La Crucifixión de San Pedro es unapintura al frescodelmaestro del renacimiento italiano Michelangelo Buonarroti(c. 1546–1550). Se encuentra en la Capilla Paolina , Palacio del Vaticano , en la Ciudad del Vaticano , Roma . Es el último fresco ejecutado por Miguel Ángel.
El artista retrató a San Pedro en el momento en que fue levantado por los soldados romanos a la cruz. Miguel Ángel concentró la atención en la representación del dolor y el sufrimiento. Los rostros de las personas presentes están claramente angustiados. El papa Pablo encargó este fresco de Miguel Ángel en 1541 y lo reveló en su Capilla Paolina.
La restauración del fresco completada en 2009 reveló una imagen que se cree que es un autorretrato del propio Miguel Ángel. [1] La figura está de pie en la esquina superior izquierda del fresco, con una túnica roja y un turbante azul. Los escultores renacentistas usaban a menudo turbantes azules para mantener el polvo fuera de su cabello.
San Pedro [ editar ]
San Pedro es conocido por sus muchos atributos, como "roca de la iglesia", el "primer vicario de Cristo" o el primer papa. Estos atributos, especialmente este último, lo convirtieron en el tema de muchas obras de arte en el Vaticano. San Pedro se representa recibiendo las llaves del reino de los cielos de Cristo en la pared de la capilla Sixtina en Perugino ‘s La entrega de las llaves. El Papa Pablo III le encargó a Miguel Ángel que pintara otro fresco de San Pedro alrededor del año 1545. [2] En contraste con los temas de poder y gloria representados por Perugino, Miguel Ángel eligió pintar un momento mucho más oscuro en la vida del santo. El estatus de san Pedro como un mártir importante no solo se debe a que fue el "primer vicario de Cristo", sino también porque, como Cristo, fue crucificado. Aunque su petición final no se menciona en el Nuevo Testamento canónico, se creyó popularmente (debido al texto apócrifo conocido como los Hechos de Pedro) que él exigió: Crucifícame cabeza abajo, porque no soy digno de morir cuando mi maestro murió. . [3] El fresco de la Crucifixión está situado en el muro este de la Capilla Paulina, lo cual es significativo porque es el lugar donde los cardenales siempre han tenido sus elecciones para un nuevo papa. [4]
Análisis formal y elementos compositivos [ editar ]
El telón de fondo de la escena es un fondo montañoso mínimamente elaborado. Miguel Ángel no hizo este fondo con gran detalle. Vasari afirma: "No hay paisajes que se puedan ver en estas escenas, ni árboles, edificios u otros adornos y variaciones". [5]Las montañas están pintadas en un tenue tono azul, que quizás está destinado a aumentar la profundidad de campo a través de la perspectiva atmosférica. La tierra representada en el medio y el primer plano es un color amarillo verdoso pálido que en algunos lugares es más de un color ocre amarillo. Los únicos elementos verticales reales en la pintura son las figuras, que ocupan la mayor parte del primer plano. Muchos grupos de personas rodean una sola figura central grande que está montada en un crucifijo. El atributo formal más impresionante de esta pintura (además de su tamaño considerable) es su elemento de composición central. A diferencia de las muchas representaciones anteriores del martirio de Pedro, esta representa la elevación de la cruz, el momento antes de que la crucifixión haya comenzado realmente. [6] El ángulo del crucifijo activa la composición y crea mucho más dinamismo en lo que podría ser una imagen estática. La diagonal fuerte crea un patrón visual cíclico para que lo sigan los ojos. Si uno lee la pintura de izquierda a derecha, las figuras que suben los escalones de la parte inferior izquierda dirigen el ojo hacia arriba hacia un grupo de figuras ecuestres. Dirigen el ojo al grupo de personas ubicadas en la esquina superior derecha, que a su vez conducen a un extremo del crucifijo. El otro extremo del crucifijo señala de nuevo a los hombres que están subiendo los escalones. Miguel Ángel también creó muchas diagonales fuertes con la colocación de sus figuras y la extensión de sus brazos y piernas hacia un punto central de convergencia. La posición del cuerpo de San Pedro en este trabajo a menudo se señala como la innovación más interesante de Miguel Ángel. Desafió la convención colocando la parte superior del cuerpo de Peter para que tenga que estirarse hacia arriba y girar el cuello para hacer contacto visual con la mirada del espectador. Esto está muy lejos de los aspectos pintados de los momentos finales de innumerables mártires, que suele ser una mirada pasiva y elevada. La mirada penetrante del santo sugiere que él exige el testimonio de su audiencia; exige su enfoque y su mirada, y suplica que su sacrificio no se considere en vano.
La crítica [ editar ]
Estos frescos inicialmente fueron ridiculizados desde el momento de su inauguración. [7] La mayoría de las críticas se centraron en lo que se consideró un descarado desprecio por la proporción. Algunos atribuyeron el fracaso de estos frescos a la avanzada edad del artista y al deterioro de la salud. Más tarde, algunos eruditos atribuyeron la naturaleza desproporcionada de las figuras a la búsqueda activa de Miguel Ángel de una técnica manierista. Steinberg refuta estas afirmaciones al afirmar el hecho de que las características musculosas y musculosas características en esta pieza no coinciden con el tipo de cuerpo ideal ágil preferido por los manieristas . [8] Yael Even afirma que Miguel Ángel incluso fue tan lejos como para imbuir a las figuras femeninas de luto presentes en la pintura con una calidad más masculina. [9]
Interpretaciones más nuevas [ editar ]
Estos frescos fueron en gran parte ignorados durante siglos e incurrieron en un gran daño debido a la negligencia. A principios del siglo XX hubo algunos estudiosos que vinieron a reconsiderar los frescos bajo la nueva luz del expresionismo y la abstracción . Los frescos fueron restaurados en 1934 como resultado de este nuevo interés y la posterior apreciación de las pinturas. [10] No fue hasta hace bastante poco (a fines de la década de 1980) que un académico llamado William Wallace propuso una perspectiva completamente nueva sobre el tema. Wallace afirma que la calidad desproporcionada de las figuras no es un defecto de parte de Miguel Ángel, sino más bien otra instancia de su genio. Ni siquiera es una instancia de algo nuevo. En este caso particular, Miguel Ángel utilizó la proporción para compensar ciertas discrepancias causadas por diferentes perspectivas. Diseñó los frescos de acuerdo con lo que el espectador en el suelo vería en lugar de la vista frontal "ideal" que la mayoría de la gente ve en fotografías o reproducciones. [11] Esta tendencia a manipular proporciones por motivos de perspectiva o de efectos de engrandecimiento es algo por lo que se conoce a Miguel Ángel. En particular, ha empleado estos métodos con la estatua de Moisés que esculpió para la tumba del Papa Julio II. [12]
Tiempo y espacio [ editar ]
Según Wallace, la verdadera innovación en esta pieza proviene de la incorporación del tiempo y el espacio en la composición general de los frescos. Él postula que Miguel Ángel diseñó la composición de estos frescos con la idea de que serían vistos cuando uno camina por el pasillo central de la capilla estrecha de manera procesional. La apariencia de ambos frescos cambia significativamente cuando uno camina de un extremo de la capilla al otro. [13] El punto de discusión más popular en el caso de La crucifixión de San Pedro.Es la representación desmesuradamente grande de Pedro mismo. Si bien Peter es de hecho muy desproporcionado con respecto a la vista frontal "ideal", es perfectamente proporcionado (y más importante, siempre visible) desde cualquier otro punto de vista. Michelangelo en realidad utilizó la perspectiva para convertir la imagen en algo que uno puede experimentar con el tiempo, lo que le da una "calidad cinematográfica". [14]
Contexto arquitectónico y ambiental [ editar ]
Wallace afirma que, además de concebir estos frescos en términos de perspectiva, Miguel Ángel también tuvo en cuenta el contexto arquitectónico y ambiental en el que debían establecerse. La conversión de San Saulo (o San Pablo) a menudo se discute en conjunto con La crucifixión de san pedro. En gran parte, esto se debe a que los dos frescos se encargaron juntos, pero esto también se puede atribuir a cómo las dos imágenes se crearon como láminas de la otra. La conversión de San Pablo (como su título lo indica) representa la conversión de un abogado de Tarso llamado Saulo (un hombre que procesó a los cristianos) en un seguidor de Cristo. [15] En el libro de Hechos, Pablo afirma que vio una luz increíblemente brillante y escuchó la voz de Cristo mismo. La luz cegadora y brillante es el vértice de esta historia; Es debido a esto que Miguel Ángel eligió ubicar esta pintura en el muro occidental con la exposición oriental, de modo que la luneta situada sobre la Crucifixión de San Pedroproporcionaría una luz brillante para iluminarla durante todo el día. A la inversa, dado que The Crucifixion of St. Peter es una historia mucho más oscura, está situada en el muro este que mira hacia el oeste. Debido a la obstrucción causada por un edificio adyacente, este fresco solo se enciende por un período de tiempo muy limitado al final del día. [dieciséis] Algunos especulan que esto es parte de la razón por la que se ha pasado por alto durante tanto tiempo. Wallace propone que Miguel Ángel se propuso para esta oscuridad contrastante resaltar la gravedad del tema.
Accesibilidad limitada [ editar ]
En última instancia, a pesar de los esfuerzos de los estudiosos contemporáneos para ilustrar el genio detrás de estas obras, siguen siendo relativamente oscuros. Esto se debe principalmente al hecho de que a los turistas no se les permite ingresar a la capilla paulina porque es un espacio sagrado. La mayoría de los que saben de estas obras nunca tendrán la oportunidad de verlas en persona. Según Williams, ningún otro trabajo de Miguel Ángel ha sido tan tergiversado en las reproducciones. La única forma de ver estas obras como el artista pretendía verlas es verlas in situ.
La iglesia fortificada de Dârjiu (en rumano : Biserica fortificată din Dârjiu ; húngara : Székelyderzsi erődtemplom ) es una iglesia fortificada unitaria en Dârjiu ( Székelyderzs ), condado de Harghita, en la región de Transilvania , Rumania . Fue construido por la comunidad húngara Székely en un momento en que el área pertenecía al Reino de Hungría . Inicialmente católico romano , se convirtió en unitario después de la Reforma. . La iglesia es conocida por sus frescos interiores, y junto con la aldea circundante, forma parte de las aldeas con iglesias fortificadas en Transilvania, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO .
Frescos y reconocimientos [ editar ]
El interior de la iglesia presenta una serie de pinturas murales parcialmente destruidas pero valiosas. [2] Estas obras góticas, influenciadas por el Renacimiento italiano , fueron ejecutadas en 1419 por Paul de Ung ; El más detallado es una Conversión de Pablo el Apóstol que incluye el retrato del artista. Allí y en The Pursuit of the Cuman , parte de un grupo de leyendas de San Ladislao , Paul logró integrar el tema en los otros elementos de la composición. [4] Otros temas que pintó fueron el martirio de los Diez Mil y varios santos obispos. [5] Debajo de su retrato, en minúscula gótica., escribió una declaración de amor en latín: "Este trabajo lo hizo el maestro Paul, hijo de Stephen de Ung, pinta y prepara, AD 1419; escribió esta inscripción teniendo en cuenta a una chica hermosa". [3] [5] El daño a los frescos ocurrió cuando se construyeron los arcos y más tarde, en el siglo XVII, cuando se instaló un púlpito . [5]
En 1999, Dârjiu, junto con otros cinco lugares, se agregó a Biertan, que ya figura en la lista, para formar los pueblos con iglesias fortificadas en Transilvania, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO . [6] Además, la iglesia está catalogada como un monumento histórico por el Ministerio de Cultura y Asuntos Religiosos deRumania , y las fortificaciones se enumeran como una entrada separada.
Los Murales de la Industria de Detroit son una serie de frescos del artista mexicano Diego Rivera , que consta de veintisiete paneles que representan a la industria en la Ford Motor Company . Juntos rodean a la Corte Rivera en el Instituto de Artes de Detroit . Pintados entre 1932 y 1933, fueron considerados por Rivera como su obra más exitosa. [1] El 23 de abril de 2014, los Murales de la Industria de Detroit recibieron el estatus de Monumento Histórico Nacional . [2]
Los dos paneles principales en las paredes norte y sur representan obreros que trabajan en Ford Motor Company 's planta de River Rouge . Otros paneles muestran avances realizados en diversos campos científicos, como la medicina y las nuevas tecnologías. La serie de murales, tomada en su conjunto, representa la idea de que todas las acciones e ideas son una.
Comisión [ editar ]
En 1932, Wilhelm Valentiner le encargó a Diego Rivera un ambicioso proyecto. El plan para el proyecto era que Diego Rivera pintara 27 murales al fresco en el Instituto de Arte de Detroit . [3] También querían que Rivera incorporara la industria de Detroit en su conjunto, y no solo la industria del automóvil. Antes de aceptar la propuesta de Valentiers, Rivera acababa de completar un mural en la Escuela de Bellas Artes de California (ahora el Instituto de Arte de San Francisco).). El mural que creó allí mostró claramente su capacidad pictórica y su interés por la cultura industrial moderna en los Estados Unidos. En el acuerdo para la comisión, se esperaba que el DIA pagara todos los gastos en materiales, mientras que se esperaba que Rivera pagara por su propia asistencia. [3] En ese momento, los materiales eran increíblemente caros y el acuerdo que establecieron la DIA y Rivera se consideró un gran acuerdo. Edsel Fordcontribuyó con $ 20,000 para hacer posible el trato.
Extracto de la propuesta de la comisión a Diego Rivera de Wilhelm Valentiner.
para ayudarnos a embellecer el museo y dar fama a su sala a través de su gran trabajo ... La comisión de artes estará encantada de recibir sus sugerencias de los motivos, que se pueden seleccionar una vez que esté aquí. Estarían encantados si pudieras encontrar algo fuera de la industria de la ciudad; Pero al final decidieron dejarlo por completo para ti, lo que creas que es mejor hacer. [3]
De los 27 murales que Rivera pintó en el Instituto de Arte de Detroit , los dos murales más grandes están ubicados en las paredes norte y sur. Los murales representan a los trabajadores del Complejo Ford River Rougeen Dearborn, Michigan. Durante el tiempo, Detroit era un complejo industrial avanzado y era el hogar de la industria manufacturera más grande del mundo. [3] En 1927, la Ford Motor Company.estaba introduciendo mejoras tecnológicas avanzadas para su línea de ensamblaje, una de las cuales era la revolucionaria línea automatizada de ensamblaje de automóviles. La industria automotriz en Detroit era capaz de fabricar cada componente para sus automóviles, algo que en ese momento se consideraba una maravilla industrial. Detroit tenía fábricas que producían diversos bienes, desde acero, energía eléctrica y cemento. Aunque Detroit era bien conocido por la producción en masa de automóviles, también fabricaban barcos, tractores y aviones. Este impresionante centro de fabricación industrial integrado es lo que Diego Rivera trató de captar en su trabajo en el Instituto de Arte de Detroit, que luego se conocería como los Murales de la Industria de Detroit .
Cuando Rivera comenzó el proyecto, inmediatamente comenzó a investigar las instalaciones del Complejo Ford River Rouge . Pasó tres meses recorriendo todas las plantas y preparó cientos de bocetos y conceptos para el mural. [3] También tenía su propio fotógrafo que se le asignó como ayuda para la investigación de Rivera en la búsqueda de material de referencia visual. El nombre de los fotógrafos era WJ Stettler, y también fue el fotógrafo oficial de la planta de River Rouge. [3] Rivera estaba realmente sorprendido por la tecnología y la modernidad que estaba presente en las plantas de Detroit. Aunque Rivera estaba intrigado con la industria que giraba en torno al automóvil, también expresó interés en la industria farmacéutica y pasó algún tiempo en el Parke-Davis. La planta farmacéutica de Detroit realizará aún más investigaciones para su comisión en el DIA.
Diego Rivera completó la comisión en un tiempo relativamente corto, demorando solo ocho meses en completar el trabajo. Para que hubiera completado el trabajo en tan poco tiempo, Rivera junto con sus ayudantes, tenía un horario de trabajo agotador y trabajaba de manera rutinaria durante quince horas al día. También se sabe que a menudo no tendrían interrupciones entre el trabajo. El riguroso programa hizo que Rivera perdiera 100 libras en el transcurso del proyecto. Rivera también tenía una reputación de pagar mal a sus asistentes, lo que los llevó a protestar por un salario más alto en un momento dado durante el proyecto.
En ese momento los asistentes de Rivera no eran los únicos trabajadores que protestaban. Rivera comenzó a trabajar en el mural en 1932, que coincidía con la Gran Depresión . En Detroit, uno de cada cuatro trabajadores estaba desempleado, y en ese momento la Ford Motor Company estaba experimentando disturbios políticos / sociales con sus trabajadores. Incluso hubo un evento en el que 6,000 trabajadores estaban en huelga, pero fueron saboteados y terminaron en cinco muertes y heridas a otras. Teniendo en cuenta la reputación de Rivera como artista revolucionario, es evidente que Rivera probablemente se inspiró en la atmósfera cargada de protesta contra una de las ciudades industriales más poderosas del mundo.
El patio interior del DIA está gobernado por dos murales gigantescos ubicados en las paredes norte y sur. Estos dos murales son el punto culminante de la narrativa que Rivera describió en su mural de 27 paneles. La pared norte coloca al trabajador en el centro y muestra el proceso de fabricación del famoso motor V8 1932 de Ford . [3]El mural también compone visualmente la relación entre el hombre y la máquina como el tema principal del mural. En una época de reproducción mecánica, el límite entre el hombre y la máquina era un tema comúnmente explorado. Mientras que la máquina imitaba las habilidades del hombre, y el hombre obligado a operar de manera similar a una máquina suscitó preocupaciones con respecto a los derechos éticos para la mayoría de la clase trabajadora. Otras cualidades que Rivera incorporó en la pared norte que comentaron sobre la reproducción mecánica fueron: hornos de chorro que están haciendo mineral de hierro, fundiciones que están haciendo moldes para piezas, cintas transportadoras que llevan las piezas fundidas, operaciones de mecanizado y, finalmente, inspecciones. Rivera representó todo el proceso de fabricación en el gran mural del lado norte. También describe la industria química en el lado derecho e izquierdo del muro norte.
En el lado opuesto de la pared norte, Rivera muestra el proceso de fabricación de las partes exteriores del automóvil. En este mural Rivera se enfoca en la tecnología como una importante cualidad del futuro. Luego alegoriza este concepto a través de una de las enormes máquinas de prensado de piezas que se muestra en el mural. La máquina debe simbolizar la historia de la diosa azteca Coatlicue . [4] En la mitología azteca, Coatlicue era la madre de los dioses, y dio a luz a la luna, las estrellas y Huitzilopochtli., el dios del sol y la guerra. La historia de Coatlicue fue importante para los aztecas y resumió la complejidad de su cultura y creencias religiosas. En comparación con la historia azteca, la tecnología se había convertido en lo que el mundo moderno consideraba importante desde el punto de vista cultural, y en ocasiones apoyaba y defendía la tecnología tan apasionadamente como una religión. [4]
Notoriedad [ editar ]
Incluso antes de que se hicieran los murales, hubo una controversia en torno a la filosofía marxista de Rivera . Los críticos los vieron como propaganda marxista. Cuando se completaron los murales, el Instituto de las Artes de Detroit invitó a varios clérigos a comentar. El clero católico y episcopaliano condenó los murales como blasfemos. El Detroit News protestó que eran "vulgares" y "antiamericanos". Como resultado de la controversia, 10,000 personas visitaron el museo en un solo domingo, y el presupuesto para ello fue finalmente recaudado.
Un panel en la pared norte muestra una figura infantil como la de Cristo con cabello dorado que recuerda a un halo. Flanqueando a la derecha hay un caballo (en lugar del burro de la tradición cristiana); a la izquierda hay un buey. Directamente debajo hay varias ovejas, un animal que a menudo forma parte de la Natividad tradicional, que en algunos casos pretende ser un símbolo de Cristo como Agnus Dei . Un médico cumple el papel de José y una enfermera el de María ; Juntos le están administrando al niño una vacuna . En el fondo, tres científicos, como los magos bíblicos , participan en lo que parece ser un experimento de investigación. Esta parte del fresco es claramente una versión moderna de las imágenes tradicionales deSagrada familia , pero algunos críticos la interpretan como parodia y no como homenaje . [5]
Sin embargo, se ha sugerido fuertemente que esta controversia fue avivada por el propio Edsel Ford, el patrón de Rivera, para generar publicidad. [5]
En su presentación, el panel ofendió tanto a algunos miembros de la comunidad religiosa de Detroit que exigieron su destrucción, pero el comisionado Edsel Ford y el director de la DIA, Wilhelm Valentiner, semantuvieron firmes, y sigue vigente hoy. [6] Durante la década de 1950, el DIA erigió un letrero sobre la entrada a la Corte de Rivera que decía:
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