| Diana y acteón | |
|---|---|
 | |
| Artista | Tiziano |
| Año | 1556-1559 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 185 cm × 202 cm (73 in × 80 in) |
| Ubicación | Galería Nacional, Londres |
Diana y Acteón es una pintura delmaestro del Renacimiento italiano Tiziano , terminada en 1556-1559, y está considerada entre las mejores obras de Tiziano. Retrata el momento en el queestallael cazador Acteón, dondese bañanla diosa Diana y sus ninfas. Diana está furiosa y convertirá a Acteón en un ciervo, a quien luego persiguen y matan sus propios perros, una escena que Tiziano pintó en su Muerte de Acteón ( Galería Nacional ).
Diana es la mujer del lado derecho del cuadro. Ella lleva una corona con una luna creciente en ella y está siendo cubierta por la mujer de piel oscura que puede ser su sirviente. Las ninfas muestran una variedad de reacciones y una variedad de posturas desnudas.
En 2008-2009, la Galería Nacional, Londres y la Galería Nacional de Escocia hicieron una campaña exitosa para adquirir la pintura de la Colección Bridgewater por £ 50 millones. Como resultado, Diana y Acteón permanecerán en exhibición en el Reino Unido y se alternarán entre las dos galerías en términos de cinco años.
Para 2005 [ editar ]
Diana y Acteón es parte de una serie de siete lienzos famosos, los "Poesies", que representan escenas mitológicas de Ovidio 's Metamorfosis pintada para Felipe II de España (después de Maximiliano II, emperador romano santo oferta había disminuido de Tiziano para pintarlos para él) . [1] La obra permaneció en la colección real española hasta 1704, cuando el rey Felipe V se la entregó al embajador francés. Pronto fue adquirido por Philippe II, duque de Orléans , sobrino de Luis XIV y regente de Francia durante la minoría de Luis XV , para su colección , una de las mejores jamás reunidas. Después de laRevolución francesa , la colección de Orleans fue vendida a un comerciante de Bruselas por Louis Philippe II, duque de Orléans en 1791, dos años antes de que fuera guillotinado. [2] Este comerciante luego exhibió muchas fotos de la colección (incluidos los Titians) en Londres. [3]
La mayor parte de la colección fue así comprada en 1798 por el magnate del carbón Francis Egerton, 3er Duque de Bridgewater , incluyendo esta pintura, Diana y Calisto de Tiziano (de la misma serie mitológica de siete pinturas), ocho pinturas de Poussin , tres Rafaeles y el autorretrato de Rembrandt , de 51 años . [4]
El tercer duque de Bridgewater probablemente se inspiró para comprar las pinturas de su sobrino, Earl Gower , el antepasado de los duques de Sutherland. Ciertamente, tras la muerte de Bridgewater cinco años después de la compra, legó a los Tizianos y el resto de la colección a Gower, quien la expuso al público en su casa de Londres ; desde entonces ha estado en exhibición pública. Al ver por primera vez la colección allí, William Hazlitt escribió: "Me asombré cuando vi las obras ... Me llegó un nuevo sentido, un nuevo cielo y una nueva Tierra se me presentaron". Al estallar la Segunda Guerra Mundial en septiembre de 1939, la colección se trasladó de Londres a Escocia . Entre 1945-2009, Diana y Acteón.y Diana y Calisto (con otras pinturas de la colección, conocidas colectivamente como "el préstamo de Bridgewater" o "el Préstamo Sutherland" [5] ) se exhibieron a largo plazo en la Galería Nacional de Escocia, en Edimburgo. Además de Hazlitt, durante su tiempo en exhibición pública, han inspirado a artistas como JMW Turner [6] y Lucian Freud - Freud describió a la pareja como "simplemente las imágenes más hermosas del mundo". [7]
2008 – presente [ editar ]
La colección Sutherland ha pasado por el séptimo duque de Sutherland (la mayor parte de cuya riqueza está contenida en la colección de pinturas), pero a finales de agosto de 2008, el séptimo duque anunció que deseaba vender parte de la colección para diversificar su bienes. [8] Les había ofrecido como par a las galerías nacionales británicas a £ 100 millones (un tercio de su precio de mercado estimado general) si podían demostrar, para fines de 2008, la capacidad de aumentar esa suma, si no, el par u otras pinturas de la colección de Bridgewater se pondrían en subasta pública a principios de 2009. A los pocos días de la decisión del Duque, la NGS y la Galería Nacional, Londres había anunciado que combinarían fuerzas para aumentar la suma, inicialmente en forma de £ 50 millones (o una demostración de que este dinero podría recaudarse) para comprar Diana y Acteón y pagó más de tres años en cuotas y luego £ 50 millones por Diana y Calisto pagaron de manera similar a partir de 2013. [9] [10] [11]
Aunque la campaña recibió algunas críticas por los motivos del Duque o (de John Tusa y Nigel Carrington, de la Universidad de las Artes de Londres ) por distraer a estudiantes de arte, [12] obtuvo apoyo de la prensa tanto del periódico sensacionalista como del tabloide en el Reino Unido [13] - desnudos imitativas sesiones de fotos de la misma se presentaron tanto en el Sol (utilizando del periódico Página 3 modelos photoshopped en la pintura) y el espejo (incluyendo el actor Kim Cattrall y presentado en una obra de Andrew Graham-Dixon enEl espectáculo de la cultura ). [14] [15] El 14 de octubre de 2008, la apelación recibió £ 1 millón del Art Fund [16] y el 19 de noviembre le siguieron £ 10 millones del National Heritage Memorial Fund . [17] Del 22 de octubre al 14 de diciembre de 2008 [18] se exhibió en la Sala 1 de la National Gallery de Londres para ayudar al público. La única otra pintura en esta exposición temporal fue la Relacionada " La muerte de Acteón" del la colección de la Galería Nacional de Londres, y que se ilustra en los pasajes pertinentes del libro 3 de Ovid 's Metamorfosis en elTraducción de John Dryden . [19]
La especulación comenzó cuando el plazo original del 31 de diciembre pasó sin noticias definitivas y el anuncio del gobierno escocés de una contribución de £ 17.5 millones en enero de 2009 provocó una disputa política, con Ian Davidson cuestionando el acuerdo en un momento de dificultades económicas . [20] También hubo controversia sobre los intentos de diluir la garantía de que el duque no vendería ninguna otra de las pinturas del Préstamo de Sutherland en caso de que los dos Tizianos fueran comprados. [21] [22] Sin embargo, el 2 de febrero de 2009 se anunció que, gracias al plazo extendido para recaudar más fondos y finalizar el plan de pago para Diana y Calisto , se recaudaron £ 50 millones y Diana y Acteónsería adquirido. [23] La suma final fue de £ 12.5 millones del Gobierno escocés, £ 7.4 millones de donaciones públicas, £ 12.5 millones de las Galerías Nacionales en Londres, £ 10 millones del Fondo de Patrimonio Nacional (National Heritage Memorial Fund), 2 millones de libras del Monument Trust, 4,6 millones de libras esterlinas de las Galerías Nacionales de Escocia y 1 millón de libras se obtuvieron del Fondo de Arte. [23] Diana y Acteón se exhibirán en Escocia durante cinco años, luego en Londres junto con La Muerte de Acteón durante cinco años, alternativamente.
| En el lapin agile | |
|---|---|
| Au Lapin Agile | |
,_oil_on_canvas,_99.1_x_100.3_cm,_Metropolitan_Museum_of_Art.jpg) | |
| Artista | Pablo Picasso  |
| Año | 1905 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 99.1 cm (39.0 in) × 100.3 cm (39.5 in) |
| Ubicación | Museo Metropolitano de Arte |
| Número de acceso | 1992.391 |
| Identificadores | El ID del objeto Met: 486162 |
| Sitio web | www |
Au Lapin Agile es una pintura de Pablo Picasso de 1905. El arlequín es un autorretrato del artista. La mujer representa a su amante Germaine Pichot, anteriormente la obsesión deCarlos Casagemas , un amigo de Picasso que se suicidó en 1901 debido a un amor no devuelto por Pichot. [1] En 1907, Pichot apareció como uno de los modelos en Les Demoiselles d'Avignon de Picasso . [2]
Historia de propiedad [ editar ]
Frédéric Gérard (representado en el cuadro tocando la guitarra) encargó el cuadro y lo exhibió en su cabaret Montmartre, el Au Lapin Agile , de 1905 a 1912. [3]
El 27 de noviembre de 1989, Walter H. Annenberg compró la pintura en una subasta de la familia Joan Whitney Paysonpor $ 40.7 millones. Dio la pintura al Museo Metropolitano de Arte .
| La clínica bruta | |
|---|---|
_-_Google_Art_Project.jpg) | |
| Artista | Thomas Eakins |
| Año | 1875 |
| Medio | óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 240 cm × 200 cm (8 pies x 6.5 pies) |
| Ubicación | Museo de Arte de Filadelfia y laAcademia de Bellas Artes de Pennsylvania |
The Gross Clinic , o The Clinic of Dr. Gross , es una pintura de 1875 del artista estadounidense Thomas Eakins . Es óleo sobre lienzo y mide 8 pies (240 cm) por 6,5 pies (200 cm).
Muchos historiadores del arte consideran que The Gross Clinic es una de las mejores pinturas de Estados Unidos que se hayan hecho. El Dr. Samuel D. Gross , un profesor de setenta años vestido con una levita negra, da una conferencia a un grupo de estudiantes de Jefferson Medical College . Incluido entre el grupo se encuentra un autorretrato de Eakins, que se ve en el lado derecho de la pintura, junto a la barandilla del túnel, con una manga blanca con bocetos o escritura. [1] Visto sobre el hombro derecho del Dr. Gross, está el empleado de la clínica, el Dr. Franklin West, tomando notas sobre la operación.
La firma de Eakins está pintada en la pintura, en la parte frontal de la mesa quirúrgica.
Descripción [ editar ]
Admirada por su realismo intransigente , The Gross Clinic tiene un lugar importante que documenta la historia de la medicina, ya que respalda el surgimiento de la cirugía como una profesión de curación (anteriormente, la cirugía se asoció principalmente con la amputación ) y porque muestra lo que el quirófano Parecía en el siglo XIX.
La pintura se basa en una cirugía presenciada por Eakins, en la que Gross trató a un joven por osteomielitis del fémur . Bruto se representa aquí realizando una operación conservadora en lugar de una amputación (que es como el paciente normalmente habría sido tratado en décadas anteriores).
Aquí, los cirujanos se agolpan alrededor del paciente anestesiado con sus levitas. Esto es justo antes de la adopción de un entorno quirúrgico higiénico (ver asepsia ). La Clínica Bruta a menudo se contrasta con la pintura posterior de Eakins, La Clínica Agnew (1889), que representa un teatro quirúrgico más limpio y brillante, con los participantes en " batas blancas ". [2] Al comparar los dos, se observa el avance en la comprensión de la prevención de la infección. Otra diferencia notable en la pintura posterior es la presencia de una enfermera profesional, Mary Clymer, en el quirófano.
Se supone que el paciente representado en The Gross Clinic era un adolescente, aunque el cuerpo expuesto no es completamente perceptible como hombre o mujer; La pintura es impactante tanto por la extraña presentación de esta figura como por la insensibilidad del procedimiento. [3]
Además del drama está la mujer solitaria en la pintura que se ve en el término medio, posiblemente la madre de la paciente, encogida de angustia. [3] Su figura dramática funciona como un fuerte contraste con el comportamiento calmado y profesional de los hombres que rodean al paciente. Esta representación sangrienta y muy contundente de la cirugía fue impactante cuando se exhibió por primera vez.
Recepción crítica [ editar ]
La pintura fue presentada para la Exposición del Centenario de 1876 en Filadelfia , pero fue rechazada por el Comité de Selección. Cuando finalmente se mostró en la Sala Uno del Hospital de Correos del Ejército de los EE. UU., Un crítico del New York Tribune escribió que era:
Otro crítico, escribiendo en 1885, dijo:
Estas evaluaciones no fueron universales. El crítico de The Evening Telegraph de Filadelfia , que pudo haber estado al tanto de las políticas personales involucradas en el grupo asesor de artistas que lo rechazaron, escribió:
La controversia sobre la pintura se ha centrado en su violencia y en la presencia melodramática de la mujer. Los estudiosos modernos han sugerido que la pintura puede leerse en términos de ansiedad de castración y fantasías de dominio sobre el cuerpo (por ejemplo, Michael Fried ), y que documenta la ambivalencia de Eakins sobre la representación de la diferencia sexual (por ejemplo, Jennifer Doyle ). También se ha entendido que la pintura dibuja una analogía entre la pintura y la cirugía y que identifica el trabajo del artista con el surgimiento de la cirugía como una profesión respetada.
En 2002, Michael Kimmelman de The New York Times lo calificó como "la mejor pintura estadounidense del siglo XIX". [3] En 2006, en respuesta a la venta inminente de esta pintura, The New York Times publicó una "lectura atenta" que hace un bosquejo de algunas de las diferentes perspectivas críticas sobre esta obra de arte. [7]
Procedencia [ editar ]
Después de su compra por US $ 200 en el momento de la Exposición del Centenario, la pintura se encontraba en el Edificio Universitario de Jefferson Medical College , en la Universidad Thomas Jefferson en Filadelfia, hasta que se trasladó a mediados de la década de 1980 a Jefferson Alumni Hall. Aunque indocumentados, a finales de la década de los 70, hubo un rumor de una oferta sustancial por parte de un coleccionista que deseaba donar la pintura a la Galería Nacional de Arte . El 11 de noviembre de 2006, la Junta de la Universidad de Thomas Jefferson votó a favor de vender la pintura por US $ 68 millones a la National Gallery of Art en Washington y al nuevo Museo de Arte Americano Crystal Bridges , luego en construcción en Bentonville, Arkansas.. La venta representaría un precio récord para una obra de arte hecha en los Estados Unidos antes de la Segunda Guerra Mundial. [8]
La venta propuesta fue vista como un acto secreto. [9] A fines de noviembre de 2006, comenzaron los esfuerzos para mantener la pintura en Filadelfia, incluido un fondo con una fecha límite del 26 de diciembre para recaudar dinero para comprarlo y un plan para invocar una cláusula sobre "objetos históricos" en el código de preservación histórica de la ciudad. En cuestión de semanas, el fondo recaudó $ 30 millones, y el 21 de diciembre de 2006, Wachovia Bank acordó prestar la diferencia hasta que el resto del dinero haya sido recaudado, manteniendo la pintura en la ciudad en el Museo de Arte de Filadelfia y la Academia de Pennsylvania. de bellas artes .
Las promesas por sí solas no fueron suficientes para cubrir el precio de compra de US $ 68 millones. La Academia de Bellas Artes de Pensilvania se vio obligada a renunciar a The Cello Player de Eakins a un comprador privado no identificado; y el Museo de Arte de Filadelfia , junto con los dos bocetos al óleo de Cowboys in the Badlands , de la colección de Anschutz y el Museo de Arte de Denver , junto a Eakins's Cowboy Singing . La colección Anschutz, con sede en Denver, compró Cowboys in the Badlands en una subasta del 22 de mayo de 2003 en Christie's New York por $ 5,383,500, que fue el récord anterior para un cuadro de Eakins.[10]
Una reproducción de The Gross Clinic se encuentra en el lugar del original en la Universidad Thomas Jefferson.
Restauraciones [ editar ]
La pintura ha sido restaurada tres veces. La primera restauración entre 1917 y 1925 dañó sustancialmente la pintura, haciendo que las figuras secundarias de la composición fueran inconsistentemente brillantes o de color rojizo. [11] En 1929, Susan Macdowell Eakins , la viuda del artista, escribió una carta de queja en relación con la "luz roja de fantasía" que había falsificado los tonos previstos de la pintura. [1] [11] [12]
El respaldo de la pintura fue reforzado con madera contrachapada por H. Stevenson en 1915. Esto fue reemplazado en 1940 por Hannah Mee Horner , quien pegó la pintura a una base de madera contrachapada. En dos décadas, este respaldo comenzó a deformarse y amenazó con romper el cuadro por la mitad. [13]
En 1961, a pedido de Jefferson Medical College, el Museo de Arte de Filadelfia (PMA) emprendió otra restauración, bajo la tutela de Theodor Siegl. [14] Mark Tucker, un conservador posterior de PMA, describió el trabajo como "una misión de rescate ... Estaban evitando que la pintura se partiera por la mitad. Estas fueron las cabezas de clavos que empezaron a trabajar en el lienzo y se muestran como protuberancias en la parte delantera ... Sí. Era espeluznante ". [15] Siegl usó un plano de poder para remover el contrachapado hasta la última capa delgada. El resto de la madera y el tenaz pegamento fueron cuidadosamente removidos a mano. Siegl y sus colegas también restauraron, en cierta medida, las caras en la parte superior derecha del lienzo. [12] [15]
En 2009, en respuesta a las inquietudes a largo plazo relacionadas con las inconsistencias en la disposición de la pintura de la oscuridad y la luz, los conservadores del Museo de Arte de Filadelfia llevaron a cabo la restauración de The Gross Clinic desde julio de 2009 hasta julio de 2010, tiempo durante el cual la pintura no fue visible públicamente. [11] La restauración buscó revertir los cambios realizados por el Jefferson Medical College durante la restauración de 1917. Se restauró la definición de partes, incluido el autorretrato de Eakins, utilizando como referencia una copia en tinta de la pintura realizada por el artista, así como una fotografía tomada por el Museo Metropolitano de Arte antes de los cambios de la Escuela de Medicina en 1917.
No hay comentarios:
Publicar un comentario