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Chica joven con una canasta de flores ( Fillette à la corbeille fleurie o Jeune fille nue avec panier de fleurs o Fillette nue au panier de fleurs o Le panier fleuri ) es una pintura de Pablo Picasso de1905de su época rosa . [1] Fue pintado en una fase clave en la vida de Picasso, ya que hizo la transición de un bohemio empobrecido a principios de 1905 a un artista exitoso a fines de 1906.
Después de lograr un éxito temprano en 1901, Picasso todavía estaba luchando en 1905, viviendo en la penuria en Montmartre . La obra se pintó en el nuevo estudio que ocupó en el último piso del edificio en ruinas en 13 rue Ravignan , que el poeta Max Jacob denominó " Le Bateau-Lavoir ". Otros pisos fueron ocupados por otros artistas. El Cirque Médrano estaba cerca, y Picasso se inspiró en los arlequines y saltimbanques , payasos, malabaristas y otros actos, haciendo la transición de su período azul sombrío a su período más optimista de Rosa .
Joven con una cesta de flores se hizo en el otoño de 1905, después de que Picasso regresara a París después de pasar seis semanas en el campo en el norte de los Países Bajos. El sujeto es una joven que trabajaba como vendedora de flores, pero también probablemente como una prostituta adolescente . La representan desnuda, a excepción de cintas de color rosa en su cabello oscuro y un collar, y sostiene una canasta de flores rojas, todas pintadas con líneas simplificadas y bloques de color aplanados. Muchas de las pinturas de Picasso de este período combinan elementos conflictivos de inocencia y de experiencia. John Richardson lo informó en su catálogo de exposiciones para la exposición Late Picasso en la Tate Gallery de Londres en 1988 (pág. 340), basado en los escritos deJean-Paul Crespelle , que el tema se llamó "Linda la Bouquetière", de la Place du Tertre , y trabajó fuera del Moulin Rouge . También trabajó como modelo de artista; Además de Picasso, fue pintada por Kees van Dongen y Amedeo Modigliani . Un boceto anterior a pluma y tinta sugiere que Picasso originalmente planeó pintarla con un vestido blanco, como si asistiera a su primera comunión , con las flores rojas que simbolizan la sangre de la eucaristía.
La pintura está firmada con "Picasso" e inscrita "Picasso 1905 13 Rue Ravignan" en el reverso. Mide 154.8 cm × 66.1 cm (60.9 in × 26.0 in).
Picasso vendió la pintura a la Galerie du Vingtième Siècle dirigida por el vendedor de arte Clovis Sagot cerca de la galería de ambroise vollard . Sagot condujo una dura negociación. Originalmente ofreció 700 francos por tres obras, esta pintura y dos obras en gouache hechas en los Países Bajos. Picasso inicialmente se negó, pero desesperado por obtener dinero, volvió a aceptar la oferta de Sagot unos días después. Sagot cortó astutamente su oferta a 500 francos, lo que Picasso también rechazó. Forzado por su pobreza a regresar a Sagot nuevamente algunos días después, la obra se vendió por solo 75 francos y se puso a la venta en la galería de Sagot como La fleur du pavé. ("La flor de los adoquines").
Se convirtió en la segunda de las tres pinturas del período Rosa adquiridas por las coleccionistas Gertrude Steiny Leo Stein . Los hermanos Stein vivían en París desde 1903 y comenzaron a coleccionar obras de arte contemporáneas en 1904, comprando obras de Cézanne , Gauguin y Renoir a Ambroise Vollard. Sagot vendió Famille d'acrobates avec singe de Picasso (1905) a Leo Stein, y la pareja más tarde adquirió Fillette à la corbeille fleurie. Los Steins se pelearon por esta segunda compra, ya que Leo la quería pero Gertrude no; Al final, Gertrude cedió y la compraron por 150 francos. Con el tiempo, Gertrude llegó a apreciar la pintura y más tarde adquirió la parte de Leo. En 1938, Gertude Stein escribió que "se pintó en el gran momento del período de Arlequín, lleno de gracia, delicadeza y encanto".
Más tarde, en 1905, Henri-Pierre Roché presentó a los Steins a Picasso y se hicieron amigos, comprando Femme au bras levé (1905) directamente del artista. Completó un retrato de Gertrude Stein en 1906. Las adquisiciones de los Steins marcaron los inicios del éxito comercial de Picassos y, a fines de 1906, Vollard compró sus obras.
Después de que Gertrude Stein murió, la pintura fue retenida por su finca, y luego se vendió en 1968 al Sindicato del Museo de Arte Moderno de Nueva York, pero ese año se revendió rápidamente a David Rockefeller y Peggy Rockefeller . Después de la muerte de David Rockefeller en 2017, se vendió en Christie's el 8 de mayo de 2018 con otras obras de la colección Rockefeller, logrando un precio de venta de $ 115 millones.
| Accidente de coche de plata (doble desastre) | |
|---|---|
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| Artista | Andy Warhol |
| Año | 1963 |
Silver Car Crash (Double Disaster) es una serigrafía de1963del artista estadounidense Andy Warhol . En noviembre de 2013 se vendió por $ 105 millones (£ 65.5 millones) en una subasta, estableciendo un nuevo precio más alto para una obra de Warhol. [1] [2]
Historia [ editar ]
Silver Car Crash (Double Disaster) [3] representa un cuerpo torcido en el interior destrozado de un auto plateado. Fue impreso por Andy Warhol a la edad de 35 años. Es el último serigrafía del artista que quedó en manos privadas. La serigrafía es de 8 por 13 pies (2.4 por 4.0 m) en dimensiones, y se mostró solo una vez en público durante los últimos 26 años. Esta pintura fue parte de su serie Death and Disaster .
La obra maestra del arte fue sostenida por un coleccionista europeo durante 20 años. En noviembre de 2013, cinco postores lucharon por la serigrafía en una subasta de obras de arte contemporáneo organizada por Sotheby's , con lo que el precio fue de $ 105 millones. El nombre del ganador nunca fue revelado al público.
El precio final estuvo por encima de las expectativas de los organizadores, porque el serigrafía se estimó en $ 60–80 millones. El precio rompió el récord anterior pagado por una serigrafía de Warhol, $ 100 millones pagados por Ocho Elvises .
| Wheatstacks (fin de verano) | |
|---|---|
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| Artista | Claude Monet |
| Año | 1890-91 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 60 cm x 100 cm ( 23 5 / 8 en ×39 3 / 8 in) |
| Ubicación | Instituto de Arte de Chicago |
Haystacks es el título común en inglés para una serie depinturas impresionistas de Claude Monet . El tema principal de cada pintura de la serie son las pilas de trigo cosechado(o posiblemente cebada o avena : el título original en francés, Les Meules à Giverny , simplemente significa Las pilas en Giverny). El título se refiere principalmente a una serie de veinticincolienzos ( Wildenstein Index Numbers 1266-1290) que Monet comenzó cerca del final del verano de 1890 y continuó durante la primavera siguiente, aunque Monet también produjo pinturas anteriores con este mismo tema de pila.
La serie es famosa por la forma en que Monet repitió el mismo tema para mostrar la diferente luz y atmósfera en diferentes momentos del día, a través de las estaciones y en muchos tipos de clima .
La serie se encuentra entre las obras más destacadas de Monet. Las colecciones más grandes de Haystacks se llevan a cabo en el Musée d'Orsay y el Musée Marmottan Monet en París, y en el Instituto de Arte de Chicago . Otras colecciones incluyen el Museo de Bellas Artes, Boston , [1] [2] el Museo Metropolitano y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio, [3] y el Musée de l'Orangerie de París . La colección del Instituto de Arte de Chicago incluye seis de los veinticinco Pajares . [4]
Otros museos que albergan partes de esta serie incluyen el Centro Getty en Los Ángeles , [5] el Museo Hill-Steaden Farmington, Connecticut (que también tiene uno de los cinco de la cosecha anterior de 1888-89), [6] la Galería Nacional de Escocia , [7] el Instituto de Arte de Minneapolis , [8] Kunsthaus Zürich , y el Museo Shelburne ,Vermont . [9] Las colecciones privadas contienen las pinturas restantes de Haystacks .
Fondo de Monet [ editar ]
Monet se estableció en Giverny en 1883. La mayoría de sus pinturas desde 1883 hasta su muerte, 40 años después, eran escenas a 3 kilómetros (2 millas) de su hogar. Monet era intensamente consciente y fascinada por los matices visuales del paisaje de la región y por las infinitas variaciones en los días y en las estaciones: las pilas estaban justo afuera de su puerta. [10]
Monet había pintado previamente un solo tema en diferentes luces y diferentes estados de ánimo. Sin embargo, a medida que maduraba como pintor, sus representaciones de las influencias atmosféricas estaban cada vez más preocupadas no solo por los efectos específicos, sino también por las armonías de color generales que le permitían un uso autónomo del rico color. [11] La sabiduría convencional era que las pilas eran un tema simple pero también un poco imaginativo. Sin embargo, los escritores y amigos contemporáneos del artista señalaron que el tema de Monet siempre fue cuidadosamente elegido, el producto de una cuidadosa reflexión y análisis. [12]Monet se comprometió a capturar las pilas en luz directa y luego a reexaminarlas desde el mismo punto de vista en condiciones diferentes, a menudo más apagadas, ligeras y atmosféricas. Entonces no era inusual que Monet, en busca de transiciones armoniosas dentro de la serie, alterara los lienzos en su estudio. [13]
Fondo de la serie [ editar ]
Las pilas representadas en la serie se conocen comúnmente en inglés como heno, trigo o pilas de granos. En realidad, almacenaban gavillas de grano principalmente para pan, por lo tanto trigo [o posiblemente cebada o avena ], y no heno , un alimento animal. Las pilas de 10 a 20 pies (3,0 a 6,1 m) eran una forma de mantener secas las gavillas hasta que el grano pudiera separarse de los tallos mediante la trilla . [14] El método local para almacenar y secar los granos sin trillar era usar paja, o a veces heno, como un 'techo' cubierto de paja para la pila, protegiendo el trigo, la cebada o la avena de los elementos hasta que, una vez secos, podría ser trillado. Las trilladorasLuego viajamos de aldea en aldea. Por lo tanto, aunque el grano se cosechó y las pilas se construyeron en julio, a menudo tardaron hasta la primavera siguiente o incluso más tarde, por lo que a través de todos los cambios de luz y atmósfera de verano, otoño, invierno y primavera, se alcanzaron todas las pilas. por las trilladoras. Las pilas de almacenamiento / secado de granos como estas se hicieron comunes en toda Europa en el siglo XIX y sobrevivieron hasta el inicio de las cosechadoras combinadas . Aunque las formas de las pilas eran regionales, en Normandía , donde se encuentra Giverny, era común que fueran redondas con "techos" con techo de paja bastante abruptos, tal como Monet pintaba.
Las pilas pertenecían al campesino-vecino de Monet, Monsieur Quéruel. Al darse cuenta de la forma en que cambió la luz en las pilas de M. Quéruel, Monet le pidió a su hijastra, Blanche Hoschedé, que le trajera dos lienzos, uno para condiciones de sol y otro para condiciones de cubierta. [15] Pero Monet pronto descubrió que no podía captar la luz y el estado de ánimo siempre cambiantes con solo dos lienzos: como resultado, su ayudante dispuesto traía rápidamente tantos lienzos como su carretilla podía sostener. [16] Por lo tanto, la rutina diaria de Monet llegó a involucrar a carting pinturas , caballetesy muchos lienzos sin terminar de un lado a otro, trabajando en el lienzo que más se asemejaba a la escena del momento a medida que las condiciones y la luz fluctuaban. Aunque comenzó a pintar las pilas en el aire , Monet luego revisó sus impresiones iniciales en su estudio, tanto para generar contraste como para preservar la armonía dentro de la serie. [17]
Monet produjo numerosas pinturas de Pajares . Pintó cinco pinturas (Números de índice de Wildenstein 1213-1217) con pilas como su tema principal durante la cosecha de 1888. [18] Sus paisajes anteriores (Número de índice de Wildenstein 900-995, 1073) habían incluido pilas [y también algunos hayricks descritos con mayor precisión : que son pilas más pequeñas de heno para alimento de animales] de manera auxiliar. El consenso general es que solo los lienzos producidos con la cosecha de 1890 (número de índice de Wildenstein 1266-1290) comprenden la serie de Haystacks propiamente dicha. Sin embargo, algunos comentaristas incluyen pinturas adicionales al hacer referencia a esta serie. Por ejemplo, el museo Hill-Steadhable de sus dos pinturas de pila, aunque una es de la cosecha 'adecuada' de 1890, la otra de la cosecha de 1888 [6]
La serie de Haystacks de Monet es una de las primeras en confiar en la repetición para ilustrar los matices de su percepción a través de variaciones naturales como las horas del día, las estaciones y los tipos de clima. Para Monet, el concepto de producir y exhibir una serie de pinturas relacionadas por tema y punto de vista comenzó en 1889, con al menos diez pinturas realizadas en el Valle de la Creuse , y posteriormente mostradas en la Galerie Georges Petit . [19] Este interés en el motivo serial continuaría por el resto de su carrera.
Cuestiones temáticas [ editar ]
Aunque el tema mundano fue constante a lo largo de la serie Haystack , el tema subyacente puede verse como la transitoriedad de la luz. Este concepto le permitió a Monet usar la repetición para mostrar matices de percepción según la hora del día, las estaciones y el clima cambiado. El tema casi invariable proporcionó la base para que él comparara los cambios de luz y estado de ánimo a través de sus series matizadas. [20] Las primeras pinturas de la serie comenzaron a fines de septiembre o principios de octubre de 1890, y él continuó produciendo estas pinturas durante aproximadamente siete meses. Estas pinturas hicieron de Monet el primer pintor en pintar una cantidad tan grande de cuadros del mismo tema, diferenciados por la luz, el clima, la atmósfera y la perspectiva. [17]
A principios de los años 1880 y 1890, Monet se centró en Pajares y una serie de otros temas (otra serie incluyó las mañanas en el Sena , álamos , la catedral de Rouen , la Casas del Parlamento , y los lirios de agua , entre otros). Para trabajar en muchas pinturas prácticamente simultáneamente, se despertaba antes del amanecerpara comenzar a la hora más temprana del día:
| " | ... para las madrugadas en la serie del Sena, eligió pintar antes del amanecer, lo que lo convirtió en "un sujeto más fácil y una iluminación más sencilla de lo habitual", porque a esta hora del día los efectos no cambiaban tan rápidamente; sin embargo, esto implicó que se levantara a las 3:30 am, lo que parece haber sido sin precedentes, incluso para un madrugador tan inveterado como Monet ". [21] | ” |
A medida que avanzaba la mañana y cambiaba la luz, cambiaría a ajustes de lienzo secuencialmente posteriores, a veces trabajando en hasta diez o doce pinturas por día, cada una representando un aspecto de luz ligeramente diferente. [22] El proceso se repetiría en el transcurso de días, semanas o meses, según el clima y el progreso de las pinturas hasta que se completen. A medida que cambiaban las estaciones se renovaba el proceso.
Ciertos efectos de la luz solo duran unos pocos minutos, por lo que los lienzos que documentan tales efímeros recibieron atención durante unos pocos minutos al día. [23] Para complicar aún más las cosas, la luz de los amaneceres posteriores , por ejemplo, podría alterarse sustancialmente y requeriría lienzos separados dentro de la serie. [24] Posteriormente, se evidencian diferentes tonalidades en cada pintura, y en cada obra, el color se usa para describir no solo la luz directa sino también la reflejada. En diferentes momentos del día y en varias estaciones, las pilas absorben la luz de diversas partes del espectro de colores. Como resultado, la luz residual que se refleja fuera de las pilas se ve como siempre cambiante, y se manifiesta en colores distintivos. [25]
Muchos pintores notables han sido influenciados por esta serie en particular, incluyendo Les Fauves , Derain y Vlaminck . [26] Las memorias de Kandinsky se refieren a la serie: "Lo que de repente me quedó claro fue el poder insospechado de la paleta, que no había entendido antes y que superó mis sueños más salvajes". [27]
La serie Haystacks fue un éxito financiero. [28] Quince de estos fueron exhibidos por Durand-Ruel en mayo de 1891, y cada pintura se vendió en unos días. [28] La exposición recibió gran reconocimiento público. Octave Mirbeau describió la atrevida serie de Monet como una representación de "lo que está más allá del progreso en sí mismo". Otros describieron las pilas como "caras del paisaje", representaban el campo como un retiro de los problemas cotidianos y el hogar para la satisfacción con la naturaleza. Camille Pissarro dijo: "Estos lienzos respiran contentamiento". [14] La mayoría de las pinturas se vendieron de inmediato por hasta 1.000 francos . [29]Además, los precios de Monet, en general, comenzaron a subir abruptamente. Como resultado, pudo comprar directamente la casa y los terrenos de Giverny y comenzar a construir un estanque de nenúfares . Después de años de mera subsistencia, pudo disfrutar del éxito.
La serie demuestra su intenso estudio de la luz y las condiciones atmosféricas y Monet fue un perfeccionista en sus interpretaciones. Monet destruyó más de una serie de pinturas que encontró deficientes. [30] Sin embargo, esta serie escapó de su propia dura autocrítica y destrucción.
1888-1889 pinturas [ editar ]
A partir de la cosecha de 1888, Monet produjo tres lonas con dos pilas cada una (Wildenstein # 's 1213-5) contra el telón de fondo de colinas a lo largo de la orilla izquierda del Sena y unas pocas casas de Giverny a la derecha. Luego, giró a su izquierda para capturar dos escenas (1216-7) en las que las colinas están envueltas por una línea de álamos. [31]
Serie 1890-1891 [ editar ]
El 14 de mayo de 2019, un trabajo privado de esta serie cambió de manos a $ 110.7 millones, estableciendo un récord para un trabajo de Monet y convirtiéndose en el primer trabajo impresionista en superar los $ 100 millones. [32]
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