La pintura de jarrón de figura roja es uno de los estilos más importantes de la pintura de jarrón griega figurativa .
Se desarrolló en Atenas alrededor del año 520 a. C. y permaneció en uso hasta finales del siglo III a. C. Reemplazó el estilo previamente dominante de la pintura de jarrones de figuras negras en unas pocas décadas. Su nombre moderno se basa en las representaciones figurativas en color rojo sobre fondo negro, en contraste con el estilo anterior de figura negra con figuras negras sobre fondo rojo. Las áreas de producción más importantes, aparte de Attica , se encontraban en el sur de Italia . El estilo también fue adoptado en otras partes de Grecia . Etruria se convirtió en un importante centro de producción fuera del mundo griego .
Los jarrones de figuras rojas del ático se exportaron a toda Grecia y más allá. Durante mucho tiempo, dominaron el mercado de la cerámica fina. Solo unos pocos centros de producción de cerámica podrían competir con Atenas en términos de innovación, calidad y capacidad de producción. De los jarrones de figuras rojas producidos solo en Atenas, más de 40,000 especímenes y fragmentos sobreviven hoy. Desde el segundo centro de producción más importante, el sur de Italia, se conservan más de 20,000 jarrones y fragmentos. Comenzando con los estudios de John D. Beazley y Arthur Dale Trendall , el estudio de este estilo de arte ha progresado enormemente. Algunos jarrones se pueden atribuir a artistas o escuelas individuales. Las imágenes proporcionan evidencia para la exploración de la historia cultural griega , la vida cotidiana., iconografía y mitología .
Técnica [ editar ]
La figura roja es, en pocas palabras, el reverso de la técnica de la figura negra. Ambos se lograron utilizando la técnica de disparo trifásico . Las pinturas se aplicaron a los vasos moldeados pero sin cocer después de que se secaron hasta obtener una textura coriácea y casi frágil. En Attica , la arcilla normal no quemada era de color naranja en esta etapa. Los contornos de las figuras previstas se dibujaron con un raspador romo, dejando un ligero surco, o con carbón, que desaparecería por completo durante el disparo. Luego, los contornos se volvieron a dibujar con un pincel, usando un deslizamiento de arcilla brillante. Ocasionalmente, el pintor decidió cambiar algo la escena figurativa. En tales casos, las ranuras del boceto original a veces permanecen visibles. Los contornos importantes a menudo se dibujaban con un deslizamiento más grueso, lo que conducía a un contorno ligeramente sobresaliente (línea de relieve); líneas menos importantes y detalles internos fueron dibujados con arcilla brillante diluida.
En este punto se aplicaron detalles en otros colores, como blanco o rojo. La línea de relieve probablemente se dibujó con un cepillo de cerdas o un cabello, sumergido en pintura gruesa. La sugerencia de una aguja hueca parece algo improbable. [1] La aplicación de contornos de relieve era necesaria, ya que la arcilla brillante bastante líquida habría resultado demasiado aburrida. Después de la fase inicial de desarrollo de la técnica, se utilizaron ambas alternativas para diferenciar las gradaciones y los detalles con mayor claridad. El espacio entre las figuras se llenó con un deslizamiento de arcilla gris brillante. Luego, los vasos fueron sometidos a cocción de triple fase, durante la cual la arcilla brillante alcanzó su color negro o negro-marrón característico a través de la reducción , el color rojizo por un re- final de la oxidación . [2] Dado que esta fase de oxidación final se disparó utilizando temperaturas más bajas, las partes vidriadas del florero no se reoxidaron de negro a rojo: su superficie más fina se fundió (sinterizó) en la fase de reducción y ahora se protegió del oxígeno.
La nueva técnica tenía la ventaja principal de permitir una ejecución mucho mejor de los detalles internos. En la pintura de jarrones de figuras negras, tales detalles tenían que ser rayados en las superficies pintadas, lo que siempre era menos preciso que la aplicación directa de detalles con un pincel. Las representaciones de figuras rojas eran generalmente más vivas y realistas que las siluetas de figuras negras. También se contrastaban más claramente con los fondos negros. Ahora era posible representar a los humanos no solo de perfil, sino también en perspectiva frontal, posterior o de tres cuartos. La técnica de la figura roja también permitió la indicación de una tercera dimensión en las figuras. Sin embargo, también tenía desventajas. Por ejemplo, la distinción del sexo mediante el uso de slip negro para la piel masculina y pintura blanca para la piel femenina ahora era imposible. La tendencia actual de representar héroes y deidades desnudos y de edad juvenil también hizo que sea más difícil distinguir los sexos a través de prendas o peinados. En las fases iniciales, también hubo errores de cálculo con respecto al grosor de las figuras humanas.
En la pintura de jarrones de figuras negras, los contornos dibujados previamente eran parte de la figura. En los floreros de figuras rojas, el contorno, después de disparar, formaría parte del fondo negro. Esto llevó a jarrones con figuras muy delgadas desde el principio. Otro problema fue que el fondo negro no permitía la representación del espacio en ninguna profundidad, por lo que la perspectiva espacial casi nunca se intentó. No obstante, las ventajas superaron a las desventajas. La representación de los músculos y otros detalles anatómicos ilustra claramente el desarrollo del estilo. [3]
Ática [ editar ]
La pintura de jarrones con figuras negras se había desarrollado en Corinto en el siglo VII a. C. y rápidamente se convirtió en el estilo dominante de la decoración de cerámica en todo el mundo griego y más allá. Aunque Corinto dominaba el mercado general, los mercados regionales y los centros de producción sí se desarrollaron. Inicialmente, Atenas copió el estilo corintio, pero gradualmente llegó a rivalizar y superar el dominio de Corinto. Los artistas del ático desarrollaron el estilo con una calidad sin precedentes, alcanzando la cima de sus posibilidades creativas en el segundo tercio del siglo VI a. C. Exekias , activo alrededor de 530 aC, puede ser visto como el representante más importante del estilo de figura negra.
En el siglo V, la cerámica fina del ático, ahora predominantemente roja, mantuvo su dominio en los mercados. La cerámica del ático se exportó a Magna Graecia e incluso a Etruria . La preferencia por los floreros áticos condujo al desarrollo de talleres o "escuelas" locales del sur de Italia y Etruria, fuertemente influenciados por el estilo ático, pero produciendo exclusivamente para los mercados locales.
Comienzos [ editar ]
Los primeros jarrones de figuras rojas se produjeron alrededor de 530 a. C. La invención de la técnica normalmente está acreditada por el pintor Andokides . Él y otros representantes tempranos del estilo, por ejemplo, Psiax , inicialmente pintaron jarrones en ambos estilos, con escenas de figuras negras en un lado y figuras rojas en el otro. Tales jarrones, por ejemplo, el ánfora del vientre del pintor Andokides (Munich 2301) , se llaman jarrones bilingües . Aunque muestran importantes avances contra el estilo de la figura negra, las figuras todavía parecen algo forzadas y rara vez se superponen. Las composiciones y técnicas del estilo antiguo permanecieron en uso. Por lo tanto, las líneas incisas son bastante comunes, como lo es la aplicación adicional de pintura roja ("rojo agregado") para cubrir grandes áreas. [4]
Fase pionera [ editar ]
Los artistas del llamado " Grupo Pionero " dieron el paso hacia una explotación plena de las posibilidades de la técnica de la figura roja. Eran activa entre alrededor de 520 y 500 antes de Cristo. Representantes importantes incluyen Euphronios , Eutímides y Fincias . Este grupo, reconocido y definido por la erudición del siglo XX, experimentó con las diferentes posibilidades que ofrece el nuevo estilo. Por lo tanto, las figuras aparecieron en nuevas perspectivas, como vistas frontales o traseras, y hubo experimentos con escorzos de perspectiva y composiciones más dinámicas. Como innovación técnica, Euphronios introdujo la "línea de alivio". Al mismo tiempo, nuevas formas de jarrón fueron inventados, un desarrollo favorecido por el hecho de que muchos de los pintores del grupo pionero también eran activos como alfareros.
Las nuevas formas incluyen el psykter y el pelike . Grandes krater y ánforas se hicieron populares en este momento. Aunque no hay indicios de que los pintores se entendieran a sí mismos como un grupo de la misma manera que lo hace la erudición moderna, hubo algunas conexiones e influencias mutuas, tal vez en una atmósfera de competencia amistosa y estímulo. Así, un jarrón de Euthymides está inscrito "como Euphronios nunca [habría podido]" . En términos más generales, el grupo pionero tendió a usar inscripciones. El etiquetado de figuras mitológicas o la adición de inscripciones de Kalos son la regla más que la excepción. [4]
Además de los pintores de jarrones, algunos pintores de cuenco también usaron el nuevo estilo. Estos incluyen Oltos y Epiktetos . Muchos de sus trabajos eran bilingües, a menudo usando figuras rojas solo en el interior del tazón.
Arcaico tardío [ editar ]
La generación de artistas después de los pioneros, activos durante el período Arcaico Tardío ( alrededor de 500 a 470 a. C.) llevó el estilo a un nuevo florecimiento. Durante este tiempo, los floreros de figuras negras no lograron alcanzar la misma calidad y finalmente fueron expulsados del mercado. Algunos de los pintores de jarrones áticos más famosos pertenecen a esta generación. Entre ellos se encuentran el pintor berlinés , el pintor Kleophrades , y entre los pintores de cuencos Onésimos , Douris , Makron y el pintor Brygos . La mejora de la calidad se acompañó de una duplicación de la producción durante este período. Atenas se convirtió en el productor dominante de cerámica fina en el Mediterráneomundo, eclipsando casi todos los demás centros de producción. [5]
Una de las características clave de este estilo de pintura de florero ático más exitoso es el dominio del escorzo en perspectiva, lo que permite una representación mucho más naturalista de figuras y acciones. Otra característica es la reducción drástica de figuras por vaso, de detalles anatómicos y de decoraciones ornamentales. Por el contrario, se aumentó el repertorio de escenas representadas. Por ejemplo, los mitos que rodean a Teseo se hicieron muy populares en este momento. Con frecuencia se emplearon formas de jarrón nuevas o modificadas, incluida la ánfora Nolan (ver Tipología de formas de jarrón griegas ), lekythoi , así como cuencos de los tipos askos y dinos . Se incrementó la especialización en pintores de jarrones y cuencos separados. [5]
Clásico Temprano y Alto [ editar ]
La característica clave de las figuras clásicas tempranas es que a menudo son algo más robustas y menos dinámicas que sus predecesoras. Como resultado, las representaciones ganaron seriedad, incluso patetismo . Los pliegues de las prendas se representaron de forma menos lineal, apareciendo así más plástico. La manera de presentar escenas también cambió sustancialmente. En primer lugar, las pinturas dejaron de centrarse en el momento de un evento en particular, sino que, con una tensión dramática, mostraron la situación inmediatamente antes de la acción, lo que implica y contextualiza el evento en sí. Además, algunos de los otros logros nuevos de la democracia ateniense comenzaron a mostrar una influencia en la pintura de jarrones. Por lo tanto, influencias de la tragedia y de la pintura mural.puede ser detectado Dado que la pintura mural griega se pierde casi por completo hoy en día, su reflexión sobre los floreros constituye una de las pocas, aunque modestas, fuentes de información sobre ese género de arte. Otras influencias en la pintura del jarrón del clásico clásico incluyen el Partenón recién erigido y su decoración escultórica . Esto es especialmente visible en la representación de prendas de vestir; el material ahora cae de forma más natural y se representan más pliegues, lo que aumenta la "profundidad" de la representación. Las composiciones generales se simplificaron aún más. Los artistas pusieron especial énfasis en la simetría , la armonía y el equilibrio . Las figuras humanas habían vuelto a su esbeltez anterior; a menudo irradian una serenidad divina y absorta en sí mismos.[5]
Los pintores importantes de este período, aproximadamente del 480 al 425 a. C., incluyen al pintor de Providence , Hermonax y al pintor de Aquiles , todos siguiendo la tradición del pintor de Berlín. El pintor Phiale , probablemente un alumno del pintor de Aquiles, también es importante. También se desarrollaron nuevas tradiciones de taller. Los ejemplos notables incluyen a los llamados " manieristas ", el más famoso entre ellos el Pan Painter . Otra tradición fue iniciada por el pintor Niobid y continuada por Polygnotos , el pintor Kleophon y el pintor Dinos.. El papel de los cuencos disminuyó, aunque todavía se produjeron en grandes cantidades, por ejemplo, en el taller del pintor Penthesilea . [5]
Clásico Tardío [ editar ]
Durante el período Clásico Tardío, en el último cuarto del siglo V, se crearon dos tendencias opuestas. Por un lado, se desarrolló un estilo de pintura en florero fuertemente influenciado por el "Estilo rico" de la escultura, por otro, algunos talleres continuaron los desarrollos del período Clásico Alto, con un mayor énfasis en la representación de la emoción y un rango de escenas eróticas El representante más importante del estilo rico es el pintor Meidias.. Las características incluyen prendas transparentes y múltiples pliegues de tela. También hay un aumento en la representación de joyas y otros objetos. El uso de colores adicionales, principalmente blanco y dorado, que representan accesorios en bajo relieve, es muy llamativo. Con el tiempo, hay un marcado "ablandamiento": el cuerpo masculino, hasta ahora definido por la representación de los músculos, gradualmente perdió esa característica clave. [5]
Las pinturas representaban escenas mitológicas con menos frecuencia que antes. Las imágenes del mundo privado y doméstico se hicieron cada vez más importantes. Las escenas de la vida de las mujeres son especialmente frecuentes. Las escenas mitológicas están dominadas por imágenes de Dionisos y Afrodita . No está claro qué causó este cambio de tema representado entre algunos de los artistas. Las sugerencias incluyen un contexto con los horrores de la Guerra del Peloponeso , pero también la pérdida del papel dominante de Atenas en el comercio de la cerámica mediterránea (en sí mismo, en parte, resultado de la guerra). El papel cada vez mayor de los nuevos mercados, por ejemplo, Iberia., implicaba nuevas necesidades y deseos por parte de los clientes. Estas teorías se contradicen por el hecho de que algunos artistas mantuvieron el estilo anterior. Algunos, por ejemplo, el pintor Eretria , intentaron combinar ambas tradiciones. Los mejores trabajos del período Clásico Tardío a menudo se encuentran en vasos más pequeños, como lekythoi del vientre , pixidos y oinochai . Lekanis , Bell krater (ver Tipología de formas de jarrones griegos ) e hydria también fueron populares. [6]
La producción de cerámica de figuras rojas convencionales cesó alrededor de 360 a. C. Los estilos rico y simple existieron hasta ese momento. Los representantes tardíos incluyen el pintor Meleager (estilo rico) y el pintor Jena (estilo simple).
Estilo Kerch [ editar ]
Las últimas décadas de la pintura de jarrones con figuras rojas del ático están dominadas por el estilo Kerch . Este estilo, actual entre 370 y 330 a. C., combinaba los estilos ricos y modestos anteriores, con una preponderancia de los ricos. Composiciones abarrotadas con grandes figuras escultóricas son típicas. Los colores agregados ahora incluyen azul, verde y otros. El volumen y el sombreado se indican mediante el uso de arcilla brillante diluida. Ocasionalmente, se agregan figuras enteras como apliques, es decir, como relieves figurales delgados unidos al cuerpo del florero. La variedad de formas de vasos en uso se redujo drásticamente. Las formas pintadas comunes incluyen pelike , cáliz krater , lekythos del vientre , skyphos , hydria y oinochoe. Las escenas de la vida femenina son muy comunes. Los temas mitológicos todavía están dominados por Dionisos ; Ariadne y Heracles son los héroes más representados. El pintor más conocido de este estilo es el pintor Marsyas . [6]
Los últimos jarrones atenienses con representaciones figurativas se crearon alrededor del 320 a. C. a más tardar. El estilo continuó un poco más, pero con decoraciones no figurativas. Los últimos ejemplos reconocidos son de pintores conocidos como el Grupo YZ .
Artistas y obras [ editar ]
El Kerameikos era el barrio de los alfareros de Atenas. Contenía una variedad de pequeños talleres, y probablemente algunos más grandes. En 1852, durante la actividad de construcción en la calle Ermou , se descubrió el taller del pintor Jena . Los artefactos de él ahora se exhiben en la colección de la Universidad de la Universidad Friedrich Schiller de Jena . [7] Según la investigación moderna, los talleres eran propiedad de los alfareros. Se conocen los nombres de unos 40 pintores de jarrones del ático, a partir de inscripciones en jarrones , generalmente acompañadas por las palabras ἐγραψεν (égrapsen, ha pintado). En contraste, la firma del alfarero, ἐποίησεν(epoíesen, ha hecho) ha sobrevivido en más del doble, es decir, alrededor de 100 macetas (ambos números se refieren a la totalidad de la pintura del florero figural del ático). Aunque las firmas se conocían desde c. 580 aC (primera firma conocida por el alfarero Sophilos ), su uso aumentó a un vértice alrededor de la fase pionera. Una actitud cambiante, aparentemente cada vez más negativa, hacia los artesanos condujo a una reducción de las firmas, comenzando durante el período clásico a más tardar. [8] En general, las firmas son bastante raras. El hecho de que se encuentren principalmente en piezas especialmente buenas indica que expresaron el orgullo del alfarero y / o pintor. [9]
El estado de los pintores en relación con el de los alfareros sigue siendo poco claro. El hecho de que, por ejemplo, Eufronio pudiera trabajar como pintor y alfarero, sugiere que al menos algunos de los pintores no eran esclavos . Por otro lado, algunos de los nombres conocidos indican que hubo al menos algunos antiguos esclavos y algunos perioikoi entre los pintores. Además, algunos de los nombres no son únicos: por ejemplo, varios pintores firmados como Polygnotos . Esto puede representar intentos de sacar provecho del nombre de ese gran pintor. Lo mismo puede ser el caso donde los pintores llevan nombres famosos, como Aristófanes (pintor de jarrones). Las carreras de algunos pintores de jarrones son bastante conocidas. Además de los pintores con períodos relativamente cortos de actividad (una o dos décadas), algunos se pueden rastrear durante mucho más tiempo. Los ejemplos incluyen Douris , Makron , Hermonax y el pintor de Aquiles . El hecho de que varios pintores más tarde se convirtieran en alfareros, y los casos relativamente frecuentes en los que no está claro si algunos alfareros también eran pintores o viceversa , sugieren una estructura de carrera, tal vez comenzando con un aprendizaje que involucra principalmente pintura, y llegando a ser alfarero. Esta división de trabajos parece haberse desarrollado junto con la introducción de la pintura de figuras rojas, ya que muchos pintores de alfareros se conocen desde el período de la figura negra (incluyendoExequias , Nearchos y tal vez el Amasis Pintor ). La mayor demanda de exportaciones habría dado lugar a nuevas estructuras de producción, fomentando la especialización y la división del trabajo, lo que llevaría a una distinción a veces ambigua entre pintor y alfarero. Como se mencionó anteriormente, la pintura de los vasos probablemente era principalmente responsabilidad de los asistentes o aprendices más jóvenes. Se pueden sugerir algunas conclusiones adicionales sobre los aspectos organizativos de la producción de cerámica. Parece que, en general, varios pintores trabajaron para un taller de cerámica, como lo indica el hecho de que con frecuencia, varios pintores pintan varias macetas aproximadamente contemporáneas del mismo alfarero. Por ejemplo, las macetas hechas por Euphronios han sido pintadas porOnésimos , Douris , el pintor Antífona , el pintor Triptolemos y el pintor Pistoxenos . Por el contrario, un pintor individual también podría cambiar de un taller a otro. Por ejemplo, el pintor de cuencos Oltos trabajó para al menos seis alfareros diferentes. [9]
Aunque desde una perspectiva moderna, los pintores de jarrones a menudo se consideran artistas y, por lo tanto, sus jarrones como obras de arte , esta visión no es coherente con la que se tenía en la antigüedad. Los pintores de jarrones, como los alfareros, eran considerados artesanos, sus productos como bienes comerciales. [10] Los artesanos deben haber tenido un nivel de educación razonablemente alto, ya que se produce una variedad de inscripciones. Por un lado, las inscripciones de Kalos mencionadas anteriormente son comunes, por otro lado, las inscripciones a menudo etiquetan las figuras representadas. Algunos ejemplos de filas sin sentido de letras aleatorias muestran que no todos los pintores de jarrones podrían escribir. Los jarrones indican una mejora constante de la alfabetización a partir del siglo VI a. C. [11]No se ha aclarado satisfactoriamente si los alfareros, y tal vez los pintores de jarrones, pertenecían a la élite ática . ¿Las representaciones frecuentes del simposio , una actividad definida de la clase alta, reflejan la experiencia personal de los pintores, sus aspiraciones de asistir a tales eventos o simplemente las demandas del mercado? [12] Una gran proporción de los jarrones pintados producidos, como psykter , krater , kalpis , stamnos , así como kylikes y kantharoi , fueron fabricados y comprados para ser utilizados en simposios. [13]
Los jarrones pintados elaboradamente eran buenos, pero no los mejores, los artículos de mesa disponibles para un griego. Los recipientes de metal, especialmente de metales preciosos, se tenían en mayor consideración. No obstante, los jarrones pintados no eran productos baratos; Los especímenes más grandes, especialmente, eran caros. Alrededor de 500 a. C., un gran jarrón pintado cuesta aproximadamente un dracma , equivalente al salario diario de un albañil. Se ha sugerido que los floreros pintados representan un intento de imitar recipientes de metal. Normalmente se supone que las clases sociales más bajas tendían a utilizar productos gruesos simples no decorados, de los cuales se encuentran cantidades masivas en las excavaciones . Los artículos de mesa hechos de materiales perecederos, como la madera, pueden haber estado aún más extendidos. [14]No obstante, los hallazgos múltiples de jarrones de figuras rojas, generalmente no de la más alta calidad, encontrados en los asentamientos, prueban que tales recipientes se usaron en la vida diaria. Una gran proporción de la producción fue ocupada por sectas y vasijas. En cualquier caso, se puede suponer que la producción de cerámica de alta calidad era un negocio rentable. Por ejemplo, un costoso regalo votivo del pintor Euphronios fue encontrado en la Acrópolis ateniense . [15] No cabe duda de que la exportación de dicha cerámica hizo una contribución importante a la riqueza de Atenas. No sorprende que muchos talleres parezcan haber dirigido su producción a los mercados de exportación, por ejemplo, produciendo formas de buques que eran más populares en la región objetivo que en Atenas. La desaparición del siglo IV antes de Cristo de la pintura del florero del ático coincide con el mismo período en que los etruscos , probablemente el principal mercado de exportación occidental, se vieron sometidos a una presión cada vez mayor por parte de los griegos y romanos del sur de Italia . Una razón adicional para el final de la producción de jarrones decorados figuradamente es un cambio en los gustos al comienzo del período helenístico.. La razón principal, sin embargo, debe verse en el progreso cada vez más infructuoso de la Guerra del Peloponeso, que culminó en la devastadora derrota de Atenas en el 404 a. C. Después de esto, Sparta controló el comercio occidental, aunque sin tener la fortaleza económica para explotarlo completamente. Los alfareros del ático tuvieron que encontrar nuevos mercados; Lo hicieron en el área del Mar Negro . Pero Atenas y sus industrias nunca se recuperaron completamente de la derrota. Algunos alfareros y pintores ya se habían mudado a Italia durante la guerra, buscando mejores condiciones económicas. Un indicador clave de la naturaleza orientada a la exportación de la producción de jarrones del ático es la ausencia casi total de escenas de teatro. Compradores de otros orígenes culturales, como etruscos o clientes posteriores en la Península Ibérica, habría encontrado tal representación incomprensible o poco interesante. En la pintura de jarrones del sur de Italia, que en su mayoría no estaba destinada a la exportación, tales escenas son bastante comunes.
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