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Escena de Les Sylphides

Un ballet blanc ( francés: [balɛ blɑ̃] , "ballet blanco") es una escena en la que la bailarina y el cuerpo femenino de ballet visten vestidos blancos o tutús . ^[1] Típico en el estilo romántico del ballet del siglo XIX, los ballets blancos generalmente están poblados por fantasmas, dríadas, náyades, doncellas encantadas, hadas y otras criaturas y espíritus sobrenaturales. ^[2]

Historia [ editar ]

Un precursor del género fue Ballet of the Nuns , un episodio en el acto 3 de la ópera Robert le Diable de Giacomo Meyerbeer . Los fantasmas de las monjas enclaustradas que, en la vida, fueron infieles a sus votos son convocados desde sus tumbas para tentar al héroe, Robert, con danzas, juegos de azar, bebidas y hacer el amor. ^[3] Coreografiada por Filippo Taglioni y presentada por primera vez en París en noviembre de 1831, protagonizó a su hija, Marie Taglioni como Helena, la abadesa del arruinado convento de Santa Rosalía. Los disfraces en las producciones modernas suelen ser vestidos blancos con fajas y tocados negros.

Al año siguiente, 1832, Marie Taglioni apareció en el papel principal de La Sylphide , la historia de una ninfa del bosque (una sílfide) que tienta a un granjero escocés, James, a abandonar a su novia rural y seguirla hacia el bosque, en busca de belleza etérea Los historiadores de la danza consideran que este trabajo, como el primer ballet blanco completo , es el comienzo del movimiento romántico en el ballet. ^[4]

El nombre del género se deriva del traje blanco diseñado por Eugène Lami para Taglioni, que se convirtió en el vestido reconocido para los bailarines de la escuela académica. La falda del tutú romántico tiene un diseño de media pantorrilla o tobillo. ^[5] A pesar de la introducción de elementos románticos de espíritus de otro mundo, el baile en La Sylphide era de la escuela puramente clásica. ^[6]

Fantasmas, sombras, sombras, espíritus y otros seres elementales dominaron los escenarios de ballet durante décadas después de La Sylphide . Famosos ballets blancos se representaron en el acto 2 de Giselle (1842), en los actos 2 y 4 de Swan Lake (1877/1895), en el acto 3 de La Bayadère (1877) y en el acto 1 de El cascanueces(1892).

En las producciones modernas, los bailarines en las escenas junto al lago de Swan Lake y en la escena del Reino de las Sombras de La Bayadère a veces usan tutús cortos y clásicos en lugar de los tradicionales vestidos de ballet hasta la pantorrilla o el tobillo, pero el efecto visualmente impresionante del ballet Blanc no ha disminuido. En 1908, Michel Fokine revivió el género en un ballet con la música de Frédéric Chopin que tituló Chopiniana . Cuando los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev presentaron una versión revisada en París en 1909 , se les otorgó el título más romántico de Les Sylphides . ^[7] Se ha mantenido como un elemento básico popular del repertorio de ballet durante el siglo pasado y más.

Ballet d'action es un género híbrido de ballet expresivo y simbólico que surgió durante el siglo XVIII. Acuñado retroactivamente en 1855 por el crítico de teatro Théophile Gautier , ^[1] uno de sus principales objetivos era liberar la transmisión de una historia del diálogo, confiando simplemente en la calidad del movimiento para comunicar acciones, motivos y emociones. La expresión de los bailarines se destacó en muchas de las obras influyentes como un aspecto vital del ballet d'action. Convertirse en una encarnación de la emoción o la pasión a través de la libre expresión, el movimiento y la coreografía realista era uno de los principales objetivos de este baile. ^[2]Por lo tanto, el aspecto mimético de la danza se utilizó para transmitir lo que la falta de diálogo no podía. Ciertamente, puede haber habido gestos codificados; Sin embargo, uno de los principales inquilinos del ballet d'action era liberar la danza del simbolismo poco realista, por lo que esta sigue siendo una pregunta difícil de alcanzar. A menudo, los accesorios y el objeto de vestuario participaron en la actuación para ayudar a aclarar la interacción y las pasiones de los personajes. Un ejemplo sería la bufanda de La Fille mal gardée , que representa el amor del personaje masculino y que el personaje femenino acepta después de un momento tímido. Los accesorios se utilizaron en armonía con el movimiento y la expresión del bailarín. Los programas para obras de teatro también fueron un lugar para explicar la acción en el escenario; sin embargo, a veces se criticaron aclaraciones manifiestas por mancillar el arte del ballet d'action. ^[3]

Aunque el coreógrafo francés Jean-Georges Noverre es a menudo acreditado con las ideas y definiciones originales de lo que llamó "ballet en acción", hubo varias otras influencias que contribuyeron al desarrollo del género. Si bien la 'Carta 1' de Noverre proporciona un bosquejo claro de sus ideas sobre el ballet d'action, no fue el primero ni el último en desarrollar una teoría del ballet en acción.

Influenciadores [ editar ]

A principios de la década de 1700, el baile grotesco influyó en que inspiró dos resultados muy diferentes: el estilo de Danza rígida y mecanizada de Gennaro y la posición del cuerpo, y la idea de pasión y expresión en el baile de John Weaver . En su "Ensayo hacia una historia del baile moderno", Weaver escribe que el "baile moderno" (o el personaje grotesco) debe incluir las cualidades miméticas en armonía con la coreografía y el movimiento. Él alienta la idea de que una audiencia pueda reconocer las emociones de un personaje y la historia de un baile simplemente a través de la expresión y los movimientos del bailarín. ^[4]
Marie SalleNo solo fue una influencia importante en el desarrollo del ballet d'action, sino también una bailarina, coreógrafa y maestra ejemplar por derecho propio. Su experiencia como artista de carnaval probablemente contribuyó a su fama como mime experta. Una evolución del baile grotesco al ballet de pantomima creó las tiendas por acción que inspiró a Noverre. Como estudiante suyo, estuvo expuesto a su danza moderna y expresiva y a la transmisión de pasiones en el escenario. Bailó con innovaciones de vestuario que son claramente los padres del ballet d'action; En lugar de disfraces y máscaras pesados y engorrosos, actuó en trajes simples con el pelo y la cara libres para el público. Sus compañeros de baile también se vieron afectados por sus danzas expresivas, tal como las escribió Noverre. Sus danzas teatrales miméticas libres y apasionadas claramente inspiradas, al menos en parte, el tratado de Noverre. Se podría decir que fueron las primeras instancias del ballet d'action 'clásico'.^[5]
En 1760, Jean-Georges Noverre escribió Letters on Dancing and Ballets , un manual de baile ampliamente publicado y muy popular. Insatisfecho con los ideales anticuados del ballet, Noverre pidió reformas severas a la forma de arte. Estas reformas presentaron el concepto de drama de danza o ballet en acción . El manifiesto de Noverre exploró lo siguiente:
- Tramas lógicas: no más tramas ilógicas o locas. Los ballets deben ser construidos racionalmente. La acción en el escenario debe ser coherente, con cada escena consistente en tono. La variedad y el contraste se pueden mostrar en todo el ballet en su conjunto.
- La verdad sobre la naturaleza: Noverre eliminó el simbolismo y las abstracciones presentes en el ballet de la corte. Las figuras mitológicas solo pueden usarse en ballets si están motivadas por las emociones humanas.
- No al uso de máscaras: Noverre eliminó el uso de máscaras. Se debe ver la cara del bailarín. Es expresivo y refuerza la emoción que intentan comunicar con su audiencia.
- Reforma de vestuario: los bailarines deben vestirse con telas ligeras que muestren sus figuras y permitan la movilidad. No más disfraces engorrosos como alforjas o tonnelets. Los disfraces deben ser oportunos y representar el personaje que representa el bailarín.
- Colaboración artística: Noverre pidió una mejor comunicación entre los colaboradores artísticos. Había sido una práctica común (hasta este punto) que el coreógrafo, el compositor, los diseñadores y los maquinistas trabajaran de forma independiente hasta el final del proceso de producción. Noverre sintió que un proceso creativo más cohesivo era parte integral del éxito de un ballet.
- Noverre también fue un defensor de la educación. Recomendó que los coreógrafos se eduquen en materias adicionales para ayudarlos mejor en su capacidad de crear ballets veraces. Por ejemplo, un coreógrafo debe estudiar pintura para poder componer cuadros (formaciones) como lo haría un pintor. También debe observar a las personas en todos los ámbitos de la vida, para que pueda aplicar gestos realistas y apropiados a los personajes creados en ballets.
Otros colaboradores incluyen a los coreógrafos Jean-Baptiste de Hesse (1705–1779) y Franz Anton Hilverding (1710–1768), así como al crítico Gasparo Angiolini (1731–1803) y Louis de Cahusac (1700–1759), un libretista francés y Historiador de la danza.

Una compañía de ballet es un tipo de compañía de danza que realiza ballet clásico , ballet neoclásico y / o ballet contemporáneo en la tradición europea, además de personal administrativo y de apoyo. La mayoría de las principales compañías de ballet emplean bailarines durante todo el año, excepto en los Estados Unidos, donde los contratos por parte del año (generalmente treinta o cuarenta semanas) son la norma. Una compañía generalmente tiene un cine en casa donde presenta la mayoría de sus actuaciones, pero muchas compañías también hacen giras en su país de origen o internacionalmente.

Las compañías de ballet rutinariamente pierden en la taquilla y dependen del apoyo financiero externo de un tipo u otro. En Europa, la mayor parte de este apoyo viene en forma de subsidios gubernamentales, aunque generalmente también se solicitan donaciones privadas. En América del Norte, las donaciones privadas son la principal fuente de financiación externa.

Muchas compañías de ballet tienen una escuela asociada que entrena bailarines. Tradicionalmente, la escuela proporcionaría a casi todos los bailarines de la compañía, algo que ayudó a crear distinciones claras en el estilo entre las compañías, pero el ballet del siglo XXI tiene prácticas de contratación abiertas, y muchas compañías de ballet tienen un personal muy internacional.

Personal [ editar ]

El jefe de una compañía de ballet se llama director artístico . Él o ella suele ser un bailarín retirado y, a menudo, él mismo coreografía algunas de las producciones de la compañía. En una gran empresa tendrá uno o más asistentes. El entrenamiento diario de los bailarines es responsabilidad de uno o más maestros de ballet y amantes del ballet . Algunas compañías también emplean répétiteurs y notarios de baile . A menudo hay un coreógrafo residente .

Todas las compañías, excepto las más pequeñas, dividen a sus bailarines en al menos tres grados. Los nombres más comunes para los dos grados superiores en inglés son director y solista, y los bailarines juveniles forman el cuerpo de ballet . Algunas compañías (especialmente en América del Norte) tienen aprendices o aprendices, que se ubican por debajo del cuerpo de ballet, y pueden ser no remunerados. Algunas compañías subdividen aún más estos grados, y la terminología utilizada varía de una compañía a otra. En el siglo XIX y desde principios hasta mediados del siglo XX, la mejor bailarina a menudo era reconocida como la primera bailarina , pero esta práctica ha cesado. Los bailarines masculinos y femeninos se dividieron históricamente en jerarquías separadas (para más información ver bailarina) Hoy en día, muchas compañías eligen usar una jerarquía de género neutral. Algunas compañías (principalmente en Rusia y países fuertemente influenciados por el ballet ruso ) emplean bailarines especializados : a diferencia de las bailarinas, los bailarines femeninos no bailan en punta . La compañía de ballet más grande del mundo es el Ballet Bolshoi de Moscú, que emplea a más de 240 bailarines a partir de 2010. Las compañías más grandes de Europa occidental y América del Norte emplean alrededor de cien.

Muchas compañías tienen un director musical , generalmente un director de profesión, aunque a menudo este es un puesto de medio tiempo. El director musical tiene un estatus más bajo en el ballet que en la ópera, donde es el jefe de la compañía. Se contratan conductores independientes para realizar producciones específicas cuando sea necesario. Las grandes compañías tienen su propia orquesta , que a menudo se comparte con una compañía de ópera residente en el mismo teatro u ópera. Las compañías más pequeñas contratan a una orquesta local por contrato para cada temporada de actuaciones, o contratan una orquesta scratch para actuaciones específicas, por ejemplo, cuando están de gira. Durante las clases de empresa y los ensayos, la música es provista por uno o más miembros del personal o pianistas independientes.

Todas las compañías, excepto las más pequeñas, tienen un personal administrativo separado que se ocupa de marketing, cuentas, asuntos de personal, logística, etc. Las empresas más grandes emplean un personal permanente de artesanos y artesanas, como fabricantes de accesorios y fabricantes de vestuario, y personal técnico, como técnicos de iluminación y directores de escena. Las empresas más pequeñas contratan trabajadores independientes para estos roles cuando sea necesario. Algunas compañías también tienen fisioterapeutas , masajistas y entrenadores físicos en el personal.

Tradiciones asiáticas del ballet clásico [ editar ]

El término " ballet " a veces se usa para referirse a los estilos de baile en la tradición clásica de cualquier cultura, principalmente en referencia a los estilos clásicos de danza realizados en partes de Asia. El ballet clásico hindú Ramayana se realiza a menudo en Indonesia . El Royal Ballet de Camboya es un ejemplo de una compañía de ballet en la tradición oriental.

Las compañías que se enumeran a continuación son compañías de ballet que actúan de acuerdo con la tradición europea, aunque algunas compañías internacionales también realizan ballets contemporáneos que combinan temas y técnicas de danza occidentales y orientales.