El ballet ( francés: [balɛ] ) es un tipo de danza de interpretación que se originó durante el Renacimiento italiano en el siglo XV y luego se convirtió en una forma de danza de concierto en Francia y Rusia. Desde entonces se ha convertido en una forma de baile muy técnica y generalizada con su propio vocabulario basado en la terminología francesa . Ha tenido una influencia global y ha definido las técnicasfundamentales utilizadas en muchos otros géneros y culturas de baile. El ballet se ha enseñado en varias escuelas de todo el mundo, que históricamente han incorporado sus propias culturas y, como resultado, el arte ha evolucionado de varias maneras distintas. Ver glosario de ballet.
Un ballet , una obra , consiste en la coreografía y la música para una producción de ballet. Los ballets son coreografiados y realizados por bailarines de ballet entrenados . Los ballets clásicos tradicionales generalmente se realizan con acompañamiento de música clásica y usan trajes elaborados y puesta en escena, mientras que los ballets modernos, como las obras neoclásicas del coreógrafo estadounidense George Balanchine , a menudo se realizan en trajes simples (por ejemplo, leotardos y mallas) y sin el uso de Conjuntos elaborados o decorados.
Etimología [ editar ]
Ballet es una palabra francesa que tuvo su origen en el balletto italiano , un diminutivo de globos (danza) que proviene del latín balloon , ballare , que significa "bailar", [1] [2] que a su vez proviene del griego "βαλλίζω" ( ballizo), "bailar, saltar". [2] [3] La palabra entró en uso en inglés por los franceses alrededor de 1630.
Historia [ editar ]
El ballet se originó en las cortes renacentistas italianas de los siglos XV y XVI. Bajo la influencia de Catalina de 'Medici como Reina, se extendió a Francia, donde se desarrolló aún más. [4] Los bailarines en estos primeros ballets de la corte eran en su mayoría nobles aficionados. Los disfraces ornamentados estaban destinados a impresionar a los espectadores, pero restringían la libertad de movimiento de los artistas. [5]
Los ballets se realizaron en grandes salas con espectadores en tres lados. La implementación del arco de proscenio de 1618 en artistas distantes de los miembros de la audiencia, que podrían ver y apreciar mejor las hazañas técnicas de los bailarines profesionales en las producciones. [ cita requerida ]
El ballet de la corte francesa alcanzó su apogeo bajo el reinado del rey Luis XIV . Louis fundó la Académie Royale de Danse (Royal Dance Academy) en 1661 para establecer estándares y certificar a los instructores de baile. [6] En 1672, Louis XIV convirtió a Jean-Baptiste Lully en el director de la Académie Royale de Musique ( Ópera de París ) de donde surgió la primera compañía profesional de ballet , el Ballet de la Ópera de París . [7] Pierre Beauchamp sirvió como maestrode ballet de Lully. Juntos, su asociación influiría drásticamente en el desarrollo del ballet, como lo demuestra el crédito que se les otorga por la creación de las cinco posiciones principales de los pies. En 1681, las primeras "bailarinas" subieron al escenario después de años de entrenamiento en la Academia. [5]
El ballet comenzó a declinar en Francia después de 1830, pero continuó desarrollándose en Dinamarca, Italia y Rusia. La llegada a Europa de los Ballets Rusos dirigidos por Sergei Diaghilev en vísperas de la Primera Guerra Mundial revivió el interés por el ballet y comenzó la era moderna. [8]
En el siglo XX, el ballet tuvo una gran influencia en otros géneros de danza, [9] También en el siglo XX, el ballet dio un giro dividiéndolo del ballet clásico a la introducción de la danza moderna , dando lugar a movimientos modernistas en varios países. [10]
Los famosos bailarines del siglo XX incluyen a Anna Pavlova , Galina Ulanova , Rudolf Nureyev , Maya Plisetskaya , Margot Fonteyn , Rosella Hightower , Maria Tall Chief , Erik Bruhn , Mikhail Baryshnikov , Suzanne Farrell , Gelsey Kirkland , Natalia Makarova y Arthur Mitchell . [11]
Estilos [ editar ]
Las variaciones estilísticas y los subgéneros han evolucionado con el tiempo. Las variaciones clásicas tempranas se asocian principalmente con el origen geográfico. Ejemplos de esto son el ballet ruso , el ballet francés y el ballet italiano . Variaciones posteriores, como el ballet contemporáneo y el ballet neoclásico, incorporan tanto el ballet clásico como la técnica y el movimiento no tradicional. Quizás el estilo de ballet más conocido y realizado es el ballet romántico tardío (o Ballet blanc ).
Ballet clásico [ editar ]
El ballet clásico se basa en la técnica y el vocabulario del ballet tradicional . [12] Han surgido diferentes estilos en diferentes países, como el ballet francés , el ballet italiano , el inglés y el ruso . Varios de los estilos de ballet clásico están asociados con métodos de entrenamiento específicos, generalmente nombrados por sus creadores (ver más abajo). El método de la Real Academia de Danzaes un sistema de entrenamiento y técnica de ballet que fue fundado por un grupo diverso de bailarines de ballet. Combinaron sus respectivos métodos de baile (italiano, francés, danés y ruso) para crear un nuevo estilo de ballet que es exclusivo de la organización y es reconocido internacionalmente como el estilo inglés de ballet. [8] Algunos ejemplos de producciones de ballet clásico son: Swan Lake , The Sleeping Beauty y The Nutcracker .
Ballet romántico [ editar ]
El ballet romántico fue un movimiento artístico del ballet clásico y varias producciones permanecen en el repertorio clásico de hoy. La era romántica estuvo marcada por la aparición del trabajo de puntas , el dominio de bailarinas y tutus más largos y fluidos que intentan ejemplificar la suavidad y un aura delicada. [5] Este movimiento se produjo entre principios y mediados del siglo XIX (la era romántica ) y presentó temas que enfatizaban la emoción intensa como fuente de experiencia estética . Las tramas de muchos ballets románticos giraban en torno a mujeres espirituales (sílfides, wilis y fantasmas) que esclavizaban los corazones y los sentidos de los hombres mortales. El ballet de 1827 La Sylphidees ampliamente considerado como el primero, y el ballet de 1870.Coppélia es considerada la última. [4] Los famosos bailarines de ballet de la era romántica incluyen a Marie Taglioni , Fanny Elssler y Jules Perrot . Jules Perrot también es conocido por su coreografía, especialmente la de Giselle , a menudo considerada como el ballet romántico más famoso. [5]
Ballet neoclásico [ editar ]
El ballet neoclásico suele ser abstracto, sin una trama clara, vestuario o escenario. La elección de música puede ser diversa y a menudo incluirá música que también es neoclásica (por ejemplo , Stravinsky , Roussel ). Tim Scholl, autor de From Petipa to Balanchine , considera el Apolo de George Balanchine en 1928 como el primer ballet neoclásico. Apolo representó un retorno a la forma en respuesta a los ballets abstractos de Sergei Diaghilev . Balanchine trabajó con la coreógrafa de danza moderna Martha Graham y trajo a bailarines modernos a su compañía, como Paul Taylor , quien en 1959 actuó en Balanchine'sEpisodios . [13]
Si bien Balanchine se considera ampliamente la cara del ballet neoclásico, hubo otros que hicieron contribuciones significativas. Frederick Ashton ‘s Symphonic Variations (1946) es una obra fundamental para el coreógrafo. Establecido en el puntaje de César Franck del mismo título, es una interpretación puramente dance del puntaje. [5]
Otra forma, el Ballet Moderno , también surgió como una rama del neoclasicismo. Entre los innovadores en esta forma se encontraban Glen Tetley , Robert Joffrey y Gerald Arpino . Si bien es difícil analizar el ballet moderno del neoclasicismo, el trabajo de estos coreógrafos favoreció un mayor atletismo que se apartó de la delicadeza del ballet. La fisicalidad era más atrevida, con el humor, el tema y la música más intensos. Un ejemplo de esto sería Astarte de Joffrey (1967), que contó con un puntaje de rock y connotaciones sexuales en la coreografía. [8]
Ballet contemporáneo [ editar ]
Este estilo de ballet a menudo se realiza descalzo. Los ballets contemporáneos pueden incluir mimo y actuación , y generalmente se ponen a la música (típicamente orquestal pero ocasionalmente vocal). Puede ser difícil diferenciar esta forma del ballet neoclásico o moderno. El ballet contemporáneo también está cerca de la danza contemporáneaporque muchos conceptos de ballet contemporáneo provienen de las ideas e innovaciones de la danza moderna del siglo XX, incluido el trabajo en el piso y el giro de las piernas. La principal distinción es que la técnica del ballet es esencial para realizar un ballet contemporáneo.
Se considera que George Balanchine fue un pionero del ballet contemporáneo. Otra coreógrafa de ballet contemporáneo temprana, Twyla Tharp , coreografió Push Comes To Shove para el American Ballet Theatre en 1976 y en 1986 creó In The Upper Room para su propia compañía. Ambas piezas fueron consideradas innovadoras por su fusión de movimientos claramente modernos con el uso de zapatillas de punta y bailarines de formación clásica.
Hoy en día hay muchas compañías de ballet y coreógrafos contemporáneos. Estos incluyen Alonzo King y su compañía LINES Ballet ; Matthew Bourne y su compañía New Adventures ; Tez ballet contemporáneo ; Nacho Duato y su Compañía Nacional de Danza ; William Forsythe y The Forsythe Company ; y Jiří Kylián del Teatro Nederlands Dans . Las compañías tradicionalmente "clásicas", como el Ballet Mariinsky (Kirov) y el Ballet de la Ópera de París, también realizan regularmente obras contemporáneas.
El término ballet ha evolucionado para incluir todas las formas asociadas con él. Ahora se espera que alguien entrenando como bailarín de ballet realice un trabajo neoclásico, moderno y contemporáneo. Se espera que un bailarín de ballet sea majestuoso y regio para el trabajo clásico, libre y lírico en el trabajo neoclásico, y sin pretensiones, duro o peatón para el trabajo moderno y contemporáneo. Además, hay varias variedades modernas de danza que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza contemporánea, como Hiplet , que requieren que los bailarines se practiquen en estilos de danza no occidentales. [14]
Métodos técnicos de instrucción de ballet [ editar ]
Hay seis métodos ampliamente utilizados y reconocidos internacionalmente para enseñar o estudiar ballet. Estos métodos son la escuela francesa , el método Vaganova , el método Cecchetti , el método Bournonville , el método de la Real Academia de Danza (estilo inglés) y el método Balanchine (estilo americano). Existen muchas más escuelas de técnica en varios países.
Método francés [ editar ]
El método francés es la base de todo entrenamiento de ballet. Cuando Louis XIV creó la Académie Royale de Danse en 1661, ayudó a crear la técnica codificada que todavía usan los profesionales de la actualidad, independientemente del método de entrenamiento al que se adhieran. La escuela francesa fue particularmente revitalizada bajo Rudolf Nureyev , en la década de 1980. Su influencia revitalizó y renovó el aprecio por este estilo, y ha moldeado drásticamente el ballet en su conjunto. [15] De hecho, la escuela francesa ahora a veces se conoce como la escuela Nureyev. El método francés a menudo se caracteriza por precisión técnica, fluidez y gracia, y líneas elegantes y limpias. Para este estilo, a menudo se utiliza un juego de pies rápido para dar la impresión de que los artistas se desplazan ligeramente por el escenario. [16] Dos marcas comerciales importantes de esta técnica son la forma específica en que se realizan el port de bras y el épaulement, más redondeados que cuando se baila en un estilo ruso, pero no tan redondeados como el estilo danés. [17]
Método Vaganova [ editar ]
El método Vaganova es un estilo de entrenamiento de ballet que surgió del ballet ruso , creado por Agrippina Vaganova . Después de retirarse de la danza en 1916, Vaganova recurrió a la enseñanza en la Escuela Coreográfica de Leningrado en 1921. Su método de entrenamiento ahora es reconocido y venerado internacionalmente y su libro, Los fundamentos de la danza clásica(1934), es una referencia clásica. Este método está marcado por la fusión del estilo clásico francés, específicamente elementos de la era romántica, con el atletismo del método italiano y la apasionada pasión del ballet ruso. [16]Desarrolló un método de instrucción extremadamente preciso en su libro Principios básicos de la danza clásica rusa.(1948) Esto incluye esbozar cuándo enseñar componentes técnicos a los estudiantes en sus carreras de ballet, por cuánto tiempo enfocarse en él y la cantidad correcta de enfoque en cada etapa de la carrera del estudiante. Estos libros de texto continúan siendo extremadamente importantes para la instrucción del ballet hoy.
El método enfatiza el desarrollo de la fuerza, la flexibilidad y la resistencia para el desempeño adecuado del ballet. Ella abrazó la creencia de que se debería dar igual importancia a los brazos y las piernas al realizar ballet, ya que esto traerá armonía y una mayor expresión al cuerpo en general. [18]
Método Cecchetti [ editar ]
Desarrollado por Enrico Cecchetti (1850-1928), este método es conocido internacionalmente por su intensa dependencia de la comprensión de la anatomía en relación con el ballet clásico. El objetivo de este método es inculcar características importantes para el desempeño del ballet en los estudiantes para que no tengan que depender de las imitaciones de los maestros. Los componentes importantes para este método son el énfasis del equilibrio, las elevaciones, el impulso , el equilibrio y la fuerza.
Este método defiende la importancia de reconocer que todas las partes del cuerpo se mueven juntas para crear líneas hermosas y elegantes, y como tal advierte contra el pensamiento del ballet en términos de brazos, piernas, cuello y torso como partes separadas. Este método es bien conocido por ocho puertos de bras que se utilizan. [dieciséis]
Método de Bournonville [ editar ]
El método Bournonville es un método danés ideado por primera vez por August Bournonville . Bournonville fue fuertemente influenciado por el método de ballet francés temprano debido a su entrenamiento con su padre, Antoine Bournonvilley otros importantes maestros de ballet francés. Este método tiene muchas diferencias de estilo que lo diferencian de otros métodos de ballet que se enseñan hoy. [19] Un componente clave es el uso de espacios diagonales, con la parte superior del cuerpo girando típicamente hacia el pie de trabajo. Este método también incorpora el uso muy básico de brazos, piruetas desde una posición baja de desarrollo en segundo lugar, y el uso de sostenes de quinta posición para el comienzo y el final de los movimientos.
El método de Bournonville produce bailarines que tienen un hermoso globo ("la ilusión de una ligereza imponderable" [20] ).
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El método de la Real Academia de Danza (RAD) [ editar ]
El método de la Royal Academy of Dance , también conocido como el estilo inglés de ballet, fue establecido en 1920 por Genee, Karsavina, Bedells, E Espinosa y Richardson. El objetivo de este método es promover la formación académica en ballet clásico en toda Gran Bretaña. Este estilo también se extendió a los Estados Unidos, y todavía se utiliza ampliamente en la actualidad. Hay niveles de grado específicos por los que un estudiante debe avanzar para completar la capacitación en este método. [21]El principio clave detrás de este método de instrucción es que la técnica básica de ballet debe enseñarse a un ritmo lento, con una progresión de dificultad a menudo mucho más lenta que el resto de los métodos. La idea detrás de esto es que si un estudiante debe hacer un gran esfuerzo para perfeccionar los pasos básicos, la técnica aprendida en estos pasos le permite al estudiante utilizar los más difíciles a un ritmo mucho más fácil. [dieciséis]
Método de balanza [ editar ]
Desarrollado por George Balanchine en el New York City Ballet . Su método se basa en gran medida en su propio entrenamiento como bailarín en Rusia. La técnica es conocida por su velocidad extrema en todas las rutinas, énfasis en líneas y pliés profundos. Quizás una de las diferencias más conocidas de este estilo es el posicionamiento poco ortodoxo del cuerpo. [16] Los bailarines de este estilo a menudo tienen las manos flexionadas e incluso los pies, y se colocan en posiciones desequilibradas. Importantes estudios de ballet que enseñan este método son el Miami City Ballet , la compañía Ballet Chicago Studio y la School of American Ballet en Nueva York. [22]
Disfraces [ editar ]
Los trajes de ballet juegan un papel importante en la comunidad del ballet. A menudo son la única supervivencia de una producción, representando una imagen imaginaria viva de la escena. [23]
Renacimiento y Barroco [ editar ]
Las raíces del ballet se remontan al Renacimiento en Francia e Italia, cuando la vestimenta de la corte fue el comienzo de los trajes de ballet. Los trajes de ballet han existido desde principios del siglo XV. El algodón y la seda se mezclaron con lino, tejido en gasa semitransparente [23] para crear exquisitos trajes de ballet.
Siglo XVII [ editar ]
Durante el siglo XVII, se utilizaron diferentes tipos de telas y diseños para hacer que los disfraces fueran más espectaculares y llamativos. La vestimenta de la corte aún permaneció para las mujeres durante este siglo. Sedas, satenes y telas bordadas con oro real y piedras preciosas aumentaron el nivel de decoración espectacular asociada con los trajes de ballet. [23] Los disfraces de las mujeres también consistían en prendas pesadas y faldas largas hasta la rodilla, lo que les dificultaba crear mucho movimiento y gesto.
Siglo XVIII [ editar ]
Durante el siglo xvm, los trajes escénicos seguían siendo muy similares a los de la corte, pero progresaron con el tiempo, principalmente debido al bailarín y maestro de ballet francés Jean-Georges Noverre (1727-1810), cuyas propuestas para modernizar el ballet figuran en su revolucionario Lettres sur. La danza y los ballets (1760). El libro de Noverre alteró el énfasis en una producción alejada del vestuario hacia los movimientos físicos y las emociones de los bailarines.
El ballet europeo se centró en la Ópera de París . [23] Durante esta época, las faldas se levantaron a unos centímetros del suelo. Flores, volantes, cintas y encajes enfatizaron este opulento estilo femenino, ya que los suaves tonos pastel en limón, durazno, rosa y pistacho dominaron la gama de colores. [23]
Siglo XIX [ editar ]
A principios del siglo XIX, se usaron trajes corporales ajustados, coronas florales, ramilletes y joyas. Los ideales del romanticismo se reflejaron a través de los movimientos femeninos. [23]
Los disfraces se volvieron mucho más ajustados a medida que los corsés comenzaron a usarse, para mostrar las curvas de una bailarina. Las joyas y los trajes deslumbrantes se hicieron mucho más populares.
Siglo XX [ editar ]
Durante el siglo XX, los trajes de ballet volvieron a la influencia del ballet ruso. Las faldas de bailarina se convirtieron en tutus hasta la rodilla, más tarde para mostrar su trabajo preciso en punta. Los colores utilizados en los vestuarios también se hicieron mucho más vibrantes. Los diseñadores usaron colores como el rojo, naranja, amarillo, etc. para crear una expresión visual cuando los bailarines de ballet actúan en el escenario.
El ballet como carrera [ editar ]
Los bailarines profesionales generalmente no están bien pagados. A partir de 2017, a los bailarines estadounidenses (incluidos el ballet y otras formas de baile) se les pagó un promedio de US $ 14.25 por hora. [24]El panorama laboral no es sólido, y la competencia para conseguir un trabajo es intensa, con un número de postulantes que supera ampliamente el número de vacantes. [24] Algunos bailarines ganan dinero participando en concursos de baile y se les otorga dinero o contratos de alto pago. [24] Los coreógrafos recibieron casi el doble de bailarines en 2017. [24]
Efectos sobre la salud [ editar ]
Las bailarinas de ballet adolescentes son propensas a sufrir fracturas por estrés en la primera costilla . [25] Los trastornos alimenticios son comunes en el ballet. Además, algunos investigadores han notado que el entrenamiento intensivo en ballet resulta en una menor densidad mineral ósea en los brazos. [26]
Cuestiones culturales [ editar ]
En el siglo XXI, el ballet ha sido criticado por ser anti-mujer y ageista . La queja sobre el ageismo se debe a que la mayoría de las coreografías se escriben de manera que solo puedan realizarlas un bailarín relativamente joven. [27] La estructura del ballet, en la cual un (generalmente) coreógrafo o director masculino utiliza (principalmente) los cuerpos de las mujeres para expresar su visión artística, mientras ignora, objetiva o silencia a las mujeres involucradas, ha sido criticada por no respetar a las mujeres.
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