| Naranja, rojo, amarillo | |
|---|---|
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| Artista | Mark Rothko |
| Año | 1961 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones | 236,2 cm x 206,4 cm (93 en × 81 1 / 4 in) |
| Ubicación | Colección privada |
Naranja, rojo, amarillo es unapintura de campo de color de1961de Mark Rothko . El 8 de mayo de 2012, se vendió enChristie's de la finca de David Pincus por $ 86,882,500, [1] unprecio nominal récord para el arte contemporáneo deposguerraen una subasta pública.
Historia [ editar ]
La obra fue adquirida por Marlborough Fine Art en Londres de la galería Marlborough-Gerson en Nueva York. Marlborough Fine Art vendió la obra a David Pincus en 1967. [1] Pincus es considerado como uno de los principales coleccionistas estadounidenses en la segunda mitad del siglo XX. [2] El trabajo no ha estado en el mercado en los 45 años desde la adquisición de Pincus. [2] [1] Ha sido expuesto en alguna ocasión. De febrero a marzo de 1964, se expuso en la Marlborough New London Gallery de Londres en una exposición de Mark Rothko. De septiembre a noviembre de 1986 fue exhibido por el Museo de Arte de Filadelfia., en su exposición "Philadelphia Collects: Art Since 1940". De junio a diciembre de 1996, fue exhibido por el Museo de Arte Palmer en la Universidad Estatal de Pennsylvania en University Park, Pennsylvania, para su exposición "Abstracción a la figuración: selecciones de arte contemporáneo de la colección Pincus". Más tarde también fue concedido en préstamo en el Museo de Arte de Filadelfia. [1]
Subasta 2012 [ editar ]
Esto superó el precio récord de 2007 para un trabajo de Rothko de $ 72.8 millones cuando David Rockefellervendió White Center (Amarillo, Rosa y Lavanda en Rosa) . [3] [4] [5] El precio del martillo fue de $ 77.5 millones, y el precio fue de $ 86.8 millones, incluida la prima del comprador. [2] Estableció un nuevo récord para la posguerra / arte contemporáneo [3] [5] en una subasta pública, al ignorar la inflación. El precio más alto pagado por una pintura post-guerra en una venta privada se cree que es $ 140 millones (~ $ 160 millones en mayo 2012 dólares) por Jackson Pollock 's No. 5, 1948 en noviembre de 2006. En dólares constantes, el precio récord del arte de la posguerra en una subasta pública se mantuvo con Triptych, 1976 por Francis Bacon , vendido en Sotheby's por $ 86.3 millones en mayo de 2008 (~ $ 92 millones en mayo de 2012).
Se esperaba que el precio de la pintura de Rothko superara los $ 45 millones según las estimaciones de preventa. [4] [2] Cuando el precio récord de la subasta de 2012 alcanzó los $ 70 millones, tres postores se mantuvieron competitivos. [6] La oferta se extendió por más de seis minutos y medio, [5] que es "... uno de los partidos de licitación más largos que se hayan visto en una venta de arte contemporáneo". [2]
Comentario crítico [ editar ]
Souren Melikian, de The New York Times, describió Rothko's Orange, Red, Yellow como una que "... puede argumentarse convincentemente que es la más poderosa de todas sus imágenes", [2] Kelly Crow, de The Wall Street Journal, declaró que "The el trío de cuadros de rectángulos anaranjados y amarillos que se balancean sobre un fondo rojo cereza forma una paleta tan llamativa como una puesta de sol o una paleta de hielo ". opuesto al gris ".
| Le Bassin Aux Nymphéas | |
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| Artista | Claude Monet |
| Año | 1919 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 100 cm × 300 cm (39 in × 120 in) |
Le Bassin Aux Nymphéas ( Water Lily Pond ; 1919) es una de las series depinturasde Water Lilies delartistaimpresionista francés Claude Monet . [1] [2] Es un óleo sobre lienzo que mide 100x300 cm.
Exhibido [ editar ]
- París, Galerie Bernheim-Jeune , Monet, enero - febrero de 1921, no. 44 o 45.
- Pittsburgh , Instituto Carnegie , Arte y ciencia en los jardines, junio - julio de 1922, no. 101.
- Nueva York, Durand Ruel Galleries, Waterlilies por Claude Monet , febrero de 1924, no. 1-4.
- París, Galerie Durand-Ruel , Hommage à Claude Monet, 1926. Filadelfia , Arts Club, Monet, Exposición conmemorativa, abril de 2001
- Sotheby's , Nueva York, mayo de 1971, (exposición de la subasta)
- Londres, Christie's, junio de 2008, (Subasta de exposiciones)
- Pintado en 1919 en Giverny , se ha visto en público solo una vez en los últimos 80 años.
Procedencia [ editar ]
- 1919 - adquirido del artista en noviembre por Bernheim-Jeune, París.
- 1921 - en enero, se dice que es propiedad conjunta de Bernheim-Jeune y Galerie Durand-Ruel, París
- 1922 - propiedad exclusiva de Galerie Durand-Ruel, París (núm. 11874 y D13373), en 1922.
- Desconocido - Jean d'Alayer (Mme d'Alayer, née Marie-Louise Durand-Ruel), París
- Desconocido - Sam Salz, Inc., Nueva York.
- 1968 - Sr. y Sra. Norton Simon, Los Ángeles, circa 1968
- 1971 - Sotheby's, Nueva York, 5 de mayo de 1971, lote 41.
- 1971 - La Sra. Elizabeth Clementine Miller Tangeman, Columbus, Indiana, adquirió de lo anterior por $ 320,000
- 1993 - J. Irwin y Xenia S. Miller, adquiridos de lo anterior, agosto de 1993.
- 2008 - Christie's, Londres, 24 de junio de 2008, lote 16. por £ 36.5m, el precio general aumentó a más de £ 40m con impuestos.
- 2008 - Arts & Management International Ltd. para coleccionistas privados
Artículos sobre este trabajo [ editar ]
- M. Ciolkowska, "Monet: His Garden, His World", en International Studio , febrero de 1923, núm. 309, pp. 371–377 (ilustrado p. 378).
- D. Rouart, J.-D. Rey y R. Maillard, Monet: Nymphéas , París, 1972, (ilustrado p. 174).
- M. Hoog, Monet, París, 1978, no. 80 (ilustrado).
- R. Gordon y CF Stuckey, "Blossoms and Blunders: Monet and the State", en Art in America , enero - febrero de 1979, pág. 110.
- D. Wildenstein, Claude Monet: biographie et catalog raisonné , vol. IV, 1899-1926, Lausana y París, 1985, no. 1890, p. 288 (ilustrado p. 289).
- D. Wildenstein, Claude Monet: catálogo razonado, vol. IV , Colonia, 1996, no. 1890 (ilustrado p. 897).
- S. Muchnic, Odd Man In: Norton Simon y la búsqueda de la cultura , Berkeley y Los Ángeles, 1998, pp. 192–193.
- P. Hayes Tucker, "La revolución en el jardín: Monet en el siglo XX", en exh. cat., Monet en el siglo XX , Royal Academy of Arts, Londres, 1999, pp. 79 y 218.
Ventas de subasta póstumos [ editar ]
- 1971 - Sotheby's, Nueva York, mayo de 1971, $ 320,000
- 2008: Christie's, Londres, junio de 2008, $ 80,451,178 se convirtió en un récord de subasta para una pintura de Claude Monet, y el segundo precio más alto para una obra de arte en Europa.
Se vendió el 24 de junio de 2008 en las salas de subastas de Christie's en Londres por 40,9 millones de libras, [1] un récord mundial para una pintura de Monet.
| Chop Suey | |
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| Artista | Edward Hopper  |
| Año | 1929 |
| Medio | Pintura de aceite |
| Dimensiones | 81.3 cm (32.0 in) × 96.5 cm (38.0 in) |
Chop Suey (1929) es una pintura de Edward Hopper . El primer plano de la obra muestra a dos mujeres conversando en un restaurante. En noviembre de 2018, se vendió a un precio récord por la obra del artista.
Asunto [ editar ]
La escena muestra a dos mujeres en una mesa en un restaurante con otra pareja al fondo. Las únicas características que se muestran con particular detalle son la cara de la mujer pintada, el abrigo colgando sobre ella, la espalda de su acompañante [para el espectador], las características de la pareja en el fondo, la tetera sobre la mesa, el panel de la ventana inferior enmascarado , y la señal del restaurante exterior. Estas son todas las características que traerían un elemento sensorial (además de la vista) a la memoria pintada. El zumbido de la luz exterior, las voces de la gente en el fondo, la textura del abrigo, el sabor del té y el olor del humo del cigarrillo (en poder del hombre) y la luz confusa de la ventana enmascarada.
La obra de arte de Edward Hopper es conocida por sus escenas realistas que tocan temas de aislamiento y autoestima más que un contexto narrativo. A menudo describió su arte como una "transcripción [de sus] impresiones más íntimas de la naturaleza", lo que significa que relacionó el proceso de pintar con el de la memoria. [3] Esta idea podría describirse más detalladamente de otra manera como cuando, por ejemplo, extraes algo de una memoria personal, puedes recordar ciertos detalles, pero todo lo que se encuentra fuera del foco principal es un fondo en blanco. Chop Suey captura este concepto de memoria, haciendo que el espectador se centre en elementos particulares de la iconografía sensorial, mientras que representa un tema de aislamiento debido al ser propio.
Interpretación [ editar ]
Según el estudioso de arte David Anfam, un "detalle sorprendente de Chop Suey es que su sujeto femenino se enfrenta a su doppelgänger ". [4] Otros han señalado que no sería tan inusual que dos mujeres usaran sombreros similares, y que es presuntuoso reclamar doppelgängers cuando la cara de un sujeto no es visible para el espectador. [5] La pintura tiene un tema interior, está dentro de un café y no se enfoca en ninguna figura dada. Al igual que con muchas de las obras de Hopper, la pintura presta especial atención a los efectos de la luz en sus sujetos.
Al detallar solo la iconografía sensorial, la pintura da un paso atrás desde el realismo puro, ya que al pintar la memoria completa también está destruyendo los detalles finos que la hacen activamente realista. Rolf G. Renner, autor de "Hopper", afirma que "... parte de lo que se trata" de "las imágenes [de Hopper] es la muerte o decadencia que representan todas las pinturas en cierto sentido, ya que destruyen la inmediatez de la percepción a través de la transformación en una imagen". [6]
Aunque la escena de la pintura tiene lugar en un entorno social, prevalece la sensación de soledad. La mujer vestida de verde frente al espectador está sentada con su compañera, pero no parece estar interactuando con ella. Al igual que con la pareja en el fondo, el hombre se ve apartado de la mujer con la que se sienta. Cada figura humana está aislada y alejada una de otra y reservada dentro de sí misma. Esto se retrata con caras ocultas u oscuras, retrayendo una esencia humana de las figuras. Esto se aplica aún más a la mujer en detalle; A pesar de que tenemos una vista completa de su rostro, hay un desprendimiento de ella debido a su marcado maquillaje.
La piel de alabastro con el rouge en negrita y el labio pintado sugieren solo la impresión de una mujer, similar a una muñeca, solo sugiere la apariencia de una niña. Normalmente en contexto con el estilo de la era (finales de la década de 1920), esto podría tomarse como un estilo moderno y animado, “los suéteres ajustados de las mujeres, los sombreros de copa y las caras confeccionadas, que en una época anterior habrían marcado como sexualmente disponibles, se habían convertido en la corriente principal ". [7] Pero Hopper niega que al hacer que la cara de la mujer tenga el mismo valor de blanco que otras características en blanco en el fondo, así ahueque su esencia humana. El espectador la interpreta como "espaciada" o escuchando sin intención en lugar de hacer contacto visual e interactuar con el espectador, como si no estuviera enfocada en su entorno. [8]
La composición de Chop Suey abarca además la memoria conceptual de Hopper en lugar de un realismo completo. El equilibrio se mantiene a través de la sección central de la pintura, con más áreas sin detalles justo por encima de la línea de visión del ojo, estas áreas están marcadas con marcas de pincel más ásperas. El espacio negativo / no detallado en el fondo se suma a esto porque el ojo simplemente pasa sobre ellos y se enfoca más en los detalles presentados. Estos espacios son simples porque son las características de fondo que no se han asignado a la memoria. Se mantiene el "peso" en presencia de los detalles contenidos entre las figuras en las mesas hasta los detalles en el diseño del letrero exterior, la chaqueta colgante y la cubierta inferior de la ventana. Esto da el efecto de que el espectador vea la escena y todos los aspectos importantes, ignorando el contexto exterior. Esto se describe en un artículo deRevista USA Today : "La breve interrupción en la acción, la cara con forma de máscara del protagonista y las geometrías abstractas en las ventanas contribuyen a la sensación de que la narrativa que se desarrolla no se trata de estas acciones específicas o de este lugar, sino de un mundo moderno. estado de ánimo". [9]
Con esto en mente, el espectador puede asumir la narrativa detrás de esta memoria en particular. En una bibliografía de Gail Levin , se describe la ubicación de Chop Suey, "... el escenario recordó el económico restaurante chino del segundo piso que los Hopper habían estado frecuentando en Columbus Circle". [10] Esto podría explicar el enfoque principal en la mujer (posiblemente su esposa, Jo) y la opacidad de los alrededores. Si fuera un lugar que Edward Hopper hubiera visitado con frecuencia, no habría razón para concentrarse en el entorno, sino en el momento de la escena.
Venta [ editar ]
Barney A. Ebsworth era el dueño de la pintura y se lo había prometido al Museo de Arte de Seattle . [11] Sin embargo, a su muerte, la propiedad se transfirió a su patrimonio. En noviembre de 2018, la pintura se vendió por $ 92 millones, un nuevo récord para una obra del artista. [2] [12]
Recreaciones [ editar ]
Un parachoques jugado en el canal de cable Turner Classic Movies , titulado The Sunny Side of Life , se inspiró en Chop Suey y otras pinturas de Hopper.
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