Cuadros de José de Ribera
Combate de mujeres es una pintura de José de Ribera realizada en óleo sobre lienzo. Se conserva en el Museo del Prado en Madrid.
La pintura, fechada y firmada, fue realizada en Nápoles en 1636, como parte de un ciclo de más de treinta cuadros sobre la historia de Roma encargada a Giovanni Lanfranco,Domenichino, el propio Ribera y otros artistas.
Se representa un episodio legendario ocurrido en Nápoles en 1552: dos mujeres,Isabella de Carazzi y Diambra de Pottinella, en presencia del Marqués del Vasto, se retan a un duelo por el amor de un hombre llamado Fabio Zeresola. El tema de la pintura también ha sido interpretado como una alegoría de la lucha entre el Vicio y la Virtud.
El Calvario, también conocida como La Expiración de Cristo es un lienzo del pintor español José de Ribera(1591-1652). Fue una de sus primeras obras dentro de su producción pictórica. Pertenece a la escuela española delsiglo XVII.1 Según Gabriele Finaldi, director de la National Gallery, la obra constituye la pintura mayor y más ambiciosa del pintor en la década de 1610.2
Historia
José de Ribera pintó el El Calvario alrededor de 1618, en Nápoles, adonde había llegado en 1616, desde Roma. Fue un encargo del entonces virrey de Napolés (1616-1620), Pedro Téllez Girón, III duque de Osuna.
Antes de 1627, se sabe que Catalina Enríquez de Ribera, viuda del duque de Osuna, llevó a la Colegiata de Osuna desde Italia cinco cuadro de Ribera, para que se colocaran en su altar mayor, que no contaba con retablo en aquella fecha. En 1721, con motivo del comienzo de las obras de renovación de la cabecera de la iglesia el lienzo fue trasladado dentro de la Colegiata. Cuando un año después se finalizó el nuevo retablo mayor, el lienzo fue traslado a la Capilla de Santa Ana, tras comprobarse que el cuadro no cabía en el retablo realizado. Tras pasar también por la capilla de Ánimas, fue finalmente instalado definitivamente en la capilla de la Virgen de la Antigua, donde permanece actualmente.1
Según las afirmaciones del viajero romántico inglés Richard Ford, durante la Guerra de la Independencia, el cuadro fue muy maltratado siriviendo de blanco a los fusileros franceses.1
En 1851, los duques de Osuna perdieron el patronato de la Colegiata y el conjunto de bienes muebles e inmuebles de la misma pasó al Arzobispado de Sevilla, que encomendó la tutela al Patronato de Arte de Osuna.
Descripción
Esta obra constituye una de las primeras obras de importancia de Ribera, que ofrece una composición y recursos pictóricos claramente barrocos que acusan fórmulas tenebristas y naturalistas de gran calidad.1
Representa el momento previo a la muerte de Cristo, que se manifiesta en el cuerpo contorsionado, el rostro tomando el último aliento y mirando al cielo. Los otros personajes que aparecen en la composición de derecha a izquierda son María Magdalena, arrodillada y abrazada a la cruz, San Juan evangelista, María la madre de Cristo, que dirige su mirada al infinito y otra mujer de la que solo se percibe una parte de su rostro que podría ser María de Cleofás. En un segundo plano, apenas apreciable, como oculta en la tiniebla, se encuentra una silueta que se puede identificar con otra mujer.3
Como modelos de influencia para pintar este cuadro destacan Guido Reni, cuya Crucifixión (1616) influyó en Ribera, mientras que la figura de Cristo supone una reelaboración en clave naturalista de la que realizó
Miguel Ángel 41 para Vittoria Colonna.
El escultor ciego (también conocido como Alegoría del tacto o El ciego de Gambazzo) es un cuadro de José de Ribera, «El Españoleto», pintado al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 125 x 98 cm. Firmado y datado en 1632, actualmente se conserva en el Museo del Prado de Madrid.
Historia
Su origen exacto es desconocido y su primera constancia documentada aparece en un inventario de 1764 deEl Escorial. De allí pasó al Museo del Prado en 1837.1 Tradicionalmente esta obra era conocida como el "Ciego de Gambazzo" pues se pensó que se trataba de un retrato del escultor ciego Giovanni Gomelli de Gambazzo, pero esta idea ha sido rechazada ya que cuando se pintó el cuadro, Gambazzo apenas contaba treinta años y el personaje representado es visiblemente mayor.1 2
También se ha especulado con la posibilidad de que se tratara de una representación del filósofo Carnéadesque fue capaz, después de quedarse de ciego, de reconocer al dios Pan simplemente palpando el busto de una estatua.1 Lo más probable, es que el cuadro perteneciera a alguna de las series que el pintor realizó con el tema de "Los Cinco Sentidos" y este sería una clara personificación del sentido del tacto, por lo que el cuadro también es conocido como "Alegoría del Tacto".1 2
Descripción y estilo
La obra representa a un hombre, claramente invidente, retratado de más de medio cuerpo que palpa la cabeza de una escultura (se cree que de Apolo). El hombre está representado sobre un fondo neutro en contraste con la brillante iluminación que entra por la izquierda en una clara muestra del estilo tenebrista de Caravaggio. La naturalidad en la expresión del hombre ciego, la concentración en el acto que realiza y el delicado gesto de acariciar la figura, que el maestro valenciano supo captar con total maestría, hacen pensar que el modelo era una persona ciega en la vida real.3
En general, la obra está considerada como una de las más significativas de la primera madurez de Ribera, al mismo nivel que el Arquímedes del Prado.
No hay comentarios:
Publicar un comentario