón de Euthymides está inscrito "como Euphronios nunca [hubiera podido]" . Más generalmente, el grupo pionero tendía a usar inscripciones. El etiquetado de figuras mitológicas o la adición de inscripciones de Kalos son la regla y no la excepción. [4]
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