Arte - Géneros pictóricos

Alegorías en el arte

La inocencia entre la virtud y el vicio es un cuadro de la pintora Marie-Guillemine Benoist, realizado en 1790, que se encuentra en una colección privada.

En esta obra mitológica de Benoist, una de las primeras realizadas por la pintora, se manifiesta un espíritu feminista que se reflejará en gran parte de su obra cuyo principal protagonista será la mujer. Por ello, el vicio, generalmente representado en forma de mujer, aquí lo es por un hombre que persigue a la inocencia y la virtud.¹

La temática es representada por otros pintores desde otras ópticas, como Paolo Veronese en Alegoría de la Virtud y el Vicio.

Joven sosteniendo una calavera es un cuadro del pintor neerlandés Frans Hals. Está realizado al óleo sobrelienzo. Mide 92,2 cm de alto y 80,8 cm de ancho. Fue pintado hacia 1626. En 1980 lo adquirió la National Galleryde Londres, Gran Bretaña, donde se exhibe con el título de Young Man holding a Skull (Vanitas).

Esta pintura no es un retrato, sino una alegoría de la vanidad, como recuerda la calavera que sostiene el joven, recuerdo de la transitoriedad de la vida y la certidumbre de la muerte. Este tipo de obra se conoce con el nombre de vanĭtas (palabra latina que significa vanidad), un nombre derivado de un verso en el Antiguo Testamento: «Vanidad de vanidades», dijo el Predicador; «todo es vanidad» (Eclesiastés, 12:8). La advertencia del cuadro es, por lo tanto, que se debe pensar en la muerte en todo momento, incluso durante la juventud.¹

Frans Hals sigue aquí un tema tradicional de la pintura holandesa: la representación de jóvenes con calaveras, como puede verse ya en grabados de principios del siglo XVI. Lo adoptaron también los caravagistas de la escuela de Utrecht, vistiendo a sus modelos con ropa exótica. No obstante, Hals se aparta de ellos en cuanto a que no adopta un fondo no es oscuro, sino claro, por lo que la figura no se desarrolla desde la oscuridad hacia la luz.¹

Destaca igualmente en esta pintura la habilidad del pintor a la hora de representar la mano, extendida, y el cráneo, ya en la superficie del cuadro.

Júpiter, Mercurio y la Virtud es un cuadro del pintor Dosso Dossi, realizado entre 1515 y 1518, que se encuentra en el Castillo de Wawel, en Cracovia (Polonia).

Efectuado por encargo de Alfonso I de Este¹ representa a Júpiter pintando unas mariposas mientras Mercurio pide a la Virtud que no interrumpa al dios supremo.

La iconografía permite distinguir a los personajes con claridad. Júpiter es representado en la mayoría de las ocasiones con barba, y a los pies tiene una representación del rayo, atributo del dios.²

Mercurio es rápidamente identificado por el casco alado y el caduceo en su mano.³ La escena mitológica se ubica en la elección entre la Virtud y el Vicio, en la que acude la primera en ayuda de Júpiter.

Alegoría de la fe, también conocida como Alegoría de la fe católica, es una pintura creada por el artista neerlandés Johannes Vermeer, en 1670-72, aproximadamente. La pintura se localiza actualmente en elMetropolitan Museum of Art en Nueva York, y ha estado ahí desde 1931.¹

Esta pintura, junto con la única otra alegoría de Vermeer, El arte de la pintura, son sus únicas obras que caen bajo la pintura de historia contemporánea jerarquía de géneros, aunque todavía tienen su composición típica una o dos figuras en un interior doméstico. Ambas comparten varias características: la perspectiva es casi la misma y el lado izquierdo de cada pintura es un tapiz multicolor, puesto a un lado para revelar la escena. El arte de la pinturatambién contiene símbolos de Cesare Ripa (Clio, musa of history). Love Letter de Vermeer usa la misma o una paleta similar de dorado.² La Alegoría de la fe y El arte de la pintura son dos pinturas que difieren notablemente en estilo y propósito comparado con otras obras de Vermee. Ambas muestran un complejo significado, pero ésta en específico "revela que el enfoque habitual del artista, en efectos naturalistas, era una opción de estilo, y se dejaba a un lado cuando se necesita otro enfoque en la obra"al dejarse de lado cuando el sujeto pidió otro enfoque".¹ El arte de la pintura todavía se puede apreciar como una representación naturalista de un artista y su modelo, y con poses muy simple , mientras que la pose de las figuras de la Alegoría de la fe es barrocamentedramático.

Descripción

La pintura muestra a una mujer en un vestido fino de satén blanco y azul con adornos de oro. Está sentada en una plataforma, a un paso más alto que el suelo de mármol blanco y negro, con el pie derecho en un globo terrestre y su mano derecha sobre su corazón, mientras mira hacia arriba, con adoración, a una esfera de cristal colgando del techo por una cinta azul. Su brazo izquierdo descansa en el borde de una mesa que sostiene un cáliz de oro, un libro grande, y un crucifijo de madera oscura . Detrás de la cruz se encuentra un tapiz dorado de cuero.² Bajo el libro se encuentra una pieza larga de tela, posiblemente la estola de un sacerdote.¹ En la parte superior del libro, se encuentra una corona de espinas. Todos estos artículos están en la plataforma, que está cubierto por una alfombra verde y amarilla, la cual sus bordes caen al piso. En la parte inferior de la imagen, más cerca del espectador, hay una manzana, y todavía más cerca, una serpiente que ha sido aplastada por una piedra angular. En la obscura pared del fondo detrás de la mujer se encuentra una gran pintura de la crucifixión de Cristo. A la izquierda del espectador, hay un tapiz multicolor retirado en la parte interior y al parecer, la cosa más cercana en la pintura al espectador.² Una silla con un paño azul está por debajo y detrás del tapiz y a la izquierda de la serpiente y piedra angular.

Iconografía

El arte de la pintura de Vermeer

De la iconología de Cesare Ripa

La iconografía de Vermeer en la pintura es mayormente tomada del libro emblemático de Cesare Ripa Iconología (una colección con ilustraciones alegóricas con la moral adjunta, o poemas con temas morales) que han sido traducidos al holandésen 1644 por D. P. Pers. El artista utiliza diferentes símbolos que Ripa describe e ilustra en su libro, junto con símbolos tomados de otros libros y tradiciones. Dos de las cuatro figuras alegóricas de la Fe ("Fede. Geloof" y "Fede Catholica. Catholijck of algemeen Geloof") dadas en el libro de Ripa, proporcionan muchos de los símbolos de la pintura, incluyendo el color de la ropa de la mujer, su gesto de la mano, y la presencia de la serpiente aplastada y la manzana.²

En su libro, Ripa afirma que la fe es la más importante de las virtudes. Una imagen del libro la muestra como una mujer, vestida de blanco ( que significa luz y pureza ) y azul (que se refiere al cielo, como Ripa afirma en otro texto). La mano de la fe en el pecho simboliza que la virtud reside en su corazón. Cristo está presente en la piedra angular que aplasta a la serpiente (un símbolo del Diablo), y la manzana (el fruto que Eva dio a Adán ) representa el pecado original,² el cual en la doctrina Cristina, se requiere un sacrifico del Salvador.¹ Ripa describe la fe como "tener el mundo a los pies", y Vermeer utiliza el símbolo literalmente, que muestra un globo terráqueo bajo el pie derecho de la mujer. (El globo, con su distintiva cartela (etiqueta decorativa) ha sido identificado como la creación de Hendrick Hondius.).²

De otras fuentes

El crucifijo, pintura de la Crucifixión y de la esfera de cristal, no se mencionan por Ripa, y Vermeer cambió la iconografía que Ripa dio: En lugar de la sugerencia de Ripa, que la Fe sostiene el cáliz y descanse su mano en un libro, Vermeer los puso en la mesa junto a ella. Según Arthur Wheelock, académico de la Universidad de Maryland y restaurador de una exposición de Vermeer en el National Gallery of Art en Washington, dice que " la imagen de un personaje de la Eucaristía no se encuentra en el texto." Al poner el cáliz de oro contra el fondo oscuro del marco de la pintura y el crucifijo oscuro contra el telón de fondo dorado de cuero, a los elementos se les da un mayor protagonismo en la pintura. Wheelock, citando a su colega académico de la University of Maryland, Quint Gregory, cree que el ligero solapamiento del cáliz y el telón de fondo de oro del crucifijo "puede sugerir simbólicamente el papel esencial de la Eucaristía en la reducción de los reinos físicos y espirituales", una idea muy católica.² Selena Cant llama al hecho de que el libro, el cáliz y el crucifijo representan la misa católica.³

La pose de la mujer ( la mano en el corazón y los ojos en relieve) es similar a la imagen de la Teología de Ripa. La pose era rara en el arte holandés, pero Vermeer era considerado un experto en la pintura italiana, en la que se utiliza a menudo la imagen (especialmente las de Guido Reni [1575–1642], cuyas obras fueron propiedad de Holanda).² Wheelock cree que el libro grande, con el cierre de metal, es una Biblia, pero el Metropolitan Museum of Art establece en su sitio web que el libro pordría ser el Misal Romano.¹

La iconografía de la pintura no es sólo católica, pero algunos creen que está fuertemente influenciado por las ideas de los jesuitas. Saliendo de la alusión de Ripa a la historia de Abraham e Isaac (una historia del Antiguo Testamento que anticipa sacrificio fiel de Cristo en la cruz), Vermeer en su lugar, utiliza una imagen de la propia Crucifixión - una imagen querida por los jesuitas. Vermeer utilizó la Crucifixión, una pintura de alrededor de 1620 por Jacob Jordaens ( 1593-1678 ). El pintor puede haber sido propietario de una copia de la pintura.² (Esto puede ser " el gran cuadro que representa a Cristo en la Cruz " descrito en un inventario de su casa a su muerte, otros dos artículos en el inventario pueden estar en esta pintura :El "cuero de oro labrado en la pared " de la cocina de su casa, y un "crucifijo de madera de ébano").³

Otra influencia jesuita en la pintura, se dice que es la esfera de cristal en la cual la mujer fija la mirada. De acuerdo con Eddy De Johgh, Vermeer parece haberla tomado de un libro emblemático Jesuita de Willem Hesius de 1636, Emblemata sacra de fide, spe, charitate. En el emblema, "Capit Quod Non Capit", un niño alado símbolo del alma, se muestra que sosteniendo una esfera que refleja una cruz y el sol. En un poema que acompaña al emblema, Hesius afirma que la capacidad de la esfera para reflejar el mundo es similar a la capacidad de la mente para creer en Dios.⁴ Selena Cant ha escrito que la esfera es un "símbolo de la mente humana y su capacidad tanto para reflexionar como para contener al infinito "³

El collar de perlas de la mujer probablemente refiera a las perlas como símbolo antiguo de la virginidad, según Cant No hay fuente de luz en su vestido, tal vez indicando que ella está iluminada interiormente³ — una fuerte indicación al espectador que no está para ser considerada como un individuo, sino como un símbolo, de acuerdo con Walter Liedtke.⁵

Recepcióm

Varios historiadores han considerado la pintura como una de las menos exitosas de Vermeer. Cant, por ejemplo, la llama " más dura, más frágil, menos convincente. La misma fe se ve incómoda: Finamente vestida, ella parece demasiado mundana para ser un símbolo espiritual, demasiado sólida para parecer transportada, la intimidad demasiado forzada y su expresión demasiado artificial ."³ Según Wheelock, " Las exigencias iconográficas de este tema tensan la credibilidad de su enfoque realista. Si bien es esencial el contenido simbólico de la pintura, la pose de la mujer y la serpiente aplastada parecen incongruentes dentro del entorno holandés."² Walter Liedtke se opuso al punto de Wheelock, al afirmar que el artista le dio un enfoque muy realista, principalmente en lo que representa el globo terrestre y los reflejos en la esfera de cristal. En cambio, según Liedtke, esta pintura es mejor en comparación con pinturas holandesas contemporáneas que ilustran conceptos abstractos, incluyendo La alegoría de la paz de Adriaen Hanneman (1664; todavía situada en el Eerste Kamer en Binnenhof), una imagen histriónica que muestra la ambigüedad de Vermeer era en esta obra; y La alegoría de la fama del arte venciendo al tiempo y envidia (1675; Museo Historisches, Bamberg); El triunfo de la justicia de Gabriel Metsu (finales de 1650; Mauritshuis, The Hague); La Anunciación de Adriaen van de Velde (1667; Rijksmuseum, Amsterdam) así como trabajos de Van Honthorst y De Lairesse.⁵

Procedencia

El uso imaginativo de Vermeer del simbolismo en la pintura, indica Wheelock, que no se le dieron al pintor instrucciones específicas sobre la alegoría, sino que él mismo eligió los distintos elementos. El propietario original es desconocido, pero puede haber sido un católico en Delft, posiblemente los jesuitas en la ciudad.² La pintura fue una de los que, aparentemente, no entra en las 21 obras de la colección del principal patrón de Vermeer, Pieter Claesz van Ruijven ( 1624-1674 ), y fue subastada en la venta Dissius de 1696. Su primer propietario conocido fue Herman van Stoffelsz van Swoll (1632-1698), un jefe de correos y protestante. Swoll estaba familiarizado con coleccionar arte, por el hecho de que el padrino de su boda en 1656 era un coleccionista famoso, Gerrit Reynst. Al año siguiente de la muerte de Swoll, en 1699, el cuadro fue subastado en Amsterdam, junto con otras obras de la colección de Swoll (que incluía obras italianas). El catálogo de la venta, describe la pintura como "Una mujer que sentada con significados profundos, que representan el Nuevo Testamento" , y también como, "poderosa y elogiosamente pintado". Después de pasar tiempo en una colección desconocida, la pintura (que se describe como "representante del Nuevo Testamento") fue subastada en 1718, de nuevo en Amsterdam. Fue subastado nuevamente en 1735 (descrita como " artísticamente y minuciosamente pintada"), y en la venta Letswaart de 1749 (que se describe como " tan bueno como Eglón van der Neer " ) . La fortuna mezclada de la reputación de Vermeer en el siglo XVIII, se puede ver en los precios pagados por las pinturas en las diferentes subastas: f 400 en 1699; f500 en 1718; f53 en 1735; f70 en 1749).²

Para principios del siglo XIX, la pintura habría encontrado su camino a Austria, donde se presenta al fondo de El retrato del cartógrafo y su esposa de Ferdinand Georg Waldmüller en 1824 (actualmente en Westfälisches Landesmuseum, Münster). Los atlas representados en esta pintura contienen mapas principalmente de Vorarlberg y Tirol, en el extremo occidental de Austria, por lo que tal vez la pintura era de esa zona, según Wheelock.² Al final del siglo, la pintura (en ese momento erróneamente atribuido a Eglón van der Neer ) era parte de la colección de Dmitrii Tchoukine en Moscú, por lo que era la única obra de Vermeer perteneciente a un ruso. En 1899 se puso a la venta por un concesionario, Wächtler , en Berlín. Ese año Bredius Abraham la compró por unos 700 DM. En un periódico holandés de aquel momento, elogió a Bredius por la compra : "Con esta adquisición de la nueva Delft de Vermeer, el Nuevo Testamento, como Eglón van der Neer, Dr. Bredius ha encontrado una vez más a un acuerdo con su ojo perspicaz ." Bredius luego prestó la obra al Mauritshuis, donde permaneció durante los próximos 24 años, hasta 1923, donde Bredius se la dio al Museum Boijmans Van Beuningen en Rotterdam como un préstamo a largo plazo²

Bredius no le gustaba la obra, llamándola (en 1907) como "una gran pero desagradable obra de Vermeer". En 1928, la vendió a través del distribuidor Kleinberger a Michael Friedsam en Nueva York² quien la llevó en 1931 como parte de la Colección Friedsam, en el Museo Metropolitano de Arte, donde permanece hasta la fecha.